Name: ARTMAJEUR
Brand: ARTMAJEUR
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Yuliia Chaika, Ammirazione, 2022. Acrilico su tela, 40 x 30 cm.

Invece di introdurre l'arte naif con definizioni complesse, tediose e accademiche, nonché con date, eventi, tecniche e caratteristiche stilistiche peculiari, sembra più proficuo, al fine di stimolare l'interesse e quindi l'apprendimento, immergere il lettore direttamente nella materia, scoprendo solo a posteriori che quanto "visto" e "udito" faceva parte di un più specifico e più ampio filone della storia dell'arte, individuato in un momento storico preciso e unico, reso manifesto dall'opera di certi e noti maestri. Per trasportare la nostra immaginazione in un contesto specifico, è necessario individuare un filo conduttore, cioè un soggetto, attraverso il quale sia possibile confrontare l'opera di più artisti, per collocarla, in un momento successivo, all'interno di un certo tipo di produzione artistica. In questo caso, "l'oggetto" della nostra attenzione è rappresentato dalle bestie feroci, cioè da quegli animali che, come tigri, leopardi e leoni, sono stati spesso oggetto, per ragioni che approfondiremo in seguito, dell'opera di Henri Rousseau e Antonio Ligabue, maestri irrinunciabili dell'Ottocento e del Novecento. Parlando del maestro francese, egli, dopo un primo periodo artistico, incentrato soprattutto sui temi del ritratto e delle vedute di città, spostò la sua attenzione, a partire dagli anni Novanta dell'Ottocento, sulla raffigurazione di paesaggi tropicali, animati dalla presenza di bestie, colte in l'autenticità del loro temperamento, che, sebbene a volte piuttosto famelico, risulta essere sempre "sognante" e istintivo, cioè privo di ogni tipo di allusione a un male più artefatto, elaborato e costruito, di natura prevalentemente più umana. Tali peculiarità si ritrovano in diverse opere realizzate dall'artista, tra le quali, la prima della serie, risulta essere Sorpresa! , un dipinto del 1891, in cui una tigre, che trova la sua collocazione in primo piano sul supporto, è intenta ad avventarsi, mentre, alle sue spalle, si scatena una violenta tempesta tropicale attraverso poderosi fulmini.

Henri Rousseau, Sorpreso! , 1892. Olio su tela, 130 x 162 cm. Londra: Galleria Nazionale.

Antonio Ligabue, Tigre con serpente . Olio su faesite, 66 x 80 cm.

In questo contesto, proprio l'inquietante ambiente naturale trova il suo corrispettivo nel mondo animale, immortalato nella pericolosità del suddetto animale, che, indomito, viene colto nel preciso istante in cui esprime tutta la sua agilità e forza fisica. Riportando invece alcuni curiosi aneddoti riguardanti la realizzazione di tale capolavoro, Rousseau utilizzò come modello per la sua tigre la riproduzione di un disegno a pastello di Eugène Delacroix, nonché un gatto domestico, mentre per quanto riguarda le piante, furono dipinte prendendo come esemplari visti in un vaso e i motivi bidimensionali di arazzi medievali o miniature persiane. Proprio queste diverse fonti iconografiche sono state realizzate in due momenti distinti, fatto che è la causa dell'impressione che la tigre sia surrealisticamente sospesa sulla vegetazione. L'artista stesso, infatti, disegnò dapprima la giungla e, solo successivamente, traspose su tela lo schizzo del felino. I temi di questo dipinto, frutto dell'immaginazione del maestro francese, si ripetono, con stilemi e finalità diverse, all'interno dell'indagine figurativa del pittore italiano Antonio Ligabue, ben esemplificata dall'inquietudine di Tigre con serpente , dipinto teso a catturare l'immagine drammatica di una tigre che tenta di liberarsi dalle spire di un enorme serpente, progettato per trattenerla all'interno di una foresta dalla vegetazione lussureggiante. In questo contesto, è da sottolineare come il tema del combattimento con gli animali fosse ampiamente indagato dal maestro, il quale, soprattutto durante gli anni Cinquanta, ebbe modo di osservare le fiere circensi che visitavano i paesi della Pianura Padana (Italia), oltre come quelli all'interno dello zoo e giardino botanico di San Gallo (Svizzera). Tale interesse, a differenza di "l'ingenuo e sognatore" Rousseau, è però volto a dar voce ai moti dell'animo stesso dell'artista, caratterizzato da un carattere difficile e talvolta autodistruttivo, incentrato su scene concepite con maggiore e più straziante violenza . Lo sviluppo della suddetta personalità fu dovuto al fatto che Ligabue, fin da giovanissimo, dovette affrontare una sorte estremamente avversa, che gli fece maturare la consapevolezza dell'esistenza di una dualità nella natura, in quanto, la madre generatrice, è, allo stesso tempo, responsabile delle nostre stesse sofferenze. Di conseguenza, le sue lotte tra bestie diventano, necessariamente, simboliche del fatto che la guerra è l'unica condizione generale dell'esistenza, capace di permettere la sopravvivenza alla ferocia della vita e alla violenza del destino, che è, il più delle volte, su il più debole.

Olesya Rubinova, Arcobaleno bianco , 2021. Pittura, Olio su tela di lino, 70 x 50 cm.

Breve storia dell'arte naïf

Il punto di vista espresso dai citati capolavori rientra pienamente nelle "finalità" e negli stilemi dell'arte Naïf, una produzione artistica che, proprio perché creata da persone prive di formazione accademica, viene spesso sottovalutata nel suo peculiare approccio crudo e istintivo ai materiali, alla composizione e alle idee, caratteristiche che hanno dato a questo tipo di artisti l'appellativo di primitivisti, ingenui o finti ingenui. Tali aggettivi, usati spesso in maniera dispregiativa e denigratoria, colgono in realtà l'aspetto fondamentale della suddetta tendenza, caratterizzata da una semplicità e schiettezza infantile, volta a infrangere, spesso, le più elementari regole della prospettiva, sfociando in opere che sembrano geometricamente scorrette , concepito da punti di vista distorti e irregolari, nonché segnato da colori decisi, che esulano dal soggetto della composizione, spesso arricchito da dettagli irrealistici. Sebbene questo linguaggio possa essere trovato anche nell'arte popolare, i pittori naïf, a differenza dei pittori popolari, non traggono necessariamente ispirazione da un contesto culturale o tradizionale. Più precisamente, l'arte Naïf prende le distanze anche dall'arte Outsider, in quanto gli esponenti di quest'ultima tendenza sembrano avere pochi, se non nessuno, contatto con il mondo dell'arte mainstream, in quanto si concentrano esclusivamente sull'esplorazione, e la successiva narrazione, di i loro stati mentali estremi o non convenzionali. Quanto alle origini dell'arte naïf, invece, appaiono poco chiare, in quanto, fin dall'inizio della storia dell'arte, i naïf, seppur inconsapevolmente, hanno creato opere. Nonostante ciò, il loro lavoro è stato ufficialmente riconosciuto solo a partire dal XX secolo, periodo in cui questa modalità di espressione creativa è stata indicata come una feconda fonte di creazione di capolavori d'arte. All'interno del mondo contemporaneo, il valore acquisito dell'arte naïf può essere sintetizzato dalla ricca collezione di opere di artisti naïf di Artmajeur, ben esemplificata dalle opere di Valeria Cis, Jody e Oxana Zaika.

Nayanaa Kanodia, The zebra surveys one and all , 2018. Olio su tela, 122 x 92 cm.

Valeria Cis, Azulejos azules , 2022. Acrulico su tela, 120 x 80 cm.

Valeria Cis: Azulejos azules

Il dipinto acrilico di Cis, avente come soggetto una natura morta con vaso di fiori, presenta, sullo sfondo, un decoro a riquadri, volto a simulare la moltiplicazione di alcune tessere. Proprio attraverso quest'ultimo "stratagemma minimalista", sembra che l'artista si sia adoperato per realizzare un fittizio fondale di piastrelle di ceramica blu, che, decorato con il suddetto tema floreale, mira, come da titolo stesso dell'opera, a riprodurre le peculiarità degli iconici azulejos: ornamenti dell'architettura portoghese, aventi la forma di una mattonella di ceramica poco spessa, arricchita da una superficie smaltata e decorata. Se lo sfondo dell'opera fosse ispirato a una decorazione, il tema della natura morta con vaso di fiori potrebbe invece riferirsi all'opera di un noto rappresentante dell'arte naïf, contraddistinta dalla produzione prevalente di vibranti opere floreali oltre che di intricate e colorata architettura ad albero. L'artista in questione è Séraphine de Senlis, che, come nel caso di Ligabue, ha scelto l'arte come mezzo per esprimere, ed esorcizzare, il dramma della sua vita: la perdita prematura dei genitori. In questo contesto desolato, però, fu salvata dall'intervento divino, tanto che, nel 1906, quando Séraphine, 42 anni, era raccolta in preghiera, le apparve la Vergine, ordinandole di dedicarsi alla pittura. L'artista, che non si sentiva in grado di esaudire le richieste di una così alta autorità, comprese ben presto che nell'arte stessa la Madonna aveva individuato lo strumento della sua salvezza.

Jody, Lovers , 2022. Acrilico su tela, 100 x 100 cm.

Jody: Amanti

Jody, nei suoi acrilici su tela, ha immortalato la complicità femminile, quella sorta di amore innato che spesso sboccia tra le donne, realizzandosi in un sentimento di reciproca ammirazione e complicità, che ha origine dalla stessa sensibilità, dalla simile visione del mondo, così come la condivisione delle stesse esperienze. Tale sentimento sembra essersi sviluppato all'interno di un evento "mondano", al quale le donne partecipano stringendosi la mano, le membra si intrecciano sinuosamente, proprio come due serpenti innamorati. Le cause della loro affinità intellettuale sono ampiamente riscontrabili, infatti, attraverso un'attenta analisi dei dettagli dell'opera dell'Artmjeur Artist, emergono gli stessi interessi che accomunano le due signore, riguardanti: la moda, i gioielli, gli animali, il vino e i copricapo di tutte le tipi. Tralasciando i dettagli più trasgressivi, come le manette e i tatuaggi, l'opera sembra ricordare le atmosfere di The Signore , un dipinto realizzato da Beryl Cook, in cui tre morbide donne sono ritratte nelle loro quotidiane attività di svago, che si svolgono in un affollato club. Proprio quest'ultima artista britannica, rappresentante dell'arte Naïf nata nel 1926, è nota per le sue realizzazioni di scene comiche, volte a immortalare le persone che si possono incontrare nella vita di tutti i giorni, all'interno dei pub, dei centri cittadini e degli spettacoli più diversi.

Oxana Zaika, Magical walk , 2022. Acrilico/inchiostro/pennarello su tela di lino, 40 x 40 cm.

Oxana Zaika: Passeggiata magica

Proprio come suggerisce il titolo stesso del dipinto, Magical walk raffigura una giovane ragazza intenta a portare a spasso i suoi due cani lupo, animali che, resi uno bianco e l'altro nero, alludono probabilmente al dualismo iconico e storico tra il giorno e la notte. Inoltre, riferendosi ancora al nome della tela, il termine magico sta proprio a indicare quell'atmosfera sognante, oltre che irreale, resa dal peculiare stile pittorico infantile animato da colori improbabilmente accesi. All'interno della storia dell'arte, un altro pittore ha raccontato il rapporto simbiotico che spesso si instaura tra animali e bambini, includendo, in questa occasione, bestie generalmente meno mansuete dei più comuni animali da compagnia. L'opera in questione è The Peaceable Kingdom di Edward Hicks, un olio su tela del 1830 circa, che, realizzato in più versioni, rappresenta l'interpretazione della profezia biblica di Isaia, ovvero quella che narra della venuta di un regno pacifico ed edenico , in cui convivono amorevolmente animali benigni e bambini fiduciosi. Proprio la "luce interiore" della suddetta specie era capace, secondo il maestro americano, di abbattere le barriere fisiche così come le differenze tra gli esseri viventi per giungere alla pacifica condivisione dello spazio terreno. A proposito di Edward Hicks, il pittore nato nel 1780, pur essendo un esponente dell'arte popolare, è noto per le sue ingenue raffigurazioni di fattorie e paesaggi della Pennsylvania e di New York, oltre che per il citato capolavoro.