L’evoluzione del colore nell’arte moderna segna un percorso di progressiva emancipazione dall’obbligo di fedeltà alla realtà visibile. Dopo l'Impressionismo, in cui la resa delle cromie si ispira ancora al dato naturale, i movimenti successivi si fanno portavoce di una nuova interpretazione tonale, che supera la mera riproduzione del mondo esterno e si spinge verso la ricerca di significati più profondi e autonomi. L’Espressionismo fauvista inaugura questa stagione con un uso audace e distorto del colore: non più descrittivo, ma emozionale e simbolico, portato all’estremo nelle opere di artisti come Matisse. Qui, il colore si fa veicolo dell’interiorità, trasformando la rappresentazione in esperienza visiva.
Con l’avvento dei monocromi astratti, il colore viene spogliato di ogni riferimento alla forma e alla rappresentazione. Artisti come Yves Klein e Kazimir Malevich ricercano un’espressione pura, dove le cromie diventano gli unici protagonisti, all'interno di un campo visivo che rivendica tutta la potenza espressiva della pittura stessa. L’assenza del reale, del soggetto riconoscibile, fa sì che la percezione si concentri esclusivamente sulla qualità cromatica, portando il colore alla sua massima essenza comunicativa.
Parallelamente, la Pop Art trasforma i pigmenti in linguaggio visivo iconico: nei lavori di Andy Warhol, Roy Lichtenstein e altri artisti della corrente, il colore brillante e saturo è utilizzato per riflettere il consumismo e la cultura di massa, avvicinando l’espressione visiva al linguaggio della pubblicità e sfidando il confine tra arte e cultura popolare. Qui, il colore non si limita a rappresentare, ma incorpora e valorizza i simboli della vita quotidiana, creando un’interazione intensa tra bellezza visiva e messaggi mainstream.
La brillantezza cromatica del movimento sopra, oltre la peculiare saturazione esasperata, trasformano prodotti e volti familiari in emblemi universali, distaccandosi dal loro significato ordinario. In questo processo, i colori divengono un elemento essenziale di celebrazione: questi conferiscono alle immagini una presenza magnetica, quasi atemporale, come se ciò che è effimero e destinato al consumo rapido potesse permanere e diventare "divino".
Infine, l’arte digitale rappresenta la nuova frontiera nella ricerca cromatica, offrendo possibilità inedite di esplorazione attraverso la tecnologia. In questo ambito, il colore può essere manipolato e combinato con una libertà mai conosciuta prima, diventando strumento per sondare nuove dimensioni di significato e percezione.
L’analisi che segue esplora i suddetti approcci al colore, illustrandoli con esempi concreti di opere d'arte realizzate dagli artisti di Artmajeur, al fine di rivelare come le cromie possano arricchire e trasformare la rappresentazione del reale, aggiungendo profondità e significati inediti.
Morning. A glass of water (2024) Dipinto di Mykola Kozlovskyi
Quel ennui (2024) Dipinto di G. Carta
Il Fauvismo e la Rivoluzione Cromatica: Dal Reale all'Emozione
Queste due opere mostrano un uso del colore tipicamente fauvista, in cui i pigmenti vibranti e svincolati dalla resa naturalistica trasmettono un’espressione personale che va oltre la semplice rappresentazione. Nel dipinto "Morning. A Glass of Water" di Mykola Kozlovskyi, le cromie non sono utilizzate per rispecchiare fedelmente la veduta paesaggistica visibile dalla finestra, ma piuttosto per comunicare un’atmosfera intima e contemplativa. I colori saturi e innaturali della scena esterna, con blu e verdi intensi, reinterpretano volutamente il reale per evocare uno stato d’animo sereno e sospeso nel tempo. Questo approccio, che si allontana dalla resa naturalistica, pone l’accento sull’emozione del momento, trasformando l’elemento paesaggistico in un’esperienza quasi meditativa.
Nel dipinto "Quel ennui" di G. Carta, il colore non solo è uno strumento di rappresentazione, ma è anche il veicolo per evocare un complesso spettro di emozioni. Le tonalità vivide e contrastate, come il verde acceso dello sfondo e i toni rosati e arancioni del volto, creano una tensione cromatica che attira l’attenzione dello spettatore e lo invita a esplorare il mondo interiore del soggetto. La combinazione di questi colori, lontana dai toni realistici, suggerisce un’inquietudine sottile, quasi esistenziale, che risuona con il titolo dell’opera, "Quel ennui" ("Che noia"). Il verde di fondo, freddo e distaccato, fa invece da contrasto alle tonalità calde e sature del volto, creando un effetto straniante e rafforzando un senso di isolamento. Questa "opposizione" cromatica amplifica l’espressione del soggetto, che appare immerso in una sorta di malinconia, in un momento di introspezione profonda. I colori intensi non definiscono quindi solo i contorni e le forme del volto, ma sembrano pulsare di una vita interiore trattenuta, di emozioni non espresse a parole, come se il soggetto fosse sospeso in un pensiero indefinito o in una condizione di passività che solo lo sguardo dell’osservatore può penetrare.
Pink (Colours of Nature) (2024) Dipinto di Gleb Skubachevsky
Suture (2022) Collage e pittura di Pauline Della Pera
Monocromi: Quando il Colore Diventa Assoluto
Nel panorama dei monocromi, le opere "Pink (Colours of Nature)" di Gleb Skubachevsky e "Suture" di Pauline Della Pera offrono una riflessione profonda sul linguaggio del colore e della materia, svincolandosi completamente dalla rappresentazione realistica. Queste opere non si limitano a esplorare le sfumature di un singolo colore, ma ne enfatizzano la potenzialità espressiva, puntando su una ricca stratificazione materica e su una fisicità tattile che trasformano la superficie pittorica in un campo di percezioni intense.
In "Pink (Colours of Nature)", Gleb Skubachevsky utilizza la sua tecnica distintiva di carta su tela, creando un effetto visivo e tattile in cui il colore rosa si dispiega come un campo vivace e vibrante. Realizzato in acrilico, questo monocromo fa parte della serie "Colours of Nature", in cui l'artista seleziona e combina colori naturali, rappresentandoli come se stessero crescendo organicamente dalla superficie della tela. La ripetizione delle linee e la disposizione delle texture richiamano appunto una crescita organica, suggerendo un'astrazione che, pur monocroma, si arricchisce di sfumature naturali e di un senso di vitalità che sembra espandersi oltre i confini della tela. Qui, il rosa non è semplicemente un colore, ma diventa un elemento che, attraverso una raffinata manipolazione della materia, evoca la complessità dello stesso ecosistema.
Dall'altro lato, "Suture" di Pauline Della Pera, realizzato nel 2022, rappresenta un’esplorazione del nero attraverso un procedimento misto di collage, inchiostro, acrilico, spray e ricamo su tela. Il nero diventa qui un campo di tensione e di silenzio, una superficie che, grazie alla matericità della tecnica, oscilla tra pittura e scultura. Le “suture” visibili sulla superficie, realizzate con fili di ricamo, aggiungono una dimensione di fragilità e di intervento manuale, come segni di una ferita metaforica, una traccia tangibile del gesto artistico. Il nero, privato di ogni funzione descrittiva, acquista una qualità quasi spirituale, una profondità che richiama le esplorazioni di artisti come Kazimir Malevich, in cui il colore si trasforma in un veicolo di contemplazione assoluta.
EGG WOMAN POPART (2024) Dipinto di Claudia Sauter (Poptonicart)
Who's that? (2024) Dipinto di Alex Bond
Pop Art: Il Colore come Icona della Cultura di Massa
Nelle due opere "Egg Woman Popart" di Claudia Sauter e "Who’s Who?" di Alex Bond, il colore emerge come elemento fondamentale, trasformando la rappresentazione del reale in qualcosa di vivace e iconico, in pieno stile Pop Art. Il movimento si è appunto distinto per l’uso di cromie intense e contrastanti, che rimandano alle tonalità tipiche della stampa e della pubblicità, rendendo le immagini altamente memorabili e indissolubilmente legate alla cultura di massa.
In "Egg Woman Popart", l’uso del turchese brillante come sfondo crea un forte impatto visivo e accentua il surrealismo dell’immagine, in cui un uovo bianco sovrasta il volto di una donna, richiamando la manipolazione dell’immaginario tipica del linguaggio pop. Il contrasto tra i colori vividi e la figura umana distorta evoca un senso di stravaganza, rendendo l’opera un’interpretazione ironica e audace della cultura visiva contemporanea. Questo utilizzo delle cromie non solo cattura l’attenzione, ma incide profondamente nella memoria dell’osservatore, proprio come farebbe un’efficace campagna pubblicitaria.
Nel dipinto "Who’s Who?", Bond reinterpreta l'icona di Marilyn Monroe sovrapponendole il volto di un'altra persona, creando un’immagine che invita l’osservatore a riflettere sul concetto di mito e identità. I colori, saturi e innaturali, come il giallo dei capelli e il rosa della pelle, rievocano la tecnica di Warhol e il suo modo di decontestualizzare le celebrità, elevandole a oggetti del consumismo culturale. Qui, le cromie non servono più solo a rappresentare, ma a enfatizzare e distorcere, sfidando le convenzioni visive e trasformando un volto noto in un simbolo di riflessione sulla fama e sulla superficialità dell’immagine popolare.
Shelf Life - (2024) Art digitale di Tim Cutler
La Mémoire des Échafaudages (2024) Arte digitale di Sid
Arte Digitale: La Nuova Frontiera del Colore
Le opere digitali "Shelf Life" di Tim Cutler e "La Mémoire des Échafaudages" di Sid esemplificano l’uso innovativo del colore nel contesto dell'arte digitale, enfatizzando sia la composizione visiva sia il significato simbolico delle tonalità selezionate.
In "Shelf Life", l’uso di colori saturi e brillanti, che spaziano su una gamma di sfumature arcobaleno, crea un effetto ipnotico e artificiale, quasi a sottolineare l’aspetto costruito e codificato dell’opera. Questo cubo luminoso, che contiene sagome di figure umane, evoca un senso di struttura rigida e controllo. I colori distintivi e contrastanti per ciascuna sezione del cubo sottolineano l'isolamento dei soggetti, quasi come fossero frammenti di una società compartimentata e sorvegliata. La luce riflessa e i colori accesi generano un impatto visivo immediato, richiamando l’estetica delle insegne pubblicitarie e dei display commerciali, ma allo stesso tempo suggeriscono un’indagine sulla standardizzazione e sull’omologazione dell’individuo nell’era digitale.
"La Mémoire des Échafaudages" di Sid si contraddistingue per una rappresentazione cromatica intensa e brillante, pur rimanendo su tonalità cupe e profonde. I colori sono applicati per evocare la forza del legno e dei materiali da costruzione, creando un contrasto affascinante con l’apparente fragilità della struttura asimmetrica, che rappresenta una figura umana "stilizzata". Questo “cubismo digitalizzato” emerge da uno sfondo scuro, enfatizzando la drammaticità della composizione e dando risalto alla figura, come se fosse generata da una luminosità vibrante che ne accentua i contorni.
La combinazione di cromie scure e vibranti conferisce all’opera un senso di tensione e instabilità, come se la struttura fosse sul punto di crollare, evocando un profondo senso di impermanenza. La delicatezza dei pixel e la natura effimera del dato digitale accentuano ulteriormente la precarietà della memoria e della percezione visiva. Sid riesce così a rappresentare la transitorietà, infondendo all’opera una qualità che, pur essendo digitale, appare sorprendentemente umana e tangibile, suggerendo la vulnerabilità intrinseca dell’immagine stessa.
Olimpia Gaia Martinelli
