Typowe tematy dzisiejszej sztuki flamandzkiej: martwa natura, wnętrza i sceny rodzajowe

Sztuka flamandzka odegrała kluczową rolę w rozwoju malarstwa europejskiego między XV a XVII wiekiem. Wyróżniała się nowatorskim wykorzystaniem farb olejnych i wyjątkową dbałością o szczegóły. Do najbardziej charakterystycznych tematów tego nurtu artystycznego należą martwe natury, wnętrza i sceny rodzajowe – każda z nich ma swój własny charakter i symboliczne znaczenie.

Flamandzkie martwe natury słyną z niezwykłej zdolności przedstawiania codziennych przedmiotów z niewiarygodnym realizmem i wyrafinowaną kompozycją kolorów. Dzieła te, często wzbogacone o elementy symboliczne, odzwierciedlają ideę marności , podkreślając przemijalność życia i ulotność dóbr materialnych. Czaszki, zgaszone świece, zwiędłe kwiaty i dojrzałe owoce to niektóre z powtarzających się motywów przywołujących ulotność istnienia. Malarze tacy jak Osias Beert wynieśli martwą naturę na niezwykły poziom mistrzostwa.

Flamandzkie przedstawienia wnętrz charakteryzują się z kolei skrupulatnym przedstawieniem przestrzeni domowych, teatrów życia mieszczańskiego. Dzieła te dają wgląd w ówczesne społeczeństwo, podkreślając rolę domu jako przestrzeni porządku i dobrobytu. Znamiennym przykładem jest dzieło Jana Józefa Horemansa Młodszego, znanego z przedstawień wnętrz mieszczańskich oraz portretów kupców i rzemieślników.

Flamandzkie sceny rodzajowe przedstawiają chwile codziennego życia, od popularnych festiwali po targi, tawerny i zajęcia domowe. Obrazy te nie przedstawiają wyłącznie codziennych czynności, lecz często przekazują przesłania moralne i społeczne. David Teniers Młodszy był jednym z najsłynniejszych malarzy flamandzkich XVII wieku, słynącym z niezrównanego kunsztu w uchwyceniu codziennego życia, idyllicznych krajobrazów i scen rodzajowych.

Interesujące jest zatem podkreślenie, w jaki sposób wpływ ikonicznych tematów ze sztuki flamandzkiej odbija się na współczesności, inspirując współczesnych artystów ArtMajeur, którzy reinterpretują te tradycyjne gatunki za pomocą nowego języka wizualnego.

„Żniwa” (2008) Obraz Tatiany Mcwethy

Soczyste owoce (2023) Obraz Yany Rikusha

Dziedzictwo flamandzkiej sztuki w martwych naturach

Obrazy Tatiany McWethy i Yany Rikusha pokazują, jak tradycja flamandzka przetrwała i inspiruje sztukę współczesną. Mimo iż obaj artyści cechowali się nowoczesną wrażliwością, czerpali inspirację z technik i tematów dawnych mistrzów, utrwalając w ten sposób dziedzictwo złotej ery malarstwa europejskiego. Ich dbałość o szczegóły, mistrzostwo w operowaniu światłem i poszukiwanie harmonii kompozycyjnej łączą te dzieła z wielką tradycją malarstwa flamandzkiego, dowodząc, że piękno martwej natury jest ponadczasowe i zawsze aktualne.

W dziele Harvest Tatiany McWethy można zaobserwować wyraźne wykorzystanie światłocienia, typowego dla malarstwa flamandzkiego, które podkreśla objętość obiektów i tworzy wrażenie dramatycznej głębi. Układ przedmiotów na stole – gdzie owoce zdają się niemal wylewać w kierunku widza – przywodzi na myśl barokowe kompozycje Fransa Snydersa i Jana Fyta. Ponadto zastosowanie bogato zdobionego obrusu i materiałów odblaskowych, takich jak metalowa misa, przywodzi na myśl dbałość o szczegóły, charakterystyczną dla flamandzkich mistrzów.

Również zapach Juicy Fruits marki Yana Rikusha podąża za tą tradycją, oferując bardziej minimalistyczny i nowoczesny skład, który jednocześnie pozostaje intensywny. Artysta wykorzystuje delikatną paletę barw i stonowane oświetlenie, aby stworzyć intymną i wyrafinowaną atmosferę. Nawiązanie do flamandzkich artystów jest widoczne w hiperrealistycznym przedstawieniu powierzchni, od faktury skórki granatu po przejrzystość szklanki wody. Decyzja o umieszczeniu w tle elementu architektonicznego, na przykład dekoracyjnych płytek na ścianie, nawiązuje do szczegółowych projektów wnętrz artystów, takich jak Willem Kalf, tworząc poczucie uporządkowanej i harmonijnej przestrzeni domowej.

Błękitna pustynia (2022) Obraz Manuela Dampeyroux

Pusty pokój nr 64 (2008) Fotografia Marty Lesniakowskiej

Wnętrze flamandzkie i wnętrze współczesne

Dzieła Manuela Dampeyroux i Marty Leśniakowskiej ilustrują trwałe dziedzictwo sztuki flamandzkiej we współczesnej sztuce: uwaga poświęcona światłu, rygor konstrukcji perspektywicznej i sugestywne wykorzystanie wnętrz łączą tych artystów z mistrzami przeszłości. Jednakże, podczas gdy tradycyjne flamandzkie wnętrze było często ożywiane przez postacie ludzkie wchodzące w interakcję z przestrzenią, współczesne interpretacje niekiedy pomijają obecność człowieka, zastępując ją bardziej abstrakcyjnym i metafizycznym odbiciem. Zmiana ta podkreśla, że ​​koncepcja wnętrza to nie tylko fizyczna reprezentacja miejsca, ale także wymiar mentalny i emocjonalny, który może oddziaływać na czas i pamięć.

Dzieło Manuela Dampeyroux „Błękitna pustynia” kontynuuje tę tradycję, która nigdy nie ograniczała się do przedstawiania przestrzeni fizycznych, ale raczej przekształcała wnętrza w krajobrazy psychologiczne, w których układ przedmiotów i gra świateł pomagały stworzyć poczucie równowagi i porządku. Malarz ArtMajeur kontynuuje tę tradycję poprzez rygorystycznie wyreżyserowaną kompozycję: dzieło, w którym dominuje paleta „podstawowych” kolorów i głębokich odcieni błękitu, przywodzi na myśl flamandzkie wnętrza, w których naturalne światło wpadające przez boczne okno tworzy atmosferę zawieszenia i kontemplacji.

Artysta wykorzystuje koncepcję ciszy obrazowej , aby nadać scenie wrażenie zawieszenia czasu, charakterystyczne dla malarstwa flamandzkiego, w którym postacie wydają się zamrożone w ruchu. Dodatkowo zastosowanie elementów odblaskowych, takich jak kominek umieszczony w centrum kompozycji, nawiązuje do starannie przemyślanej perspektywy Starych Mistrzów, którzy często umieszczali kominki i okna jako wizualne punkty zbiegu, aby zorganizować przestrzeń i skierować wzrok widza.

Jednakże tym, co wyróżnia tę współczesną reinterpretację tradycyjnego flamandzkiego wnętrza, jest sposób ujęcia postaci ludzkiej. W przeciwieństwie do dzieł flamandzkich, w których bohaterowie są zanurzeni w codziennych gestach, w Błękitnej pustyni dwie kobiety obecne na scenie wydają się raczej symbolicznymi projekcjami niż podmiotami narracji. Jednakowi pod względem ubioru i postawy, siedzą po obu stronach kompozycji, w statycznej i skupionej postawie, z zamkniętymi oczami, jakby zawieszeni między rzeczywistością a wewnętrzną kontemplacją.

Kolejnym istotnym aspektem typowego flamandzkiego wnętrza jest rola światła w definiowaniu przestrzeni i tworzeniu wrażenia trójwymiarowości. Fotografia Marty Leśniakowskiej „Pusty pokój #64” prezentuje to podejście poprzez dogłębną analizę relacji między światłem a strukturą architektoniczną. Duże centralne okno, przez które wpada rozproszone, lodowate światło, przypomina otwory oświetlające pomieszczenia w dziełach Jana Józefa Horemansa Młodszego, gdzie naturalne światło delikatnie rzeźbiło bryły przedmiotów i mebli.

Jednak w przeciwieństwie do flamandzkich wnętrz, w których obecność człowieka była niemal niezbędna do opowiedzenia historii codziennego życia, fotografie Leśniakowskiej całkowicie rezygnują z postaci ludzkiej, przekształcając scenę w refleksję na temat pamięci i nieobecności. Zastosowanie czerwonych sof i kontrast z zimnymi, zniszczonymi ścianami nawiązuje do gier kolorystycznych typowych dla flamandzkich mistrzów, którzy często włączali ciepłe kolory tkanin i mebli, aby przełamać monotonię zamkniętych przestrzeni.

Noce sąsiedzkie (2024) Obraz Trayko Popova

Sceny gatunkowe z wczoraj i dziś

Choć oba powyższe dzieła należą do różnych kontekstów artystycznych i charakteryzują się odmienną wrażliwością, łączy je intencja uchwycenia fragmentów codziennego życia – cel, który przyświeca również często cytowanej sztuce flamandzkiej. Goreva, poprzez uroczyste przedstawienie chłopki, przywołuje cichą siłę codziennych portretów tworzonych przez mistrzów gatunku, podczas gdy Popov eksploruje społeczny i zbiorowy wymiar sceny rodzajowej, przemieniając widza w cichego świadka życia miejskiego.

Praca oparta na obrazie Anastasiii Gorevej „ Kobieta z dzbankiem mleka ” doskonale wpisuje się w tę tradycję dzięki dbałości o szczegóły i stworzeniu znaczącego otoczenia. Artysta nie przedstawia po prostu postaci kobiecej, ale przekształca ją w archetyp, ikonę siły i odporności. Kobieta ubrana w żywą czerwień, która stanowi centralny punkt kompozycji, stoi w prostym i surowym domowym otoczeniu, składającym się w całości z elementów drewnianych. Jej wzrok utkwiony w widzu i stanowczość jej dłoni obejmujących dzbanek mleka sugerują chwilę zatrzymania i kontemplacji, jakby zatrzymała się w momencie zawieszenia codziennego życia.

Podczas gdy Goreva eksploruje domowy i intymny wymiar sceny gatunkowej, Trayko Popov w filmie Neighborhood Nights poszerza pole widzenia i przenosi narrację do sfery publicznej, przedstawiając życie społeczne przez okna miejskiej dzielnicy.

Scena zbudowana jest z palety żywych, kontrastowych kolorów: głęboki błękit nocnego nieba kontrastuje z ciepłym blaskiem świateł we wnętrzu, tworząc poczucie intymności i wspólnoty. Każde okno opowiada własną historię, zamieszkiwaną przez postacie, które rozmawiają, jedzą, odpoczywają lub oddają się chwilom samotności.

W porównaniu z tradycją flamandzką, Nuits de quartier wyraźnie odchodzi od klasycznego realizmu. Artysta zdecydował się na bardziej wyrazistą stylizację i niemal ekspresjonistyczne użycie kolorów, ograniczając hiperrealistyczne szczegóły na rzecz większej bezpośredniości wizualnej i emocjonalnej. Zmiana stylu nie oznacza zerwania z tradycją, lecz raczej ewolucję i poszerzenie perspektywy dnia codziennego, rozsławionej przez flamandzkich mistrzów.