Las diez obras seleccionadas, tanto pinturas como fotografías, han sido dispuestas siguiendo un estudiado orden cromático. Cada pieza se coloca junto a la otra para crear un flujo visual continuo, donde los colores se entrelazan y se fusionan, dando vida a un recorrido armonioso. Esta disposición no solo realza las obras individuales, sino que también crea una narrativa fluida, donde los tonos evolucionan de forma natural, llevando al espectador a un viaje estético. Pinturas y fotografías dialogan, aprovechando su bidimensionalidad compartida y alternando entre lo figurativo y lo abstracto. De esta forma, cada obra, conservando su individualidad, encaja a la perfección en un conjunto que refleja los imprescindibles del arte para el otoño de 2024.
World Cleaner (2021) Pintura de Alida Ymelé
1. “Un mundo más limpio” (2021) de Alida Ymelé
El cuadro "World Cleaner " de Alida Ymelé representa una figura femenina que realiza la tarea cotidiana de limpiar. La mujer está inclinada, barriendo objetos del suelo con una escoba tradicional, creando una conexión íntima con el trabajo doméstico. Cromáticamente, el cuadro está dominado por tonos contrastantes y vibrantes: la piel de la mujer se presenta en tonos alternados de azul y rojo, mientras que su vestido es una explosión de color naranja brillante, adornado con motivos de jirafas que evocan la naturaleza y la identidad africana.
El estilo de Alida Ymelé destaca por su capacidad de combinar el realismo con la abstracción cromática. Mediante una técnica mixta que combina acrílico, Posca y tinta china sobre lienzo, la artista subvierte el papel tradicional de las mujeres retratadas. En esta obra, a pesar de la aparente sencillez del tema, la elección de colores vivos y contrastes acentuados infunde poder y dignidad a la figura, resaltando la importancia de las mujeres que realizan tareas domésticas, a menudo invisibles en la sociedad. El tema, convertido casi en monumental a través del uso del color, parece elevar la actividad cotidiana a un acto de resistencia y fuerza.
Alida Ymelé, nacida en 1994 en Camerún, es una pintora contemporánea reconocida por su conmovedora exploración de la vida de las mujeres. A través de sus obras, desafía las nociones de pertenencia y el reconocimiento que a menudo se les niega a estas figuras. Alida perfeccionó su formación artística al obtener una maestría en Bellas Artes en el Instituto de Bellas Artes Nkongsamba, afiliado a la Universidad de Douala.
Vogelzang (2023) Pintura de Sophia Heeres
2. "Vogelzang" (2023) de Sophia Heeres
La obra de arte "Vogelzang " de Sophia Heeres muestra un grupo de pájaros coloridos posados en ramas desnudas, creando un contraste vibrante contra el fondo verde uniforme. El tema central es la simplicidad de la naturaleza, con pequeños pájaros de diferentes especies representados en colores brillantes como el amarillo, el rojo y el azul. Estos tonos vivos contrastan con las ramas verdes y marrones, creando una sensación de serenidad y vitalidad que evoca una observación directa de la naturaleza.
El estilo de Sophia Heeres se caracteriza por el uso de colores llamativos y definidos, que divide en secciones, asignando a cada parte del tema un tono único. En sus obras, las líneas se añaden a menudo en la etapa final para dar al tema una simplicidad estilizada. En "Vogelzang " , los contornos nítidos y los colores brillantes son rasgos distintivos de su lenguaje visual, diseñado para sumergir al espectador en una representación vívida y "simplificada" de la realidad.
Sophia Heeres, nacida en 1981 en Zuidlaren, Países Bajos, creció rodeada de la belleza natural del valle del río Drentsche Aa. Esta conexión con la flora y la fauna ha influido profundamente en su obra artística. En cuanto a su formación, Sophia completó sus estudios de pintura autónoma en la Academie Minerva de Groningen en 2006.
Serie Paralelismo, The Holi Dip (2023) Pintura de Ak Douglas
3. "El chapuzón de Holi" (2023) de Ak Douglas
“ The Holi Dip ” , parte de la serie “Parallelism ” , es una explosión de color y simbolismo. El cuadro presenta una variedad de elementos contrastantes: en la sección superior, una lluvia de puntos de colores, que recuerda al festival indio de Holi, se extiende sobre una escena más tenue y tranquila en la mitad inferior. En el fondo, una masa verde de árboles o colinas parece desvanecerse, mientras que las figuras humanas se reúnen en pequeños grupos en una extensión blanca que se asemeja a un paisaje nevado. A la izquierda, construcciones coloridas de estilo tradicional y patrones geométricos complejos sugieren una arquitectura ritualista o un símbolo de transformación.
Ak Douglas emplea a menudo una técnica de medios mixtos que combina acrílico, collage y materiales no convencionales como pan de oro, pan de plata, cuentas y telas recicladas. En "The Holi Dip " , el uso de colores acrílicos vivos y collage, junto con motivos geométricos y líneas abstractas, resalta su estilo altamente simbólico y narrativo. Cada detalle, desde las texturas hasta los materiales, revela una profunda reflexión sobre temas históricos, sociales y políticos. El resultado es una obra rica en significado, donde los colores y las formas se utilizan para contar historias profundas y en capas.
Ak Douglas, nacido en la India en 1979, es un artista contemporáneo con más de 20 años de experiencia. Su carrera incluye la participación en exposiciones internacionales, talleres y simposios en varios países, entre ellos Suecia, Corea del Sur, Italia, Francia y los Emiratos Árabes Unidos. Inicialmente experimentó como escultor y artista de instalaciones, y luego amplió su práctica para incluir la pintura y las técnicas de medios mixtos, explorando temas de identidad, espiritualidad y cultura a través de materiales simbólicos y significativos.
Elissa #2 (2024) Fotografía de Barbara Vandendriessche
4. "Elissa #2" (2024) de Barbara Vandendriessche
La obra "Elissa #2" de Barbara Vandendriessche es una imagen fotográfica de fuerte impacto visual y emocional. La protagonista es una joven sentada, envuelta en un velo transparente que le cubre el rostro y el cuerpo. Los tonos dominantes son oscuros, con un fondo negro que acentúa la atmósfera íntima y contemplativa. El contraste entre el velo etéreo y los detalles más ricos del vestido floral crea una tensión entre la delicadeza y la profundidad introspectiva, mientras que el uso de una iluminación suave y sombras delicadas ayuda a crear una sensación de misterio y vulnerabilidad. Finalmente, el rojo del vestido pretende enfatizar la presencia física de una figura que no revela por completo las emociones que alberga en su interior.
El estilo fotográfico de Barbara Vandendriessche se distingue por su capacidad de evocar emociones profundas a través de escenarios cuidadosamente construidos y una estética dramática. Tras haber trabajado durante más de 20 años como directora de teatro y escenógrafa, su trabajo fotográfico refleja una gran atención a la composición visual y la creación de atmósferas íntimas. En "Elissa #2", la artista explora el concepto de vulnerabilidad física y psicológica, utilizando elementos como el velo para ocultar y revelar simultáneamente. La pieza no sigue una narrativa lineal, invitando al espectador a sumergirse en las emociones sugeridas, dejando un amplio espacio para la interpretación subjetiva.
Barbara Vandendriessche, nacida en Bélgica en 1974, comenzó su carrera en el mundo del teatro, donde trabajó como directora y escenógrafa durante más de dos décadas. Durante este tiempo, desarrolló un fuerte interés por la fotografía, que poco a poco se convirtió en una parte central de su trayectoria profesional. Hoy en día, Vandendriessche es una artista consolidada, con un enfoque particular en la exploración de la fragilidad humana.
FÚTBOL (2019) Pintura de Saint-Étienne Yeanzi
5. "Futbolista" (2019) de Saint-Étienne Yeanzi
La obra "Footballeur " de Saint-Étienne Yeanzi muestra a un jugador de fútbol capturado en el momento dinámico de patear un balón. La figura está compuesta por una miríada de "píxeles" y trazos abstractos que parecen disolverse y reagruparse simultáneamente, sugiriendo movimiento y la naturaleza efímera de la escena. Cromáticamente, el lienzo está dominado por tonos cálidos de marrón, ocre y blanco, con acentos negros que delinean la figura principal. En el fondo, se puede ver una serie de códigos QR y patrones geométricos, que agregan una sensación de modernidad y tecnología, creando un contraste entre el elemento humano y el digital.
Saint-Étienne Yeanzi es conocido por su estilo único que combina la abstracción y la representación. Mediante una técnica que fragmenta las figuras, el artista crea obras que juegan con el efecto del desvanecimiento y la apariencia. Su elección de representar personajes en proceso de "borrado" o transformación pone de relieve una reflexión sobre la identidad, lo efímero y la presencia fugaz del individuo en la sociedad contemporánea.
Saint-Étienne Yeanzi, nacido en 1988 en Katiola, Costa de Marfil, estudió pintura y fotografía en el Lycée d'Enseignement Artistique de Cocody y en la École Nationale des Beaux-Arts de Abiyán, donde se graduó con honores en 2012.
Réveil (2023) Pintura de Cannibal Malabar
6. "Réveil" (2023) de Cannibal Malabar
La obra "Réveil" de Cannibal Malabar muestra a una joven con los ojos cerrados, en una pose relajada y serena, con los brazos en alto mientras se deja llevar por un momento de introspección. El sujeto está rodeado por un motivo floral estilizado sobre un fondo naranja brillante, con flores de colores claros y ramas de color púrpura. La propia figura femenina está representada en un juego de colores vivos: su piel está pintada en una mezcla de tonos púrpura, naranja y amarillo, lo que enfatiza una sensación de calidez y tranquilidad. El contraste entre el sujeto y el fondo floral crea un efecto armonioso, casi onírico.
Cannibal Malabar, el seudónimo de Chloe, es conocida por su uso audaz e hiperpigmentado de los colores. Sus obras suelen explorar la belleza y las emociones femeninas, acentuando cada matiz para expresar la intensidad del momento. La artista emplea una combinación de técnicas, como el acrílico sobre lienzo con acabados de resina, creando un resultado final que es a la vez brillante y vibrante.
Cannibal Malabar, nacida en Oyonnax, Francia, comenzó su trayectoria creativa a temprana edad. Estudió Artes Aplicadas en Bron, cerca de Lyon, y más tarde se especializó en ilustración y diseño gráfico en ENAAI en Chambéry. En 2010, se mudó a Lyon, donde comenzó a desarrollar su estilo único, centrándose cada vez más en la pintura. A través de su trabajo, Cannibal Malabar explora la diversidad de la belleza femenina, inspirándose en diversas fuentes como la moda, las redes sociales, la naturaleza e incluso la comida.
Colores #9 (2021) Pintura de Astrid Stoeppel
7. “Colores #9” (2021) de Astrid Stoeppel
“ Colors #9 ” de Astrid Stoeppel es una pintura abstracta que utiliza una composición de círculos concéntricos dispuestos en grupos, cada uno con una combinación de colores vibrantes y contrastantes. La obra presenta tonos de verde, amarillo, violeta, azul y gris, yuxtapuestos dinámicamente para crear una sensación de movimiento y vitalidad. Los círculos, colocados sobre un fondo neutro, parecen flotar en el espacio, cada uno con su propia energía interna que llama la atención e invita al espectador a explorar las diferentes capas de color. Además, la geometría de las formas sugiere una estructura ordenada, aunque la vitalidad tonal rompe la rigidez, transmitiendo una sensación de libertad y alegría.
Astrid Stoeppel es conocida por su enfoque minimalista y geométrico, caracterizado por el uso de formas simples como círculos, líneas y campos de color. Su estilo tiene como objetivo crear una pausa visual para el observador: un momento para reducir la velocidad y reflexionar. A través del uso de colores brillantes y formas puras, como en Colors #9 , Stoeppel busca destilar la esencia de la simplicidad manteniendo una carga dinámica. Su obra invita al espectador a perderse en la pureza de tonos y formas, olvidando momentáneamente el ritmo frenético de la vida moderna.
Astrid Stoeppel, nacida en 1974 en Weilheim, Alemania, es una artista de renombre internacional conocida por su estilo geométrico y minimalista. Su obra explora la relación entre el tiempo, la forma y el color, buscando crear un espacio donde el espectador pueda reducir la velocidad y dejar atrás las influencias de los medios y las presiones sociales.
Monstruo de espagueti (2022) Pintura de Jennifer Mattes
8. “El monstruo de espagueti” (2022) de Jennifer Mattes
“ Spaghetti-Monster” de Jennifer Mattes capta inmediatamente la atención con su uso audaz de colores vivos y formas fluidas. La figura central de la obra parece representar un monstruo hecho de espaguetis, construido a través de trazos abstractos y retorcidos que evocan movimiento y caos. Cromáticamente, la pintura utiliza una combinación de tonos cálidos y fríos, con el amarillo de la “pasta” contrastando con los tonos más oscuros o neutros del fondo. La imagen transmite una sensación de ironía y surrealismo, invitando al espectador a reflexionar sobre lo que hay más allá del nivel superficial del sujeto.
El estilo de Jennifer Mattes se caracteriza por la fusión de procesos documentales, ficcionales y performáticos, que también se reflejan en “Spaghetti-Monster ” . Su técnica se basa generalmente en una estructura visual en capas, donde las superposiciones de pintura, la fragmentación y el uso del collage se combinan para crear composiciones complejas y dinámicas. Mattes mezcla magistralmente el humor y la crítica social, creando obras que son a la vez lúdicas y profundamente reflexivas. Además, sus imágenes a menudo cuentan historias complejas, dejando espacio para múltiples interpretaciones y animando al espectador a explorar temas tanto personales como colectivos.
Jennifer Mattes, nacida en Alemania en 1982, vive y trabaja en Viena, Austria. Su trayectoria artística comenzó con estudios de cine y vídeo en Stuttgart y continuó en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió artes visuales y cine bajo la dirección de Harun Farocki y Constanze Ruhm. Su obra abarca múltiples disciplinas, entre ellas la pintura, el videoarte y la performance, y se distingue por su capacidad para abordar cuestiones sociales con un enfoque irónico y analítico.
Distorsión #2 (2024) Fotografía de Xidong Luo
9. “Distorsión #2” (2024) de Xidong Luo
"Distortion #2" de Xidong Luo es una fotografía no manipulada que juega con la percepción a través de un elemento distorsionador. La imagen presenta un rostro humano, que se vuelve casi irreconocible por el efecto de la distorsión del vaso de agua. Este juego visual invita al espectador a reflexionar sobre cómo observamos el mundo y a las personas que nos rodean, mientras que el sujeto simboliza la incertidumbre y la fluidez de la realidad filtrada y percibida.
Xidong Luo ha desarrollado un lenguaje visual único, que se distingue por el uso de elementos naturales como espejos, agua y flores para explorar conceptos profundos como la belleza fugaz y la conexión entre lo femenino y la naturaleza. Influenciado por la filosofía taoísta, Luo reflexiona sobre la incertidumbre de la vida y su naturaleza efímera. En “Distortion #2”, por ejemplo, el vidrio sirve como lente distorsionadora, ofreciendo una poderosa metáfora: así como el agua altera el rostro, también nuestras percepciones del mundo son influenciadas y distorsionadas por los filtros mentales que aplicamos.
Xidong Luo, nacida en el sur de China en 1972, es una fotógrafa autodidacta que, durante el confinamiento por la COVID-19, comenzó a utilizar su propio cuerpo como medio de expresión en sus obras, añadiendo una dimensión personal e íntima a su fotografía. Sus creaciones abordan temas universales como la belleza fugaz, la fragilidad de la vida y la percepción distorsionada de la realidad.
Maternidad (2024) Pintura de Vera Tepliakova
"Maternidad" (2024) de Vera Tepliakova
“Maternidad ” es una pintura al óleo sobre lienzo que capta intensamente el vínculo entre madre e hijo, pero con un matiz emocional complejo. La mujer sostiene a su hijo en un abrazo protector, creando un ambiente seguro y acogedor para el niño. Sin embargo, el rostro de la mujer revela una expresión de agitación e inseguridad, sugiriendo un conflicto interno. Los tonos suaves de beige, rosa y marfil enfatizan la calidez del abrazo, mientras que las sombras en el rostro de la madre reflejan su tensión emocional. La obra, por tanto, se mueve entre la dulzura del gesto maternal y las incertidumbres que a menudo acompañan a la responsabilidad del cuidado.
El estilo de Vera Tepliakova se distingue por su capacidad para captar emociones contrastantes mediante el uso de la luz, las expresiones y la textura pictórica. En "Maternidad", la artista no solo celebra la protección y la fuerza del papel maternal, sino que también resalta la inseguridad y las dudas que pueden surgir con él. Sus pinceladas, a veces casi "táctiles" y "texturizadas", otorgan a la pintura una dimensión tangible, convirtiendo la narrativa en una experiencia "palpable".
Vera Tepliakova, nacida en 2003 en San Petersburgo, es una joven artista que actualmente vive en Georgia. Su arte aborda cuestiones sociales, con especial atención a los derechos de las mujeres y la justicia social. Vera, polifacética en las artes visuales, domina técnicas como el óleo, el acrílico y el pastel, dedicándose también a la creación de alfombras hechas a mano.
Olimpia Gaia Martinelli
