Artistas toscanos: de Andrea del Sarto a lo contemporáneo.

Vava Venezia, Venus in candy land , 2020. Arte digital, fotomontaje sobre aluminio, 45 x 75 cm.

Florencia del siglo XVI: Andrea del Sarto, Pontormo y Rosso Fiorentino

Imagínese caminando en la Florencia (Toscana) de los años 1500, teniendo la oportunidad de observar de cerca el reciente y laborioso edificio del Duomo, el baptisterio adyacente y más antiguo, pero también los edificios icónicos, también ubicados en el centro histórico actual. , de la Iglesia de Santa Maria Novella, la Loggia dei Lanzi, el Palazzo Vecchio, etc. Ahora que estás en la cuna del Renacimiento puedes pensar que, en los lugares mencionados, casi sin cambios en la edad moderna, vivieron y trabajaron los más grandes artistas de la historia del arte, entre ellos, un maestro y dos de sus alumnos: Andrea del Sarto, Pontormo y Rosso Fiorentino. Creo que no hay mejor manera de presentar a estos tres grandes genios creativos, destacando al mismo tiempo las diferencias en su forma de trabajar, que describir algunas de sus obras maestras más conocidas, que nacieron y se concibieron en la célebre región de la Toscana. . Hablando de André del Sarto, el artista florentino nacido en 1486, definido por Giorgio Vasari como un pintor "sin errores", es reconocido oficialmente por la crítica como el maestro de la primera generación de "excéntricos", es decir, de aquellos discípulos-pioneros del manierismo pictórico, como Pontormo y Rosso Fiorentino, que aspiraban a un modelo de arte perfecto, capaz de superar la belleza de la naturaleza de un modo totalmente inconformista, "expresionista", descarado y atrevido con la perspectiva. Volviendo a Andrea del Sarto, él, a diferencia de los otros dos que acabamos de mencionar, no recurrió a la falta de escrúpulos en su arte, para "re-proponer" con gracia un repertorio de tipo tradicional, dentro del cual se concretan composiciones en las que la monumentalidad de las figuras, se acentúa la variación de colores y técnica, y el uso de los más modernos indicios disponibles. Estos rasgos estilísticos están plasmados en una de las obras maestras más célebres del maestro, como es La Virgen de las Arpías , una obra de 1518 conservada en la Galería Uffizi de Florencia, en la que se ha representado a la Virgen de pie sobre un pedestal con el Niño Jesús en brazos. representado en el centro del panel. En este contexto, las piernas de la Virgen están sostenidas por dos ángeles con plumas de colores que, a sus costados, acomodan las figuras de los santos Juan Evangelista y Francisco, representados de manera afín a sus iconografías más tradicionales. La Virgen de las Arpías , que toma su denominación precisamente de las mencionadas figuras mitológicas talladas en la base, identificadas por Giorgio Vasari, también podría cambiar de nombre, ya que la crítica actual reconoce en los citados monstruos la más probable representación de langostas, que , precisamente Juan, inmortalizado al lado de la Virgen con un libro, descrito en el Apocalipsis. De hecho, en el mismo capítulo noveno del Libro del Apocalipsis, anuncia la venida de estos seres monstruosos, descritos como figuras con cabezas de mujer y vientres semejantes a corazas de hierro, capaces de traer tormento a todos los seres humanos que carezcan del sello de Dios en sus frentes (tau). En este contexto, también sería justificable la elección de representar a San Francisco, ángel del sexto sello, quien, en la profecía de Juan, llevaría consigo la tau para marcar los rostros de los elegidos.

Andrea del Sarto, Madonna de las arpías , 1517. Óleo sobre tabla, 207 x 178. Florencia: Uffizi.

Pontormo, Transportando al Cristo Muerto , 1526-28. Temple al huevo sobre tabla, 313 x 192 cm. Florencia: Iglesia de Santa Felicita.

Rosso Fiorentino, Deposición de Volterra , 1521. Óleo sobre tabla, 375 x 186 cm. Volterra: Pinacoteca y Museo Cívico.

Dejando atrás el contexto "apocalíptico", prosigamos nuestro relato, a propósito de los tres talentos florentinos, hablando de Pontormo, artista nacido en un barrio de la actual ciudad de Empoli (Florencia) en 1494, lugar de que se trasladó a la capital toscana para frecuentar los talleres de Piero di Cosimo, Andrea del Sarto, Mariotto Albertinelli y Fra Bartolomeo, así como para establecer contactos esporádicos con Leonardo da Vinci. En este rico entorno creativo fue reconocido, incluso por grandes artistas como Rafael y Miguel Ángel, como una especie de niño prodigio de la pintura, característica que le llevaría a aventurarse en la experimentación y la innovación, algo que, en su época, no era frecuente. entendido, tanto es así que Vasari juzgó su trabajo como algo extraño, desmesurado y excesivo. Este punto de vista es ahora en gran parte superado por la crítica, que reconoce en el maestro antes mencionado a un artista talentoso capaz de idear un estilo de pintura propio, antitradicional y anticlásico, que se encuentra en obras de arte como la Deposición (c. 1526-1528 ), donde sus rasgos estilísticos distintivos dieron una particular interpretación a un tema ampliamente investigado por artistas de todos los tiempos. De hecho, sin embargo, el título más apropiado para la obra maestra de c. 1526 sería el Transporte de Cristo , ya que, de forma un tanto original, la obra no representa ninguna cruz, aludiendo, más bien, tanto al episodio en el que el cuerpo muerto de Jesús es llevado hacia el sepulcro como al episodio en el que se le hace duelo. De manera similar, una obra anterior de Rafael, a saber, la Deposición de Borghese de 1507, también había combinado temas relacionados con los dos últimos episodios dentro de su composición. Volviendo a la descripción de la obra maestra toscana, conservada en la Capilla Capponi de la Iglesia de Santa Felicita (Florencia), en ella aparecen dos jóvenes decididos a sostener el cuerpo de Jesús, mientras la Virgen, que observa la escena, es rescatada por las mujeres presentes. Esta composición, que incluye también las figuras de Nicodemo y San Juan, fue concebida como una representación espectacular, rica en reacciones emocionales, que, traducida en efectos visuales refinados y elegantes, puede considerarse un manifiesto estilístico muy visionario. Unos años antes, en cambio, está el Descendimiento de Rosso Fiorentino, un óleo sobre tabla de 1521 conservado en la Pinacoteca di Volterra (Toscana), un cuadro en el que Cristo es depuesto de una cruz con una estructura maciza, capaz de crear , junto a la escalera de madera una poderosa máquina escénica, dentro de la cual se incluyen, tanto los personajes decididos a yacer el cuerpo sin vida, entre los que se reconocen Nicodemo y José Arimatea, como la Virgen sostenida por dos mujeres, la Magdalena arrodillada, el niño sosteniendo la escalera, y el apóstol Juan llorando. El aspecto innovador del trabajo radica en múltiples factores; en primer lugar, Rosso pintó un momento de la historia de Cristo hasta ahora poco representado, a saber, el momento preciso en que, inmediatamente después del desprendimiento de su cuerpo de la cruz, descendía a través del apoyo incierto de las manos y los brazos de los hombres, un detalle inestable destinado a generar una fuerte tensión y suspensión en el cuadro. En segundo lugar, la escena, ambientada en el crepúsculo descrito en el relato de Mateo (27,45; 57), está marcada por una explosión emocional literal, conferida por el contraste entre la disposición estática de la cruz y la escalera y el dinamismo de los hombres en la cruz, que se repite, más abajo, en el movimiento menos problemático de la Magdalena. Finalmente, haciendo una rápida comparación entre Pontormo y Rosso, el rasgo que hace dramática la obra del primero es la falta de espacio de perspectiva, peculiaridad que pretende dar a los personajes una gran sensación de inestabilidad, que se convierte en inseguridad y angustia, mientras que el desaliento de la segunda obra maestra se debe principalmente a la volumetría angular de los cuerpos "deformados" en movimiento, así como al predominio de las tonalidades rojas. Finalmente, en este contexto, es bueno señalar que este relato representa solo una pequeña parte de la inmensa historia del arte toscano, región que ha sido el hogar de grandes maestros, como Giotto, Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Cimabue , Piero della Francesca, Amedeo Modigliani, etc., así como cuna de talentos contemporáneos, como, por ejemplo, Karim Carella, Francioni Mastromarino y Simone Parri, artistas originales e innovadores de Artmajeur.

Andrea Pisano, Cardinal #01 , 2020. Arte digital, pintura digital / fotomontaje / obra digital 2D sobre papel, 100 x 70 cm.

Paolo Rizzi, Deviless I, 2021. Óleo sobre cartón, 106 x 65 cm.

Karim Carella, Cipreses al amanecer , 2017. Fotografía digital sobre papel, 80 x 80 cm.

Karim Carella: Cipreses al amanecer

Si el paisaje toscano, hogar de artistas y poetas por excelencia, pudiera describirse a sí mismo con una palabra, ¡seguramente elegiría CIPRESSI! De hecho, la mayoría de las postales de la Toscana, que circulan hasta el día de hoy, han inmortalizado los paisajes de la Val d'Orcia, marcados por la presencia del citado árbol, que, dispuesto en hileras sobre caballetes, presenta esas típicas columnas rasgos de porte estrecho, también característicos de la fotografía de Carella. No obstante, es bueno hacer saber que el ciprés en realidad es originario de la cuenca del Mediterráneo oriental, zona de donde fue importado a Italia por fenicios, griegos y etruscos. De hecho, su antigua presencia en la tierra toscana también se encuentra dentro de las obras maestras clásicas de la historia del arte, entre las que se destacan sin duda las obras de Beato Angelico, Paolo Uccello y Leonardo da Vinci. Hablando de este último gran maestro, es imposible no hacer referencia a la Anunciación de 1472, una tabla de pintura conservada en la Galería de los Uffizi en la que, frente a un palacio renacentista, dotado de un exuberante jardín, el arcángel Gabriel se arrodilla ante la Virgen. , saludándola mientras le entrega un lirio, símbolo de pureza. Precisamente tal visión, ambientada en el citado paraje naturalista, está rodeada por la presencia del perfil de cuatro altos cipreses, que, en la luz del crepúsculo, se alternan con otras ricas y florecientes plantas. En consecuencia, la fotografía del toscano Carella adquiere significados adicionales, encaminados a situarla dentro de una gran historia y tradición artística en constante evolución.

Francioni Mastromarino, Leonardo da Vinci , 2021. Escultura en terracota y otros sustratos, 40 x 35 x 32 cm / 15,00 kg.

Francioni Mastromarino: Leonardo da Vinci

Podríamos simplemente limitarnos a interpretar la escultura de Leonardo da Vinci con una frase/eslogan: ¡un toscano, homenajeando e interpretando a otro toscano! De hecho, la florentina Eleonora Francioni, que junto con Antonio Mastromarino constituye el dúo artístico Francioni Mastromarino, actualmente activo en Pietrasanta (Toscana), ha creado, a través de la citada asociación, una obra que probablemente tenga la intención de celebrar a Leonardo da Vinci, genio indiscutible de el mundo del arte de todos los tiempos, nacido en Vinci (Toscana) en 1452. En particular, la escultura de Francioni Mastromarino parecería estar inspirada precisamente en el Autorretrato , que el artista toscano ejecutó en 1517, ahora conservado en la Biblioteca Real de Turín . Este dibujo sanguíneo sobre papel retrata al maestro en los últimos años de su vida, un período en el que, ya anciano, con una barba larga y espesa y una mirada ceñuda, pasaba el ocaso de su existencia en Francia, el país donde había sido llamado al servicio de Francisco I. Es precisamente la citada representación la que se considera no sólo un icono en la historia del arte, sino también el único retrato verdadero del artista al que aún hoy nos referimos cuando tratamos de imagina las facciones del genio italiano. Sin embargo, muchos estudiosos opinan que Leonardo no es el hombre del sanguíneo, ya que en la época en que se realizó el dibujo no estaban de moda las barbas largas y el pelo. Además, el maestro a la edad de 63 años, época a la que data la obra, se vio afectado por una enfermedad que le había reducido la capacidad de articular su mano derecha, hecho que no le habría permitido realizar los detalles presentes en el Auto retrato. A pesar de estas dudas sobre la datación y la identidad de la efigie, queda una certeza: la inmortalidad de la obra de Leonardo sigue viva en la obra del dúo Artmajeur.

Simone Parri, ¿Por qué diferente? , 2016. Escultura en madera y plástico, 107 x 76 x 5 cm / 2,00 kg.

Simone Parri: ¿Por qué diferente?

A través de la obra de Simone Parri volvemos una vez más a Florencia, ciudad en la que el artista trabaja inspirado, sin embargo, por un contexto a veces decididamente más internacional, tanto que su ¿Por qué diferente? , posiblemente destinado a promover la aceptación de las diferencias, quizás se hace eco del trabajo de Július Koller (1939-2007), uno de los artistas más importantes de Europa del Este activo desde la década de 1960. En particular, la escultura del artista Artmajeur se puede comparar con el signo de interrogación b. , obra de 1969 realizada mediante el uso de una bandeja de madera con dos asas ornamentadas, que Koller cubrió con pintura blanca y, posteriormente, grabó con un gran signo de interrogación. Tal objeto, descrito por el propio eslovaco como "anti-pintura", representa un símbolo de la incertidumbre del contexto sociopolítico de Checoslovaquia en ese momento, el país donde vivía y trabajaba Koller. De hecho, en este último lugar, a partir de 1968, la situación política se tornó más represiva, de tal manera que la producción artística de vanguardia pasó a ser principalmente una actividad privada. Sin embargo, Koller rechazó el arte académico más tradicional y optó por seguir los movimientos más "subversivos", como Dada, Nouveau Réalisme, Situationist International y Fluxus. Finalmente, es bueno dar a conocer cómo, incluso en lo que respecta a las obras del grupo conceptual "OVNI", dicho artista utilizó el signo de interrogación, para escapar de la dura situación política, refugiándose en realidades paralelas, como la extraterrestre. formas de vida.