EL CIELO ESTÁ ALLÍ. (2023)Pintura de Bart Van Zweeden.
La explicación más sencilla del mundo
Para hablar de colores primarios comencé a buscar compulsivamente en la red el tema en cuestión, encontrando muy satisfactoria la narrativa al respecto difundida por Wikipedia, además de bastante detallada, histórica y científica. En cualquier caso, no lo leí, porque era demasiado largo, complicado y aburrido para mi cerebro ahora acostumbrado a mirar, uno tras otro, reels inútiles de Instagram. Así que, pensando en vosotros como en mí, he decidido explicaros lo más fácilmente posible qué son los colores primarios, que, en un segundo intento, quiero ilustrar mediante algunas obras maestras de la historia del arte con temas cromáticos. De todos modos, en esta segunda intención sólo mencionaré las obras más famosas de la historia del arte, ya que quiero presentarles también otras pinturas que, aunque menos conocidas, han pintado el magenta (que es un tono de rojo). ), el cian (que es un tono de azul) y el amarillo en cuestión hablan. Aquí ya he revelado cuáles son sólo los tonos primarios, sin embargo, todavía no les he dicho por qué son precisamente los últimos. Imaginemos que estamos en el estudio de un pintor y observamos su paleta, ésta presentará debidamente los tres colores antes mencionados, ya que estos no pueden obtenerse mediante ningún tipo de combinación cromática, mientras que, al mismo tiempo, los colores primarios, al combinarse con otras tonalidades, puede dar lugar a todos los matices presentes en la paleta cromática (colores secundarios). Ahora que ya sabes, sin demasiada complicación, qué son los colores primarios, estás listo para conocer pinturas "menos conocidas" de maestros famosos, parte de la interminable narrativa de las artes figurativas, que también presentarán puntos de vista más contemporáneos. encarnado por tres artistas de Artmajeur. ¿Listo? ¡Empecemos por el rojo!
BIGFOOT XS (2021)Escultura de Idan Zareski.
ROJO (2022)Pintura de Gerard Jouannet.
Obras maestras en rojo
Cuando se habla de obras de arte en rojo, los historiadores del arte, aficionados y estudiantes más brillantes se preparan para intervenir, haciéndoles cosquillas en las manos, bolígrafos y demás, para nombrar inmediatamente a Tiziano, Manet, Sargent, Kandinsky y Rothko, en referencia a su Retrato de Tommaso. Inghirami (1509), Madame Monet con un kimono japonés (1876), Dr. Pozzi en casa (1881), Mit Und Gegen (1929) y No. 301 (1959). Si les pidiera a los expertos antes mencionados que encontraran obras "menos conocidas" pero igualmente valiosas para representar el color rojo, probablemente comenzarían a discutir, lo que resultaría en una pelea con un sabor extremadamente subjetivo. En el caso del color de la pasión por excelencia, decidí, tras participar en la citada trifulca, hablar de una obra maestra muy curiosa, si bien concebida dentro de toda la obra del rey del Pop art por excelencia: Andy Warhol. Me refiero a Red Lenin (1987), una serigrafía que formó parte de una serie que el maestro realizó antes de morir por sugerencia de su galerista Bernd Klüser, quien le mostró a Andy una fotografía de Lenin cuando era joven, para hacer que el arte de Warhol, destinado principalmente a reproducir los iconos estereotipados de la vida cotidiana en Estados Unidos, tome una nueva dirección, teniendo como tema imágenes contrarias a las tendencias. En el arte contemporáneo, sin embargo, el rojo nos habla intensamente en el retrato en primer plano, titulado Face to Face, de Viktor Sheleg, pintor de Artmajeur que utilizó el color en cuestión tanto en el fondo como en ciertas partes del cuerpo del modelo, en particular las más Partes expresivas y sensuales de los ojos y la boca. Lo que acabamos de describir queda a veces fuera del alcance de las obras más conocidas que utilizaban el rojo, que a menudo mostraba el color en cuestión sólo en la ropa de los personajes representados, sintonizándolos tonalmente con el fondo sólo en ocasiones especiales, como por ejemplo. como el del conocido, además de citado, Dr. Pozzi at Home (1881). Esta última obra maestra de Sargent pretende exteriorizar toda la admiración que el pintor sentía por su modelo, una célebre pionera en ginecología cuyas prácticas promovían la seguridad reproductiva así como la dignidad de la mujer. Pozzi, que también era esteta y coleccionista de arte, fue retratado, aunque de manera un tanto informal, a la manera de un hombre del mundo eclesiástico, presentando una pose grácil y un tanto amanerada que nos recuerda las imágenes de papas y cardenales del Antiguo Testamento. Maestros. En cualquier caso, el conjunto está cargado de una vivaz sensualidad, dada no sólo por el hogareño manto y las cortinas de terciopelo sino también por las largas y elegantemente manos de la efigie, tal vez en alusión a su gran habilidad quirúrgica. ¡Pasemos ahora al azul!
ESCUCHANDO AZUL (2023) Fotografía de Ziesook You
COMPARTIENDO SECRETOS (2023)Pintura de Elli Popa
Obras maestras en azul
La combinación de colores en cuestión nos lleva nuevamente a enumerar las obras maestras más conocidas, para pasar luego a las menos famosas, seguidas de un ejemplo de lo contemporáneo. Así, en lo que al azul se refiere podemos pensar fácilmente en: La infanta Margarita Teresa con un vestido azul (1659) de Diego Velázquez, El viejo guitarrista (1903) de Pablo Picasso, La noche estrellada (1889) de Vincent Van Gog, y Pintura azul (1924) de Vassily Kandinsky. También podríamos agregar a esta lista popular las menos recurrentes La conversación (1903-1912) de Matisse y El paisaje azul (1949) de Chagall, pinturas que quise yuxtaponer por afinidad de tema, ya que ambas representan a un hombre y una mujer. en una situación íntima. Comenzando por el maestro francés, su obra maestra inmortaliza las figuras centrales del propio pintor y su esposa Amelie, ejecutadas de forma algo esquemática y simplificada. Todo está así representado para dar voz a un momento de la vida real del artista, siempre dispuesto, como él mismo lo revela, a captar "el significado más verdadero y más profundo detrás de él", para proporcionar una interpretación más coherente. Esta profundidad se refleja en el predominio del color azul, que, ocupando gran parte del soporte pictórico, determina también el concepto mismo de espacio, que se presta a tornarlo emotivo y significativo, además de algo frío. La misma tonalidad ocupa casi toda la superficie de la obra de Chagall, en la que una pareja se abraza fuertemente mientras sus miradas permanecen distantes. De los dos, sin duda es el hombre el que se muestra más implicado, ya que es sorprendido acariciando a su amada en un gesto romántico, que se ve coronado por la presencia de un ramo de flores, el único tema del cuadro que realmente se aleja del Predominando el azul y el blanco. En conclusión, la obra simbolista, en los temas figurativos que aborda, nos involucra directamente en una historia de amor, cuyo sentimiento pasa directamente de los ojos al corazón del propio espectador. Finalmente, hemos llegado, atrapados en el impulso del amor, y por tanto sin siquiera ser apasionadamente conscientes de ello, al momento de la contemporaneidad, en el que, una vez más, el azul se asocia a la intimidad de dos amantes, que se abrazan. el otro en un abrazo galáctico, listo para tomar forma entre las estrellas del universo. Me refiero al tema representado en la pintura del artista de Artmajeur Costantino Di Renzo, que, titulada Infinito - Paolo y Francesca, también nos habla de cómo la Divina Comedia de Dante ha sido a menudo objeto de investigación en la historia del arte. Para quien no lo sepa, la historia de Paolo Malatesta y Francesca da Rimini está dedicada a buena parte del Canto V del Infierno, en el que los dos jóvenes amantes, culpables de ser cuñados, fueron condenados a los castigos. destinado a los lujuriosos. He aquí que el mismo tema fue abordado por maestros como Amos Cassioli, Dante Gabriel Rossetti y Gaetano Previati, pero también por pintores no italianos como Ary Scheffer, Gustave Doré y Jean-Auguste-Dominique Ingres. ¿Estás listo para el amarillo?
DELICIA DE KELAPA (2023)Pintura de Aurélie Quentin
AMARILLO GIRASOL (2023)Pintura de Nataliia Sydorova
Obras maestras en amarillo
Podría hablar de Los girasoles de Van Gogh (1888-1889), El beso de Klimt (1907-8), La casa amarilla de Van Gogh (1888) y Impresión III (concierto) de Vasily Kandinsky (1911), pero el deseo de sorprenderte con una La descripción de Mound of Butter (1875-1885) de Antoine Vollon y Cold Morning on the Range (1904) de Frederic Remington me devora!!! Así es, siguiendo con el tema del hambre, hambre de arte en este caso, nada mejor que el anodino bodegón a base de mantequilla del realista francés Antoine Vollon, muy conocido precisamente por este género pictórico, a través del cual, Durante su época, alcanzó un verdadero estatus de celebridad. El amarillo en cuestión está dispuesto, como era de esperar, sobre la superficie de un blando montículo de mantequilla, presumiblemente resultado de esa típica planta fresca de caroteno, que en tiempos del maestro solía comer las vacas nunca saciadas. El producto final se compraba directamente al ganadero, quien luego del ordeño recogía la nata a procesar, así como los grumos que eran manipulados, con el fin de eliminar la humedad. En cuanto al almacenamiento de mantequilla, sin embargo, la pintura habla por sí sola, mostrando cómo generalmente se guardaba en una tela de muselina, en un lugar fresco. En este contexto, la comida se tomaba con el cortello y luego se extendía, por ejemplo, sobre un trozo de pan, al igual que las rayas, que se yuxtaponen a la presencia de una espátula de madera, destinada a dar forma a la superficie del alimento en uso. , haznos entender. Llegamos ahora a Cold Morning on the Range (1904), de Frederic Remington, un cuadro que representa a un vaquero dispuesto a domar a un semental salvaje, mientras, al fondo, hay otros hombres a caballo, decididos a cuidar el ganado bajo el ojos de las montañas, que aparecen a lo lejos. Toda esta escena está dominada por la imposición del color amarillo, cuya presencia se hace evidente en la naturaleza árida del terreno, probablemente ubicado en Goodnight-Loving Trail, o la famosa ruta utilizada en los traslados a gran escala de ganado Texas Longhorn a finales de Década de 1860. Precisamente al mostrar un lugar así, el artista quiso aludir, a través de los tonos predominantes de amarillo, a temas relativos a la autosuficiencia así como al dominio del hombre sobre la naturaleza. Una vez más hemos llegado a lo contemporáneo, en esta ocasión apoyándonos en el talento del artista de Artmajeur Stefano Galli, quien, en El llanto de un camarero en un rincón del jardín de un hotel, nos lleva a un ambiente hogareño al aire libre rico en matices que alcanzan de amarillo a naranja. De hecho, toda la vivienda pintada presenta los matices antes mencionados, tal como ocurrió de manera similar, 116 años antes, en el barrio en el que cobra vida la mencionada Casa Amarilla de Van Gogh. Sin embargo, excluyendo la descripción de esta última obra maestra, que está definitivamente ligada a la biografía del maestro en cuestión, podemos trazar una narración paralela, en la que la obra de Stefano también habla de su propia vida, en particular, de un acontecimiento simpático que lo marcó gratamente. El pintor, como buen italiano, seguramente posee la vara de medir para decretar las bondades de toda la cocina del mundo, hasta el punto de que, una vez llegado a Rumanía, despreciaba los platos de un restaurante. El camarero local, como nos muestra fantásticamente el cuadro, debería haber tomado en serio las críticas de Galli y, por lo tanto, con sano dramatismo, rompiendo a llorar, ya que sólo en el Bel Paese reside la máxima autoridad en materia de gastronomía... Me gustaría Aclarar cómo este último artículo, escrito con el máximo respeto hacia quienes están a favor o contra quienes están a favor o en contra de la supremacía de Italia en materia culinaria, nos lleva al final de la historia del rojo, el amarillo y el azul.
Olimpia Gaia Martinelli
