Kogei Art KYOTO

Kogei Art KYOTOの運営母体である株式会社からふね屋が、このたび京都府より「府内において同一業種で100年以上にわたり堅実に家業の理念を守り、伝統の技術と商法を継承し、他の企業の模範となってきた企業」として京の老舗表彰を受けました。

株式会社からふね屋は、1921年に印刷会社として創業しました。

それから約100年にわたり、印刷業を通して京都を中心に日本全国のお客様とお取引を行ってきました。

くわしくはこちら https://kogeiart.kyoto.jp/about/ をご覧ください。

京の老舗表彰について

京都府は、昭和43年度（1968年度）から「京の老舗表彰」を行い、これまで累計2,000社あまりの企業を表彰しました。
表彰された企業は京の老舗会のメンバーとして、「老舗企業が持つ京都特有の経営資産を有効に活用し、京都企業のブランド力の強化と京都の地域経済の活性化に役立つべく」活動しています。

先日表彰式が行われ、鈴木京都府副知事より表彰状と記念の盾をいただきました。

今後も祖業である印刷業をしっかり守っていくとともに、新たに取り組みはじめた工芸美術作品販売の事業にも邁進していく所存です。

平安時代の貴族の生活を描いた『源氏物語』、千年以上前に書かれたこの物語は、ただの文学作品に留まらず、その美しい描写と豊かな文化背景から、日本の多くの芸術や文化に影響を与えてきました。
昨年、NHKで放映された大河ドラマ「光る君へ」は、この『源氏物語』の作者である紫式部を主人公に、平安時代の華やかな宮廷生活を描いており、多くの視聴者に愛されています。
このドラマを通じて『源氏物語』への関心が高まっている今、その影響について詳しく探ってみましょう。

1. 文学への影響

『源氏物語』は、日本文学の中で最も重要な作品の一つとされています。その豊かな描写と繊細な心理描写は、後世の作家たちに大きな影響を与えました。例えば、江戸時代の俳人である松尾芭蕉や小説家である川端康成など、多くの作家が『源氏物語』からインスピレーションを得ています。また、現代の日本文学においても、その影響は色濃く残っており、数多くの作品で『源氏物語』へのオマージュが見られます。

2. 美術への影響
『源氏物語』は、美術作品にも大きな影響を与えました。
最も有名なのは、12世紀に制作された「源氏物語絵巻」です。この絵巻は、物語の名場面を絵と詞で描いたもので、その精緻な描写と美しい色彩が特徴です。源氏物語絵巻は、平安時代の絵画技術と物語の融合を象徴するものであり、今日でも日本の美術史において重要な位置を占めています。

3. 香道への影響
『源氏物語』は、香道にも大きな影響を与えました。香道とは、香木を焚いてその香りを楽しむ日本独自の文化です。『源氏物語』の中には、光源氏や他の貴族たちが香を焚いて楽しむシーンが多く描かれています。例えば、物語の中で光源氏が愛する女性たちに香を贈る場面や、貴族たちが香を焚いて香りを競う「香合」のシーンなどがあります。これらの描写は、平安時代の貴族社会における香の重要性を物語っています。

香道は、これにより貴族たちの間で広まり、やがて一つの洗練された芸道として発展していきました。香道の儀式や作法は、『源氏物語』の時代の風習を受け継ぎ、現代でもその美しい香りと共に楽しむことができます。

4. 演劇への影響
『源氏物語』は、伝統的な日本の演劇にも大きな影響を与えました。特に能や歌舞伎では、『源氏物語』を題材にした演目が数多く上演されています。能の演目「葵上」や「野々宮」、歌舞伎の演目「桜姫東文章」など、これらの作品は『源氏物語』の世界を舞台上に再現し、その美しさと悲劇を観客に伝えています。

5. 現代の視点
このように『源氏物語』は日本文化に非常に重要な影響を与えてきました。
現代においても、『源氏物語』は多くの工芸美術家やアーティストにインスピレーションを与え続けています。
例えば、現代の漆器や織物など工芸の世界でも、『源氏物語』のモチーフが取り入れられ、伝統と現代が融合した美しい作品が生み出されています。
これにより、『源氏物語』の世界が現代の感性と結びつき、新たな形で表現されています。

今日、日本的なものが失われてつつあると言われるなかで、最も日本的なもののひとつが、日本庭園ではないでしょうか？
日本庭園は、単なる美しさ以上のものを体現しており、自然との共生、精神的な平和など日本の文化を理解する上でとても大切なものです。

日本庭園とはなにか？

日本庭園は、自然を模倣し、石、水、植物を使って風景を描き出すことに特化しています。これらの要素は、見る人に内省と静寂を促すよう計画されています。

岩は永遠性や強さを、水は純粋さや変化の美を、植物は季節の移り変わりを表します。

最も特徴的な要素の一つは、完璧な自然を模倣しながらも、すべてが意図的に配置されていることです。

 西洋式庭園との相違点

日本庭園とたとえば英国式庭園（西洋式庭園の一例）は、自然観において根本的な違いがあります。

英国式庭園は、自然を支配し、整形することに重点を置きます。
対照的に、日本庭園は自然をそのまま具現化するのでなく、象徴的に抽象化する点に特徴があります。

西洋式庭園では広大な芝生や華やかな花壇が一般的ですが、日本庭園では、より繊細で精神的な美が求められます。

多様性と禅宗、茶道との関係

外国の庭園、たとえばフランス庭園、イタリア庭園、イギリス庭園などといえば、それぞれの国の文化や歴史と結びつき、その国の庭園様式として理解されていますが、日本庭園は草創期から仏教文化や禅文化など海外から伝わった文化を巧みに取り入れながら、多様な庭園文化を形成してきました。
したがってその形式においても、枯山水（かれさんすい）のような禅の庭から、茶の庭まで、さまざまなスタイルがあります。

枯山水（かれさんすい）: 石と砂を使用して水や山を象徴的に表現した庭園で、水を直接使用しないことが特徴です。

池泉回遊式庭園: 池や流れを中心に設計され、園内を散策しながら様々な景色を楽しむことができます。

庭師: 造園の職人

日本の庭師は、庭を通して自然と対話する造園の職人です。彼らは、生きた素材を扱い、時間と共に変化する風景を創造します。

庭師は自然素材の本質を理解し、それを生かす技術を持っています。
彼らの作業は、ただの技術以上に、文化や哲学、芸術の表現となっています。

伝統工芸と庭園

日本庭園は、見る人に自然の美と静けさ、そして日本の文化の深さを伝えます。

禅宗や茶道との密接な関係は、これらの庭園が単なる風景以上のものであることを示しています。

日本庭園という作品は、ひとことで言うならば、庭師たちが創り出す自然を素材にした屋外芸術であり空間芸術といえます。
そこにはさまざまな思想や意匠が入り、それを庭園というかたちに凝縮しまとめあげられた総合芸術ともいえます。
その意味で伝統工芸美術と重なる部分も大きいといえるでしょう。

2024年12月17日から京都国立近代美術館で始まった「生誕120年　人間国宝　黒田辰秋　木と漆と螺鈿の旅」を鑑賞してきました。

黒田辰秋は、1904年京都に生まれた日本を代表する木漆工芸家です。
父親はたくさんの職人を抱える漆塗師でしたが、当時一般的であった分業制に疑問を持ち、図案制作、素地作りから加飾までを一貫して自身で行う「個人作家」として生涯独自のスタンスを貫き、木工芸の技術としては日本で初めて重要無形文化財保持者（人間国宝）に認定されるなど、日本工芸史に確かな足跡を残しました。

また、先日のブログで紹介した河井寛次郎や柳宗悦などを通じて民藝運動とも深い関わりを持ちながら、いたずらな個性の表現ではなく人間の使う道具としての工芸の原点を重視し、実用性と装飾性、素材の特性の一体化を目指し、用いることで作品の良さが引き立っていくことを理想していました。

その代表作は今もそれぞれ現役で使われている京都百万遍の老舗カフェ「進々堂」の楢拭き漆テーブルや同じく京都祇園の和菓子店「鍵善良房」の欅拭き漆大飾り棚をあげることが出来ます。
また、世界的にも著名な映画監督 黒澤明の依頼で制作した家具セットや皇居新宮殿の扉飾りや梅の間用の大飾棚などを制作したことでも有名です。

さて今回の展覧会は、生誕120年を記念して、黒田が生まれ育って活躍の拠点とした京都で開催されています。

会場内は、大きくわけて、第1部で代表的な作品を通じて黒田の生涯の創作を振り返り、第2部では民藝運動との関わりや、木工芸、漆芸、螺鈿それぞれの技法に焦点を合わせて「用と美」という工芸の大きなテーマにスポットを当てています。

残念ながらと会場内は撮影が認められていませんでしたのでその様子はお伝えできませんが、素晴らしい図録が販売されていたので購入しました。

いずれの作品も決して華美ではなく、どちらかといえば質実剛健と表現できるものばかりなのですが、それでも凛とした気品を感じずにはおられませんでした。

おそらくそれが黒田辰秋が目指していた「用と美」、すなわち自身の作品を通して届けようとした自然の美なのでしょう。

本年もよろしくお願いします。
正月休みの最終日、以前ブログでも紹介した東寺の骨董市に行ってきました。

早朝でガラスケースが霜で曇るほどの寒さでした多くの人で賑わっていました。

Kogei Art KYOTOは、12月29日（日）から1月5日（月）まで、受注対応、お問い合せ対応ならびに配送業務を休ませていただきます。
1月6日（月）より業務を再開いたします。

和菓子は、見た目の美しさだけでなく、日本の四季、文化、伝統を感じさせてくれる特別な存在です。
この繊細な甘味は、四季折々の自然を讃え、節句や祭りなどの年中行事はもとより私達日本人の日常をも彩ってくれます。

四季を映す味と形
和菓子は四季を表現しています。春には桜餅や苺大福など、桜や苺を使った和菓子が人々を魅了します。夏には涼しげな水羊羹やかき氷が暑さを和らげます。秋は栗やさつまいもを使った和菓子が季節の変わり目を告げ、冬にはぜんざいやおしるこが心を温めます。これらの季節感あふれる和菓子は、自然とのつながりを感じさせてくれます。

茶席と和菓子
その美しさと繊細な味わいで知られる和菓子は、日本の伝統的な茶道の茶会においても欠かせない役割を果たしています。
茶会の席で使われるお菓子の種類は大きく分けると、主菓子と干菓子の二種類があり、基本的に濃茶（こいちゃ）では上生菓子である主菓子を、薄茶では干菓子をいただきます。
特に主菓子は、茶の湯の世界において、季節感を表現し、和の心を伝えるための重要な要素で、茶会の主題や季節を象徴する役割を持っています。
したがって主菓子は、専門の職人「菓子匠」「御菓子司」などが、亭主（茶席の主催者）と相談しながら、厳選された素材を用いて、季節の移ろいや特別な節句を反映しつつ、繊細な感覚と確かな技術で作ります。

工芸品としての美
主菓子は、見た目の美しさにも大きな価値があります。茶道においては、和菓子を一種の工芸品として捉え、その形状、色彩、質感を大切にします。職人が一つ一つ手作りで仕上げる上菓子は、茶席において芸術作品としても鑑賞されます。このように、主菓子は茶の世界における美の追求を象徴しています。

その主菓子の制作技法の一つに『はさみ菊』という「ねりきり」にハサミを入れて菊の花びらを表現する技法があります。

この『はさみ菊』の技法からインスパイアされて生まれたのが、Kogei Art KYOTOに出品中の陶芸作家林侑子さんの作品です。
彼女はこの「はさみ菊」からヒントを得て陶芸に応用するため、土に鋏を入れる作業の細かい修正を重ね、ついに「土鋏」という作陶技法を確立しました。

まとめ
和菓子は、見た目の美しさだけでなく、日本の四季、文化、伝統を感じさせてくれる特別な存在です。
これらの繊細な甘味を通じて、日本の自然への敬愛、節句や祭りを通じた人々の絆、職人の技への尊敬が伝わります。
和菓子を味わうことは、日本の文化を深く理解する一歩となるでしょう。

骨董市への招待

京都の骨董市は、京都の豊かな歴史と文化を色濃く反映し、古美術品や古着、書籍から家具まで、時代を超えた様々なアイテムが集まります。
言わば京都の骨董市は、単に物を売買する場ではなく過去と現在が交錯する場所です。
これらの市は、毎月、市内の様々な寺社などで開催され、地元の人々はもちろん、遠方からの訪問者にも愛されていて、ただの買い物の場を超え、日本の伝統と文化を体験できる貴重な場所となっています。

京都の主な骨董市

東寺　弘法市　（毎月21 日）

東寺　ガラクタ市　（毎月第１日曜）

弘法市が開催される東寺で、

毎月第1日曜に開催される骨董市です。約150のお店が軒を並べ、骨董好きの人々を多く集めています。

平安蚤の市（毎月10日）
平安遷都1100年を記念して1895（明治28）年に創建された平安神宮の朱色の鮮やかな大鳥居から伸びる参道と周りの岡崎公園で、毎月開かれています。
洋の東西を問わずアンティークや古道具が集う約150のブースが立ちます。

京都の骨董市は、歴史的なアイテムや伝統的な工芸品を探求するうえで、また日本の文化に深く触れる機会を提供してくれます。訪れる際は、その歴史を感じながら、一点一点のアイテムに込められた物語を想像することで、より豊かな体験ができるでしょう。京都への旅行計画に、骨董市の訪問を加えてみてはいかがでしょうか。

師走の京都に冬の訪れを告げる風物詩、「吉例顔見世興行」が今年も南座で開催されています。このイベントは、東西の歌舞伎俳優が一堂に会し、新旧の名作が披露される特別な公演です。歌舞伎発祥の地である鴨川の四条河原にほど近い、歴史ある南座の舞台では歌舞伎独特の華やかな世界が繰り広げられます。この時期、観光客や地元の人々が集まり、歌舞伎の魅力を思う存分堪能する絶好の機会となっています。
今年も南座の正面玄関には、出演する役者の名前を墨で書いた「まねき」が掲げられ、12月1日から約３週間の興行が始まっています。

歌舞伎の歴史とその独特な魅力

歌舞伎は、17世紀初頭に誕生し、江戸時代を通じて日本の大衆文化を代表する芸能として発展してきました。その特徴は、豪華絢爛な衣装、独特の化粧法、そして大胆な演技スタイルにあります。役者の一挙手一投足が観客の心を揺さぶり、物語の中に引き込まれる体験は他の芸能では味わえません。

特に、歌舞伎の舞台美術は工芸美術と深く関わっています。舞台装置や小道具は、熟練の職人たちによる精巧な手作りで、物語の世界観を豊かに表現します。これらは、日本の伝統工芸技術がいかに生活と密接に結びついているかを象徴するものです。

かぶき踊りを創始したことで知られる出雲阿国の像

歌舞伎役者の魅力とその芸術的表現

歌舞伎の魅力を語るうえで、役者の存在は欠かせません。彼らは、独特の声色、ダイナミックな動き、そして巧みな表現力で観客を物語の世界へと誘います。特に、舞台上で見せる「見得（みえ）」や「隈取（くまどり）」は、役者の個性を際立たせる重要な要素です。見得は、特定のシーンで役者が一瞬静止し、感情の頂点を表現するもので、隈取は顔に描かれる大胆な線がキャラクターの性格や役割を象徴します。

こうした役者の魅力は、単に演技だけにとどまりません。彼らは「家の芸」と呼ばれる代々受け継がれる技術や演目を背負いながら、新たな挑戦にも果敢に取り組む存在です。古典を守りつつ現代の感性を取り入れた新作歌舞伎にも注目が集まっています。
「家の芸」を守り技術などを受け継ぎながら新しい感性を取り入れていくところは、まさに工芸美術の世界とオーバーラップします。

浮世絵に描かれた役者絵の人気

江戸時代、歌舞伎は庶民の娯楽として絶大な人気を誇り、役者たちは一種のスター的存在でした。その人気を支えたのが、浮世絵に描かれた「役者絵」です。浮世絵師たちは、当時の著名な役者の舞台姿を描き、多くの人々に広めました。

例えば、東洲斎写楽の役者絵は、表情の誇張や鋭い線で役者の個性を際立たせ、独特のスタイルで知られています。また、喜多川歌麿や歌川豊国なども、細部にわたる精緻な描写で歌舞伎の世界を色鮮やかに再現しました。これらの役者絵は、歌舞伎公演の宣伝としてだけでなく、当時のファンが手に入れたい憧れのコレクションでもありました。

役者絵と現代のアート

浮世絵の役者絵は、歌舞伎と美術がいかに密接に結びついているかを示す一例です。この伝統は現代にも受け継がれ、歌舞伎の世界観をもとに伝統と現代の感性が融合した新しい作品も生まれています。

少し前の話になりますが、Kogei Art KYOTOのウェブサイトをご覧になったベルギーの方から、日本の旅行社を通じて、旅行中に作家と交流したり、作品を見ることができないか、と問合せがありました。

旅行の日程もすでに決まっていたためピンポイントの日時指定でしたが、Kogei Art KYOTO出品の作家の中で、羽田登喜さんとスケジュールが調整できたので、七名のお客様を彼女の工房に案内しました。

当日は羽田さんの友禅きものの作品についてレクチャーして、作品の制作の様子を観てもらったり作品に触れていただいたりと約一時間ほどアテンドしたのち、弊社のギャラリーで他の作家の作品もご覧いただきました。

Kogei Art KYOTOでは、このようにインバウンドのお客様をアテンドするオプショナルツアーのご相談なども承ります。

予め、ご希望の作家や作品があればお知らせください。可能な限りお会いいただいたり、ご覧いただけるようセッティングさせていただきます。

ますはお気軽にメールでご連絡ください。
Mail▶mail@kogeiart.kyoto.jp

旅行社やツアーコンダクター、ホテル関係の方からの問合せも歓迎いたします。

京都の水の特徴

京都は、美しい山々に囲まれた盆地に位置しており、これらの山から湧き出る清らかな水が、京都の水源の大部分を占めています。特に有名なのは、京都北部の山々から流れる鴨川です。この川は、京都市内を南下し、市の生活や文化に欠かせない存在です。
また、食品産業においても重要な役割を果たしていて、例えば、日本酒造りにおいて、清潔で質の高い水は美味しい日本酒を醸造する上で欠かせない要素です。京都には伏見地区という、水質の良さから日本酒造りが盛んな地域があり、多くの酒蔵がこの地で高品質な日本酒を生産しています。また、京都は抹茶や宇治茶の産地としても有名で、これらの茶葉の栽培にも、良質な水が不可欠です。

神社仏閣との関係

京都の水と神社仏閣との関係は、特に深いものがあります。貴船神社はその最も象徴的な例の一つで、水の神様を祀っていることで知られています。この神社は、水源を護るとともに、水に関連した神事や祭りを通じて、水の恵みに感謝し、その大切さを伝える役割を担っています。参拝者は手水舎で手を清めることで、水の清らかさを身をもって感じることができます。また、京都には清水寺のように、名水として知られる泉から湧き出る水を神聖視している神社仏閣も多く、これらの場所は精神的な浄化や癒しを求める人々にとって重要な場所となっています。

清水寺　音羽の滝

貴船神社

伝統工芸との関係

京都は友禅染をはじめとする染物文化で有名です。友禅染は、色鮮やかで繊細な染め分けが特徴の染色技法であり、この技術の発展には京都の清らかな水が欠かせませんでした。水質が染料の発色や布の質感に大きく影響するため、京都の水はこれらの工芸品の品質を高める重要な役割を果たしています。また、金箔の製造過程においても、純度の高い水が必要とされ、京都の水はこれら伝統工芸品の製造に不可欠な要素となっています。

伝統工芸と神社仏閣の関係性

京都の伝統工芸と神社仏閣は、共に水を尊重し、その恵みを大切にしているという点で密接な関係があります。伝統工芸品の製造過程において使用される清らかな水は、神社仏閣が守り伝える自然への畏敬の念と同じ精神から来ています。このように、京都の水は文化や信仰の根幹を形成する要素として、地域のアイデンティティを支えています。

生活への関わり

京都の人々の生活においても、この清らかな水は欠かせない存在です。京都の家庭では、料理やお茶にこの水を使うことで、食材の味を最大限に引き出しています。また、京都市内には多くの名水と呼ばれる泉があり、これらの水を日々の生活で利用することも、京都ならではの文化と言えるでしょう。

最後に

京都の水は、ただの物理的な資源を超え、地域の伝統工芸、美術、さらには神社仏閣と深く結びついています。これらの文化や信仰が現在も続いているのは、清らかで豊かな水資源を守り、大切にしてきた京都の人々の努力の賜物です。京都の水とそれが育んできた文化や伝統を理解することは、京都の魅力を深く知ることに他なりません。海外の読者に向けて、京都の水がいかに多面的に地域の生活や文化に影響を与えているかを伝えることは、この古都の真の美しさを伝えることにつながります。

今京都は紅葉が真っ盛り、国の内外からたくさんの観光客が京都を訪れています。
その観光客にも人気が高いのが、神社仏閣の夜間特別拝観とライトアップです。
中でも毎回たくさんの人が訪れる清水寺のライトアップを見るために夜の散歩に出かけました。(この記事は2023年11月に執筆しました）

家から歩いて清水寺に向かう途中、歌舞伎の発祥地の南座の前を通ったら、12月1日から始まる歌舞伎の吉例顔見世興行を控えて、まねき上げの作業に遭遇しました。
まねきとは、劇場の正面に興行期間中に出演する役者の名前を書いた看板のことです。

このまねき上げも京都の冬の風物詩として数えられています。

さらに散歩を進めると、法観寺の五重塔が見えてきました。通称「八坂の塔」と呼ばれて親しまれています。

そして、さらに坂を登りきるとライトアップされた清水寺の仁王門と西門、三重塔が見えてきました。
このあたりからは本当に人がいっぱいで、有名な本堂の「舞台」の周りは身動きがとれないぐらい人で溢れていました。

人はいっぱいで大変でしたが、ちょうど紅葉が最盛期で、清水寺の建物と相まってライトアップによって幻想的な雰囲気が醸し出されていて夜の散歩を楽しむことができました。

10月18日（金）～20日（日）の3日間、京都市山科区の清水焼団地で、清水焼の郷まつりが開催されました。

山科の清水焼団地は、京都の伝統的な陶磁器である清水焼を作る職人たちが集まる工業団地として知られています。
この地域は、もともと清水焼の制作拠点が京都市中心部の清水地区（東山）にあったことに由来していますが、第二次世界大戦後の都市化の影響や、陶芸に適した広い土地を求めて、1960年代に現在の山科区に移転されました。

現在も山科の清水焼団地は、職人たちが集まり、伝統技術を守りながらも、現代的なデザインや技法を取り入れた作品を作っています。
この団地では、さまざまな種類の陶器が生産されており、伝統的な茶器や器から、現代のライフスタイルに合ったデザインまで多岐にわたります。また、工房の一部は見学や陶芸体験を提供しており、観光客や陶芸ファンにも人気のスポットです。

この山科の清水焼団地で毎年10月に開催されるのが、清水焼の郷まつりです。

このイベントは京都最大級の陶器市で、若手からベテランの陶芸家をはじめ、窯元、問屋などが今年は114軒の出展者が集結していて、一点ものの作品から日常で使いやすい器まで、バラエティに富んだ“清水焼の今”を楽しむことができます。

それぞれがテントを張ってマルシェ形式で出展するので、来場者は出展者たちとの対話も楽しめますので、限定品や掘り出し物を求めて全国のやきものファンが集います。

来年も10月17日（金）、18日（土）、19日（日）に開催予定です。
ちょうど京都は観光シーズンですので、陶芸が好きな方は、旅行のスケジュールに加えることを検討してみてはいかがでしょうか？

Part 1の柴田良三氏と村田好謙氏、PART 2の今井眞正氏に続いて、今週は染織家の楮谷陽子氏の個展に伺ってきました。

楮谷陽子　藍の染色展

京都の中心地にある歴史ある呉服商社の展示会場を使って、藍染の染織作家 楮谷陽子佐の個展が開かれました。

会場は、明治時代に創建されその後増築を繰り返した伝統ある京町家形式の建物で、昔ながらの風情が残る会場に楮谷氏の作品が大変映えていました。

代表作のタペストリーのほかにも、スカーフ、テーブルマット、バッグ、パネル作品などの小品も多数展示されていました。

先週に引き継いで、Kogei Art KYOTO出展作家が参加している展覧会をレポートします。

今井眞正　in art KYOTO 2024

「art KYOTO」は2019年に初開催し、世界遺産や文化財を舞台に国内外のギャラリー・美術商が展示・販売を行うアートフェアです。

今年は東本願寺飛地境内の名勝「渉成園」で、池泉回遊式の庭園内に点在する4箇所の建物を展示会場にして開催されました。

今井氏の作品は、お父さんで文化勲章受賞者の故今井政之氏と、息子の今井完眞氏の作品とともに今井家親子３代揃って、代笠席という庭園の北側に位置する煎茶席に展示されていました。

その他にも現代美術をはじめ、古美術・近代美術・工芸など多様な美術品が広い会場に多数展示されたほか、様々な文化芸術イベントも開催されました。

10月に入ると京都市内は様々なアートイベントの開催で目白押しとなります。

Kogei Art KYOT0に参加している作家の展覧会もいくつか開催されています。
今回は、その中から柴田良三氏と村田好謙氏の個展の模様をリポートします。

柴田良三展

10月12日〜20日に京都市内の「ぱるあーと」というアートギャラリーで柴田良三氏の個展が開催されました。

「ぱるあーと」は、古い京町家を改装したギャラリーで、和の日常空間テイストが工芸作品の展示とよくマッチするスペースです。

柴田氏にとっては今回がコロナ禍をはさんで4年ぶりの個展開催で、日々の生活の中で使える小品から、得意のWave Vesselや大作の花器まで幅広く多数展示されていました。

中でも、柴田作品の原点とも言える中国明朝の景徳鎮窯の青花磁器を写した作品が目を引きます。

村田好謙展　「天照の恵」　ー光と水がもたらす生命の力ー

村田好謙氏の個展は、10月17日～24日に、京都の古刹　建仁寺の小書院で開催されました。

建仁寺は、鎌倉時代初期（12世紀後半から13世紀前半）、中国で禅の教えを学び、それを日本に持ち帰った栄西禅師によって建立された、京都で最も古く最も重要な禅寺の1つで、禅文化を象徴する場所です。
この由緒ある寺の静寂な空間と、バックボーンに仏教思想を持つ村田氏の繊細かつダイナミックな作風の作品が非常によくマッチしていました。

10月1日から12月1日まで、京都市京セラ美術館で、世界的なファッションブランド「GUCCI」の日本上陸60周年を記念した展覧会が開催されています。

GUCCI誕生の地フィレンチェと京都市は、姉妹都市を提携してから来年で60年を迎えることから今回の展覧会は日本と京都をオマージュし、GUCCIのアーカイブ作品を通じてブランドの革新の歴史とクリエイティビティの伝統を表現しています。特に京都とフィレンチェの長い交流を称え、双方の豊かな文化的価値と藝術的価値に光を当てる構成となっています。

会場は、６つの展示室を巡りながら、様々なテーマを通じて100年の歴史を持つGUCCIの過去・現在・未来に光を当てています。

ここからはテーマに沿って会場の様子を紹介したいと思います。

■TIME MAZE
この展示室は、フィレンチェのGUCCIに保管されているウェア、バッグやシューズ、アクセサリー、ラゲージなど、その次代を飾った様々な名品が年代に沿った同心円上に迷宮のように配されて、GUCCIのコードやレガシーをを体感できます。

■ZOETROPE
2番目の展示室は、ギリシャ語の「zoe（life）」と「tropos(turn)」を組み合わせた語で「wheel of life」という意味を持っていて、ラグジュアリーなライフスタイルと切っても切り離せない乗馬カルチャーの世界をテーマに、馬の優雅な動きを捉えた連続写真のインスタレーションとともにグッチの伝統的なデザインアイテムが展示されています。

■ECHOES
歴代のクリエイティブ・ディレクターたちのコレクションルックの作品が一堂に集められ、あたかもパーティー会場に迷い込んだような華やかな空間が拡がっています。

■LEISURE LEGACY
こちらでは、京都市京セラ美術館が所蔵する、余暇や屋外に因んだ伝統的な日本の絵画とともに、GUCCIがライフスタイルの様々なシーンを彩ってきたスポーツ用品やレジャーグッズなどが展示され、美術館での開催ならではのコラボレーションが楽しめます。

■BAMBOO
この展示室では、GUCCIの真のアイコンであるGUCCI BAMBOOをフィーチャーして1947年のその誕生から現在にいたるまでの変換を印象的なディスプレイで表現するとともに、GUCCI BAMBOOと日本の伝統工芸や現代アートとのコラボレーションアイテムをみることができます。

■RED THREADS
最後の空間は、Gucci Rosso AncoraというGUCCIを象徴するREDで彩られた空間で、アーカイブからイマジネーションを呼び起こすというこの展覧会のテーマを際立たせるアイテムやエレメントが展示されています。

この展覧会を通して120年の歴史を誇るこのブランドの革新とクリエイティビティに溢れる世界観を目の当たりにして、長きにわたって継承されてきたクラフトマンシップと確固たるブランディングの力をあらためて深く学びました。

Kogei Art KYOTOのもうひとつのレーベルであるKogei Art KYOTO -Life- のポップアップストアを10月15日（火）午後９時（日本時間）より、期間限定でオープンします。

Kogei Art KYOTO -Life- のオンラインショップで販売中の作品をすべて展示・販売するほか、Kogei Art KYOTO の作品も数点展示します。

作品を実際に手に取ってご覧いただけますので、この期間に京都にお越しの方はぜひご来店ください。

Kogei Art KYOTO -Life- 　秋のポップアップストア

とき：2024年10月15日（火）～12月中旬（終了日は未定）
ところ：ギャラリー＆ショップ唐船屋　606-8345 京都市左京区東大路仁王門下る東門前町505
営業時間：午前9時～午後6時
休業日：　第2・第４土曜、日曜、祝日
お支払い方法：現金、クレジットカード（JCB,VISA,Mastercard、AMEX,Dinerscaed,DISCOVER）、その他Paypayなど各種電子決済サービス（詳しくは店頭でご確認ください）

漆とは
漆は、主に日本、中国、朝鮮半島に生息するウルシの木から採取される天然の樹液です。 この樹液は空気や湿気にさらされると変化し、耐久性があり光沢のあるコーティングに硬化します。
日本の気候がちょうどこの現象に適していることもあり、何世紀にもわたって日本文化の不可欠な部分となってきました。

漆と日本
日本では、漆は単なる材料ではありません。 それは深く根付いた伝統を象徴しています。 漆と日本人の関係は、縄文時代（紀元前14,000～300年頃）にまで遡ります。 この時代の遺物は、漆が耐久性や美しさだけでなく、防水性や抗菌性のためにも使用されていたことを示しています。 漆は、仏教の儀式や茶道、さらには武士の甲冑にも使われるなど、いつの時代もその格式高い地位を保ってきました。
 

漆工芸について
漆工芸では、漆を何層にも丁寧に塗り重ねて、機能的でありながら非常に美しい作品を作ります。 伝統的なアイテムにはボウル、箱、トレイが含まれますが、現代の用途は家具や室内装飾にまで広がっています。 労働集約的なプロセスと芸術の自然の美しさとが組み合わさって、各作品は芸術作品であると同時に職人の技術の証でもあります。
 また日本の漆工芸はその高い品質により中世の頃から南蛮貿易を介して世界中に輸出されてきました。

漆工芸の技法について

乾漆
木や石膏などで原型を作り麻布を漆で貼り重ね形を作る技法です。奈良時代の仏像などに多く用いられ、興福寺の国宝・阿修羅像や唐招提寺の国宝・鑑真和上像などがあります。

 蒔絵
奈良時代に技法の源流がみられ平安時代以降高度に発達し江戸時代には完成された技法であり、世界の中でも稀な日本を代表する美術品として認知されています。漆で文様を描き乾燥しないうちに金、銀等の金属粉や乾漆粉(乾いた色漆を粉状にした物)を蒔き付けます。乾燥後漆を塗り固め炭で研ぎ研磨して蝋色工程同様仕上げます。

螺鈿（らでん）
螺鈿の技法は奈良時代に唐から伝えられ、夜光貝、鮑、蝶貝等の貝殻の内側、虹色光沢を持った真珠層の部分を文様に切り表現する技法。その貝は使用目的により厚みを調整します。厚貝(約1ミリ)を文様に切り器物に嵌め込む嵌入法、器物に貼り付けて縁を処理する貼付法、いずれも細線を毛彫し表現します。本来はこの厚貝を使用するものを螺鈿といい、薄貝を使う物は青貝細工という。

平文（ひょうもん）
金、銀、錫等の薄板を文様に切り器物に貼り漆を塗り込み研ぎ出す技法であり、古来より使われ応用されてきました。

堆朱（ついしゅ）彫漆（ちょうしつ）
堆朱は朱漆を７０～１５０回塗り重ね文様を彫り表現します。黒漆の場合は堆黒、黄漆の場合は堆黄などと呼びます。彫漆は数種の色漆を堆朱と同じように塗り重ね彫刻を施し断面の色層の美しさを表現します。

応用技法
これらの加飾法はしばしば併用され美術的に様々な表現で制作が行われています。沈金や蒟醤や変塗りなど各地方で盛んな技法も多く有り、刀の鞘などに趣向を凝らした為、鞘塗りとか変り塗りなどと呼ばれ、その技法は2千種とも３千種にもなります。

漆と金継ぎ 
金継ぎは、文字通り「金の建具」を意味し、壊れた陶器の破片を、金、銀、またはプラチナの粉末を混ぜた漆を使用して修復する哲学および芸術形式です。 この方法は、オブジェクトを修復するだけでなく、その欠陥と歴史を讃えながら、それを新しい芸術作品に変換します。 それは、不完全さや儚さの中に美を見出す、わびさびという日本の哲学を反映しています。

日本のショップを訪れたり、日本の文化に関する画像を閲覧したりしたことがある方なら、独特の丸い赤い人形を目にしたことがあるかもしれません。この人形は「達磨(だるま)」と呼ばれ、日本文化と人々の心に特別な存在となっています。この魅力的な人形の起源、芸術性、そして意味について掘り下げてみましょう。

禅仏教に起源あり:達磨のルーツ
達磨(だるま)人形は、5世紀または6世紀に禅宗を開いたとされる尊敬を集める僧侶、菩提達磨(だるまだいし)に由来しています。 達磨の揺るぎない瞑想と献身が、この人形に象徴されています。 伝説によると、彼は長時間瞑想を続けたため、手足が萎縮してしまったと言われています。そのため、達磨人形には伝統的に手足がありません。

白隠慧鶴(1686年~1769年)による達磨の書

仏教美術と達磨

仏教美術における達磨の表現は独特で、鋭い視線と髭を生やした顔が特徴的です。このイメージは達磨人形の顔の特徴に強く影響しており、禅仏教に内在する決意と忍耐の精神を凝縮しています。

達磨人形の誕生と普及
もともと、だるまは17世紀に高崎市で誕生しました。 張り子で作られ、傾けると元に戻るように設計されたこの人形は、不屈の精神を象徴し、仏教の「七転び八起き」の教えを表しています。 時が経つにつれ、だるまは正月用の贈り物として人気となり、幸運のシンボルとして広く使われるようになりました。

日本人にとってのだるまの意義
多くの日本人にとって、だるまは単なる置物ではなく、モチベーションを高めるツールである。だるまを受け取った人は、目標を立てたり願い事をしたりするときに、通常、片方の目を入れる。目標を達成したり願い事が叶ったりしたら、もう片方の目を入れる。この慣習は、だるまとその持ち主のパートナーシップを強調するものであり、課題に立ち向かい、成功を祝うという決意を表している。

歴史と象徴に彩られた達磨は、ただの人形ではなく、忍耐、希望、そして豊かな日本文化の織りなす絆の象徴です。

下の画像は現在Kogei Art KYOTOサイトで展示中の林裕子氏による陶器の達磨人形です。

https://kogeiart.kyoto.jp/product/daruma/

https://kogeiart.kyoto.jp/product/daruma-2/