スピリチュアリズムの影響を受けた主に絵画の芸術形態は、スピリチュアリスト アート、スピリット アート、ミディアム アート、またはサイキック ペインティングと呼ばれます。スピリチュアル アートはモダニズムに大きな影響を与え、その結果、今日のアートにも影響を与えました。
ジョージアナ ホートンとピエト モンドリアンは、有名なスピリチュアル アーティストです。スピリチュアリズムは、ヴァシリー・カンディンスキー、ピエト・モンドリアン、カシミール・マレーヴィチ、フランティシェク・クプカの先駆的な抽象芸術にもインスピレーションを与えました。ホートンと他のスピリチュアリストの芸術家は、歴史家がスピリチュアリズムとオカルト環境の重要性を認識するのを助けました.
近年、多くの芸術専門家は、現代抽象芸術の発展に対するスピリチュアリズムの貢献を認めています。一流の現代アーティストは今でもスピリチュアリティと対話しています。有名なブラジルのミディアム ヒーラー、ジョン オブ ゴッドの指導の下、セルビアのパフォーマンス アーティスト、マリーナ アブラモビッチがミディアムになりました。彼女の作品には、アフリカ系アメリカ人やアボリジニのオーストラリアの伝統から引き出されたものだけでなく、多くのスピリチュアリストの要素が含まれています。
多くのアーティストがスピリチュアリズムの影響を受けましたが、スピリチュアリストが「精神芸術」と呼ぶものを作成したアーティストはほとんどいません。 「精神芸術」を正確に構成するものは、主に 3 つのカテゴリに分類できます。交霊会の際に霊媒の手によって描かれた精霊の肖像画。そして、彼らの手は精霊によって導かれていると主張する媒体芸術家によって作られた作品。
媒体は、「降水」の最初のケースでは、精霊は人間の芸術家を使って手を導いていなかったと主張しています。代わりに、彼らは絵を自分で作成しました。スピリット アートの 2 番目の例であるスピリット ポートレートでは、霊媒師がスピリチュアリズムの最盛期に交霊会に出席したと言ったスピリットのポートレートをスケッチすることが非常に人気がありました。人の歴史、現在、未来を霊媒や千里眼から見た「オーラグラフ」は、後者の「霊術」に近い。
スピリチュアリストによると、第 3 のタイプの「スピリット アート」は、精霊がアーティストの手を操作して制作した建築、彫刻、絵画の作品で構成されています。 2番目のグループ（精霊の肖像画）では、精霊が霊媒の手を指していることが多いと言われていますが、3番目のカテゴリでは、精霊自身の肖像画ではなく、さまざまな芸術作品が作成されています.
David Duguid (1832-1907) は、霊画を「沈殿」させることができた最初の有名な媒体でした。デュギッドは精霊画家の助けを借りて頻繁に絵を描いていましたが、彼の交霊会の際に、彼のガイドは「直接」（沈殿した）絵も作成しました。
ニューヨーク州リリー デールのスピリチュアリスト コミュニティに住んでいたキャンベル兄弟は、おそらく絵画の沈殿を専門とする最初の媒体の 1 つでした。兄弟ではありませんが、アレン・キャンベル (1833–1919) とチャールズ・ショールズ (1863–1926) は家を共有し、一緒に交霊会を行いました。キャンベル兄弟は、公開されたナポレオンやエイブラハム リンカーンの肖像画を含む、最も有名な肖像画を作成する際にキャンバスに手を出すことはありませんでした。今日でも、リリー デールの観光客や地元の人々は、キャンベル夫妻の傑作の前で精神的な出会いがあったと主張しています。
バングス シスターズ、エリザベス (1859–1920) とメイ メアリー エルビラ (1862–1917) は、亡くなった人の肖像画で同様に有名でした。キャンベル・ブラザーズとバングス・シスターズは詐欺師として頻繁に暴露されていましたが、アメリカのスピリチュアリスト・コミュニティの重要な部分によって強力に保護されていました。
アン・オデリア・ディス・デバー (1849–1911) としても知られる「スワミ・ローラ・ホロス」は、ヨーロッパの古い巨匠の霊に導かれていると主張し、霊画とも関連していました。 1901 年、デバーは詐欺罪で有罪となり、ロンドンの神殿で不道徳な性行為を行ったとして投獄されました。
19 世紀で最も有名で伝説的なオカルティストであり、ニューエイジ運動の創始者であるマダム ヘレナ ブラヴァツキー (1831–1891) は、彼女のキャリアの初期に、心霊画の作成にも携わっていました。
ヴィクトル ユーゴー (1802–1855) は、チャネル諸島のジャージー島にある邸宅で開催された交霊会で、心霊画を制作しました。当時、盛んなスピリチュアリスト市場は、米国で亡くなった愛する人の肖像画を探している人々によっても支えられていました.そこでは、ウェラ・パーシー (1833–1900) とリジー・ペット・アンダーソン (1839–1896; 著名) が人生とスピリチュアリズムのパートナーでした。それらは、精霊の助けを借りて作成されたアートワークのみを特集したブルックリンを拠点とする出版物であるギャラリーオブスピリットアートによって宣伝されました。
交霊会に登場するスピリットの肖像画は、現在でもスピリチュアリストのシーンの一部であり、亡くなった愛する人を認識していると考えている個人にとっては、非常に感動的な体験になる可能性があります.フランク リア (1886 ～ 1972 年) とコーラル ポルジ (1924 ～ 2001 年) の 2 人の英国のスピリット アーティストは、この地域で国際的に有名でした。
イギリスのコーラル・ライダーやアン・ブリッジ・デイヴィス、カナダのフランチェスカ・フェラーロ、オランダのアンジェリック・ヴァン・ベズウェンなど、数百人のスピリット・ペインターが伝統を受け継いでいます。
トランス ペインティングを実践するブラジルのスピリチュアリストは、有名な画家や彫刻家の作品を頻繁に紹介しています。ホセ メドラド (1961 年生まれ) は、彼のトランス アクリル画と、多くのスピリット アシスタントの助けを借りて芸術作品を制作することがどれほど簡単かで、世界中でよく知られています。トランス状態の彼は、ルノワール、ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ、クロード・モネ、マティス、ゴーギャン、カサット、ダ・ヴィンチ、モリゾ、マネなどの巨匠の影響を受けて絵画を制作しました。ブラジルのメドラドとしてもよく知られているルイス・アントニオ・ガスパレット (1949-2018) は、ドガ、サンドロ・ボッティチェリ、アメデオ・モディリアーニ、および他の多くの有名なアーティストの指導を受けて、彼の手で絵を描いたり彫刻したりしています。
精神建築のいくつかの例もこのカテゴリに分類されます。 Iulia Hasdeu (1869–1888) は媒体を使用して、カンピーナにある有名な「ハスデュー城」とブカレストにある彼女の墓の建築計画を明らかにしました。 1880 年から 1899 年にかけてイタリアの上院議員とフリーメーソンのフェデリコ ロザッツァ (1813–1899) のために建設された、ビエッラの近くにあるイタリアのロザッツァの村は、精神建築のもう 1 つの例です。画家のジュゼッペ・マフェイ (1821-1901) によって設計されました。それは、彼の人生で建築家として働いたことのないヒッポのアウグスティヌス (354–430) の精霊と、トスカーナ州ヴォルテッラ出身の無名の男によって彼に与えられた計画に基づいていました。
近年、アート業界でスピリチュアリティへの関心が再び高まっています。死後の博物館では、神秘主義と宗教を広く掘り下げた故人の芸術家に注意が向けられています。 2018 年から 2019 年にかけてグッゲンハイム美術館で開催された魅惑的なヒルマ アフ クリント展は、美術館の歴史の中で最も多くの訪問者を集めた展覧会であり、おそらくこの最も有名な例です。ホイットニー美術館は、2020 年にアグネス ペルトンの 20 年以上ぶりの作品の個展を開催しました。
精神性の考え方は、現代美術を含む 21 世紀の数多くの文化的言説にとってますます重要になってきています。精神的または宗教的伝統は、精神的であると見なされる芸術に暗示または表現される場合があります。過去において、芸術と宗教のつながりは、スピリチュアリティと芸術の間の仲介者として役立ってきました。しかし、西ヨーロッパで組織化された宗教が衰退したにもかかわらず、他の文化分野、特に芸術において、精神性に関連した関心が高まっています.
Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces.
A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology.
The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.
The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.
The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.
Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.
The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design.
The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.
Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.
As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.
Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.
Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.
These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.
As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.
1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.
2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.
3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.
4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.
5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.
6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.
7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.
The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.
"Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.
"Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.
"Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.
"Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.
"Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.
"Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.
"Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.
"For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.
"Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.
"One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.
These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.
