O SKARPETKACH. (2024) Malarstwo Igora Shulmana
Jakie jest jedno z najtrudniejszych do zrozumienia pojęć w historii sztuki?
Odpowiedź, panie i panowie, kryje się w skomplikowanym i czasami irytującym rozróżnieniu między realizmem a hiperrealizmem. Prawdziwa zagadka, od której wielu krytyków i pasjonatów sztuki drapie się po głowie. Ale nie bój się! Rozjaśnimy tę artystyczną zagadkę na przykładach dostarczonych przez utalentowanych artystów Artmajeur. Ale najpierw zagłębimy się w historię i definicje każdego ruchu, a następnie wyjaśnijmy raz na zawsze różnice między nimi”.
ZITRONE 2 (2024) Malarstwo di Eleny Troniny
Realizm: historia, charakterystyka i główne postacie
Realizm narodził się we Francji w połowie XIX wieku jako odpowiedź na idealizacje romantyzmu. Ruch ten miał na celu ukazanie codziennej rzeczywistości bez upiększeń, skupiając się na wspólnych tematach i scenach ze zwykłego życia. Prace realistyczne charakteryzują się dbałością o szczegóły, wykorzystaniem naturalnego światła i autentycznym przedstawieniem społeczeństwa.
Ruch ten narodził się pośród głębokich przemian społecznych i gospodarczych około 1840 roku. Rewolucja przemysłowa i urbanizacja radykalnie zmieniły życie ludzi. W odpowiedzi na te zmiany artyści realistyczni odeszli od heroicznych tematów i idyllicznych pejzaży romantyzmu, skupiając się na codziennym życiu epoki. Ale czekaj, gdzie miała miejsce ta ewolucja sztuki figuratywnej? Francja, ze swoim rozkwitem kulturowym i ewoluującą dynamiką społeczną, była podatnym gruntem dla narodzin tego ruchu!
Czas teraz wyjaśnić charakterystyczne cechy, które wyróżniają dzieła realisty na tle artystycznym: po pierwsze, centralnym elementem jest wierne przedstawienie rzeczywistości. Artyści realistyczni starali się uchwycić świat takim, jaki jest, unikając filtrów, idealizacji i upiększeń. Podejście to skłoniło ich do wybrania tematów codziennych, takich jak typowe sceny z życia, sytuacje w pracy, warunki ubóstwa i zwykłe chwile, które przedstawiali z silnym ładunkiem emocjonalnym i społecznym, mając na celu zaoferowanie widzom autentycznego i często krytycznego spojrzenia na społeczeństwo z perspektywy czasu. czas.
Dodatkowo kolejną charakterystyczną cechą realizmu jest jego skrupulatna dbałość o szczegóły i precyzja: artyści tego nurtu uważnie obserwowali to, co leżało przed ich oczami, przykładając dużą wagę do przedstawienia szczegółów, od charakterystycznych cech krajobrazu po osobliwości ludzkiej twarzy. Wszystko po to, aby nadać grafice wysoki stopień realizmu.
Co więcej, wykorzystanie naturalnego światła było fundamentalne dla artystów realistów. To nie tylko dodało autentyczności przedstawianym scenom, ale także przyczyniło się do stworzenia głębi i prawdziwości kompozycji, podkreślając trójwymiarowość i solidność malowanych tematów. Dzięki tym wszystkim cechom realizm zapisał się w ważnym rozdziale w historii sztuki, prezentując się jako ruch odzwierciedlający i krytykujący ówczesną rzeczywistość, posługujący się wysoce bezpośrednim i wciągającym językiem wizualnym.
Wracając teraz do wybitnych postaci tego ruchu, Gustave Courbet jest często uważany za ojca realizmu, ponieważ rzucił wyzwanie artystycznym konwencjom swoich czasów takimi dziełami, jak „Pracownia malarza” i „Pogrzeb w Ornans”. W tych szczegółowych, intensywnych emocjonalnie i codziennych kompozycjach jego perspektywa zrywała z idealizującymi tradycjami przeszłości, podnosząc życie codzienne do rangi tematu godnego artystycznego namysłu.
Jednocześnie Jean-François Millet przeniósł życie chłopów na płótno, nadając swoim obrazom poczucie godności i realizmu dotyczące tej klasy społecznej. Dzieła takie jak „Anioł Pański” i „Zbieracze pokłosów” nie tylko ukazują surowość pracy na wsi, ale także wyrażają głęboki związek łączący te osoby z ziemią. Millet swoim empatycznym spojrzeniem i delikatnymi pociągnięciami pędzla oświetlił życie pracowników rolnych, oferując pełne szacunku i humanizowane spojrzenie na ich świat.
W innym kontekście miejskim i społecznym Honoré Daumier użył sztuki jako narzędzia krytyki i refleksji nad niesprawiedliwościami swoich czasów. Poprzez swoje wyraziste karykatury i dzieła takie jak „Rue Transnonain” Daumier uwypuklił nierówności i sprzeczności społeczne. Jego satyryczny i bezpośredni styl uczynił jego dzieła potężnymi wizualnymi komentarzami do warunków społecznych i politycznych, z całą mocą eksponując głos niedostatecznie reprezentowanych klas.
Ciekawostki
Teraz, gdy opisałem to, co powszechnie można przeczytać w książkach i Internecie, czy myślałeś, że to już koniec? Myślisz, że wystarczy mi pisanie tego, co można znaleźć wszędzie? Nie, mój drogi znawco! Chcę Cię zadziwić „efektami specjalnymi”! Przygotuj popcorn, bo zaraz rozpocznie się pokaz mniej znanych faktów, zarezerwowany dla prawdziwych pasjonatów takich jak Ty. Oto trzy ciekawostki, które sprawią, że zobaczysz Realizm w zupełnie nowym świetle!
- Skandal i kontrowersje
Wyobraź sobie tę scenę: Paryż, połowa XIX wieku. W sali wystawowej gromadzi się elegancka i zamożna publiczność, z niecierpliwością oczekująca na najnowsze prace. Napięcie jest wyczuwalne. Nagle na światło dzienne wychodzi „Pogrzeb w Ornans” Gustave’a Courbeta. Oczy się rozszerzają, usta otwierają się w mieszaninie zdziwienia i przerażenia. Niektórzy zakrywają oczy, nie mogąc znieść widoku tak zwyczajnego i surowego wydarzenia. Inni płaczą, poruszeni brutalną i niezaprzeczalną rzeczywistością przedstawioną na płótnie. Pan w cylindrze ze zgorszeniem wskazuje na obraz, a dama w zdobionym kapeluszu woła: „Zbyt zwyczajne!”
Ta scena, oparta na prawdziwych wydarzeniach, ale wzmocniona moją wyobraźnią, ilustruje epizod z epoki, gdy obrazy świętych i mitologie były normą, a przedstawienie prostego wiejskiego pogrzebu było prawdziwym ciosem w brzuch. Courbet rzeczywiście okazał się gotowy na podważenie konwencji, wnosząc do świata sztuki kawałek prawdy.
- Wpływ na fotografię
Chcesz kolejnego zwrotu? Jesteś gotowy? Wyobraź sobie, że uchwyciłeś ten moment oczekiwania za pomocą aparatu, ponieważ mówimy o samej fotografii. W rzeczywistości fotografia nie tylko pozostawała pod wpływem realizmu, ale stała się także źródłem inspiracji dla tego ruchu!
Artyści-realiści, zafascynowani możliwościami, jakie daje nowa technologia, zaczęli patrzeć na świat przez pryzmat. W swoich pracach przyjęli niemal fotograficzną precyzję, starając się uchwycić rzeczywistość z taką samą przejrzystością i bezpośredniością, jak ta młodsza forma sztuki. Fotografia, dzięki możliwości natychmiastowego uchwycenia rzeczywistości, stała się nieoczekiwanym sprzymierzeńcem malarzy. Dało im nowe narzędzia i perspektywy, inspirując do przedstawiania świata takim, jaki jest, bez filtrów i upiększeń.
Ta wzajemna wymiana malarstwa i fotografii była rewolucyjna. Wielcy mistrzowie mogliby studiować fotografie, aby lepiej zrozumieć światło, cień i kompozycję, a następnie zastosować tę wiedzę na swoich płótnach. Fotograficzne obrazy pozwoliły im dostrzec szczegóły, które ludzkie oko z łatwością mogłoby przeoczyć, wzbogacając ich pracę o niespotykany dotąd realizm.
Fotografia nie tylko zmieniła sposób, w jaki artyści postrzegali i przedstawiali świat, ale także stanowiła dla nich wyzwanie do bardziej bezpośredniego i uczciwego kontaktu z rzeczywistością: starania się wyrazić prawdę o życiu codziennym w całej jego złożoności i pięknie.
- Ruch polityczny
Dotarliśmy do ciekawostki numer trzy. Czego teraz oczekujesz? Odpowiedź leży wyłącznie w polityce! Realizm nie dotyczył tylko pędzli i kolorów, ale także „serc i ideałów”. Mistrzowie nie tylko malowali, ale aktywnie angażowali się w życie społeczne. Ich arcydzieła były prawdziwymi manifestami politycznymi, których celem było krzyczenie przeciwko niesprawiedliwości i wzywanie do działania. Na przykład wspomniany Honoré Daumier w swoich pracach nie tylko portretował podróżników, ale dał wyraz ich zmaganiom i kondycji. W jego „Przewozie trzeciej klasy” każda postać staje się potężnym symbolem walki i odporności klasy robotniczej, której pragnienie zmian społecznych wyraża się poprzez codzienną podróż mniej wygodnymi pociągami…
Zatem następnym razem, gdy będziesz jechał powozem... Żartuję, więc gdy następnym razem zobaczysz dzieło realisty, pamiętaj: za tym płótnem kryje się historia skandalu, innowacji i politycznej pasji. Prawdziwy przewrót w sztuce, który uczynił rzeczywistość godną malowania i celebrowania!
Współczesne przykłady
PAUL AVAIT FROID AUX PIEDS MAIS PAS AUX YEUX (2024) Malarstwo G. Carta
DZIEWCZYNA ZE SKRZYDŁAMI (2017) Malarstwo Romana Rembovsky'ego
Podwójna wizja realizmu: porównanie G. Carty i Romana Rembovsky'ego
Na obrazie „Paul avait froid aux pieds mais pas aux yeux” G. Carta przedstawia siedzącego młodego mężczyznę, wciągającego białą skarpetkę, ubranego jedynie w pomarańczowe majtki. Za nim na czarnym tle ożywa ściana ozdobiona kolorowymi kwiatami. Malarz wykonał ten obraz przy użyciu farb olejnych na płótnie lnianym, wykazując niezwykłą dbałość o detale mięśni i fakturę skóry, co wpisuje się w dzieło z charakterystycznymi cechami słynnego realizmu. Dodatkowo Carta, zazwyczaj skłaniająca się ku różnym stylom, zaskakuje precyzją i żywością tego przedstawienia.
Jednocześnie w „Dziewczynie ze skrzydłami” Roman Rembovsky przedstawia młodą dziewczynę w różowym body, siedzącą w nieco „osobistej” pozie na czarnym krześle biurowym. Za nią wiszące na ścianie pierzaste skrzydła sugerują element oniryczny lub symboliczny, mający na celu przekazanie introspekcji i spokoju w skrupulatnej i precyzyjnej kompozycji olejnej (zobacz szczegóły ciała i wyrazu dziewczyny).
Carta i Rembovsky podzielają tę wierność rzeczywistości, choć styl malarski tego pierwszego stosowany jest szybciej i czasami z „przybliżonymi” pociągnięciami pędzla lub obszarami chromatycznymi. Niemniej jednak chęć wiernego przedstawienia życia codziennego, w jego prostocie gestów i chwil, jest podobnie widoczna w obu obrazach, choć po raz kolejny Carta wyróżnia się żywymi kolorami. Ta ostatnia zdaje się czerpie inspirację z pop-artu i street artu, czyli trendów, które bardzo rezonują z artystą. Dla kontrastu Rembovsky odpowiada bardziej „tradycyjnym” realizmem, a także kontemplacyjnym i introspekcyjnym, skupiając się na szczegółach anatomicznych i postawie dziewczyny, starając się uchwycić jej rzeczywistość fizyczną i psychologiczną.
Podsumowując, choć obaj artyści w swoich pracach operują realizmem, ich techniki i intencje znacznie się od siebie różnią, oferując bogaty wachlarz interpretacji i wrażeń wizualnych.
SUBMERGED #2 2023 (2023) Rysunek: Paul Stowe
Hiperrealizm: historia, charakterystyka i główne postacie
Hiperrealizm to ruch artystyczny, którego celem jest przedstawienie rzeczywistości z niezwykłą precyzją, przy użyciu zaawansowanych technik tworzenia obrazów często przypominających fotografie. Artyści hiperrealistyczni skupiają się na scenach z życia codziennego, portretach i pejzażach miejskich, skrupulatnie oddając każdy najdrobniejszy szczegół.
Hiperrealizm pojawił się w Stanach Zjednoczonych na przełomie lat 60. i 70. XX wieku, ewoluując w reakcji na dominujące wówczas nurty artystyczne: ekspresjonizm abstrakcyjny i pop-art.
W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych ekspresjonizm abstrakcyjny, reprezentowany przez artystów takich jak Jackson Pollock i Willem de Kooning, zdominował scenę artystyczną, kładąc nacisk na abstrakcję i indywidualną ekspresję. Jednocześnie Pop Art, z wybitnymi postaciami, takimi jak Andy Warhol i Roy Lichtenstein, włączył elementy kultury popularnej i reklamy, przełamując bariery między sztuką wysoką a kulturą masową. Jednak niektórzy artyści poczuli się niezadowoleni z tych kierunków i poszukiwali wierniejszego i szczegółowego przedstawienia rzeczywistości: to pragnienie nowego „realizmu” doprowadziło do narodzin hiperrealizmu.
Artyści tego ruchu zaczęli wykorzystywać fotografie jako podstawę swoich prac, stosując zaawansowane techniki do tworzenia obrazów stanowiących wyzwanie dla percepcji wzrokowej. Procesy te obejmowały zastosowanie aerografu do nakładania koloru cienkimi, równymi warstwami, a także metodę siatki w celu dokładnego przeniesienia szczegółów fotograficznych na płótno.
Dzięki tym charakterystycznym cechom hiperrealizm celebruje odwzorowanie najdrobniejszych szczegółów, które mają nie tylko wykazać mistrzostwo techniczne, ale także głęboko odzwierciedlić zarówno percepcję wzrokową, jak i każdy aspekt współczesnego życia. Każde dzieło sztuki jest wynikiem szeroko zakrojonego procesu obserwacji i realizacji, zachęcającego widzów do ponownego odkrycia piękna i złożoności codziennych zdarzeń.
Teraz, tak jak to zrobiłem w przypadku wspomnianego wcześniej Realizmu, czas przedstawić mistrzów tego ruchu: hiperrealistów! Ale najpierw wyobraź sobie, że patrzysz na ludzką twarz nie tylko jako na zbiór cech, ale jako na krajobraz bogaty w szczegóły do zbadania, poznania, odkrycia i kontemplacji. To jest dokładnie to, co Leng Jun osiąga dzięki swoim portretom!
Podobnie jak Leng Jun zanurza się w intymności rysów twarzy, umiejętnie odsłaniając także naturę wnętrz, przedmiotów i ubioru w swoich kompozycjach, możemy sobie wyobrazić Juana Francisco Casasa zagłębiającego się w najdrobniejsze mimiki ożywiające codzienne życie. Jego prace, często tworzone przy użyciu prostych, niebieskich długopisów, z niezwykłą precyzją uwieczniają intymne i osobiste chwile. Cykl „Selfie” jest doskonałym przykładem jego stylu, pokazującym, jak artysta nie tylko rysuje postacie ludzkie, ale poprzez skrupulatne pociągnięcia pędzlem ukazuje każdą linię i cień jako istotną część kompozycji, przekształcając zwyczajność w coś niezwykłego.
Następnie przyjrzyjmy się Gottfriedowi Helnweinowi, artyście, który w prowokacyjny i często niepokojący sposób przenosi hiperrealizm do sfery portretu, ponieważ jest głęboko przywiązany do tematów komentarzy społecznych i psychologicznych. Na przykład w „The Disasters of War” Helnwein portretuje dzieci z niesamowitym realizmem, używając precyzyjnych szczegółów, aby podkreślić niewinność i bezbronność bohaterów. Jednak i w tym przypadku wszystko zostało pomyślane w bardzo konkretnym celu: przekształceniu dzieła w refleksję nad kruchością życia i ludzkim okrucieństwem, która objawia się poprzez odkrywanie historii ukrytych za przedstawionymi twarzami.
Na koniec wejdźmy do świata rzeźb Rona Muecka, gdzie wspomniany ruch ożywa w trzech wymiarach, tworząc postacie ludzkie, często w pozach codziennych lub bezbronnych, mające na celu uchwycenie istoty ludzkiego życia. Jednak w arcydziełach takich jak „In Bed” artysta nie tylko wiernie odwzorowuje temat, ale poprzez mądre wykorzystanie proporcji i szczegółów potrafi także wywołać poczucie empatii i intymności, mając na celu emocjonalne zaangażowanie widza.
Ciekawostki
Nadal chcę zaimponować Ci mniej znanymi perełkami, aby zdobyć Twoją przychylność! Tym razem rób notatki, bo dzięki tym trzem ciekawostkom dotyczącym hiperrealizmu zabłyśniesz nawet wśród najtwardszych entuzjastów sztuki. Gotowy pokonać nawet najcięższą sympatię?
- Fotograficzne początki hiperrealizmu
Wyobraź sobie, że jesteś na wystawie sztuki i spacerujesz wśród dzieł sztuki z osobą, którą podziwiasz. Stoisz przed hiperrealistycznym obrazem i delikatnym gestem przesuwasz rękę w stronę dzieła sztuki, oczywiście nie dotykając go! Następnie z porozumiewawczym uśmiechem mówisz: „Czy wiesz, że ten obraz prawdopodobnie powstał na podstawie fotografii?”
Hiperrealizm często wykorzystuje obrazy fotograficzne jako podstawową technikę. Artyści hiperrealistyczni rozpoczynają swój proces twórczy od wykonania niezwykle szczegółowych zdjęć swoich bohaterów. Fotografie te służą nie tylko jako przewodnik wizualny, ale także jako fundament, na którym z zadziwiającą precyzją można budować swoje obrazy. I nie tylko: wielu artystów wykorzystuje projektory do przenoszenia obrazów fotograficznych na płótno, łącząc technologię i sztukę w innowacyjny i mniej znany sposób. Ta metoda pozwala im uchwycić każdy najdrobniejszy szczegół, dzięki czemu ich prace są niezwykle realistyczne i fascynujące.
- Stosowanie skali makro
Wyobraź sobie, że znów jesteś na wystawie, tym razem na drugiej romantycznej randce, ale z inną osobą. Nie chcesz powtarzać tej samej anegdoty, więc postanawiasz zaskoczyć ich czymś nowym. Zatrzymujesz się przed innym hiperrealistycznym obrazem i z uśmiechem mówisz: „Czy wiesz, że istnieje fascynujący aspekt hiperrealizmu, o którym niewielu mówi? Zastosowanie skali makro”.
Artyści hiperrealistyczni często powiększają swoje obiekty znacznie poza naturalne wymiary, aby odsłonić szczegóły, których ludzkie oko normalnie nie dostrzega. To nie tylko ćwiczenie techniczne, ale przemyślany wybór, mający na celu uwydatnienie piękna i złożoności codziennej rzeczywistości: dzięki takiemu podejściu można spojrzeć na świat nowymi oczami, podziwiać niezwykłą szczegółowość i piękno ukryte w szczegółach!
- Ukryte emocje za realizmem
Jak zakończyć romantyczną randkę? Powiedz osobie, którą lubisz, że pomimo swojej fasady masz wrażliwe serce, zupełnie jak hiperrealizm, który nie jest tak zimny, jak się wydaje.
Za pozornym chłodem i techniczną precyzją hiperrealizmu często kryją się głębokie emocje i osobiste przesłania. Ten aspekt ruchu jest zbyt często niedoceniany, ale dodaje dodatkowego wymiaru dziełom hiperrealistycznym, czyniąc je imponującymi nie tylko ze względu na technikę, ale także przejmującą ze względu na treść. Aby zilustrować tę kwestię, pozwolę sobie powrócić do wspomnianego wcześniej zainteresowania psychologicznego, jakie można znaleźć w pracach Gottfrieda Helnweina…
Teraz jesteś uzbrojony we całą ciekawość potrzebną, aby wyglądać na nieodpartego konesera sztuki!
Współczesne przykłady
BALLERINA CURLED UP (2022) Obraz Chung Yau Sheka
OBRAZ AKRYLOWY W HIPERREALIZMIE „JUST MARTINI…” (2021) Malarstwo Natalii Bagatskiej
Rozbieżne interpretacje hiperrealizmu: porównanie Chung Yau Shek i Nataliya Bagatskaya
„Balerina skulona” Chung Yau Sheka przedstawia w czerni i bieli ciało baletnicy zwiniętej w pozycji embrionalnej na kraciastej podłodze, również w czerni i bieli. Obydwa wspomniane kolory, wszechobecne w obrazie, mają za zadanie podkreślić fluorescencyjną barwę baletek, kluczowy element kompozycji identyfikujący temat. Ta żywa pomarańcza w połączeniu z umiejętnym wykorzystaniem świateł i cieni w kompozycji tworzy trójwymiarowy efekt, mający na celu uczynienie obrazu niezwykle realistycznym i iluzorycznie namacalnym.
Podobnie Nataliya Bagatskaya wykazała się niezwykłą umiejętnością uchwycenia szczegółów w swoim „Just martini” – obrazie przedstawiającym otwartą butelkę, korkową nakrętkę i dwa papierowe kubki na stole, sugerujące chwilę po zakończeniu wspaniałej imprezy. Ale co sprawia, że ta scena jest namacalna? Jak spragniony widz może niemal zmylić się i sięgnąć po butelkę? Bagatskaya wykorzystuje połączenie akrylu i werniksu na płótnie, aby odtworzyć odbicia na błyszczącej powierzchni butelki i fakturze papierowych kubków, co jest skrupulatną techniką, która sprawia, że wizja jest niezwykle realistyczna.
Porównując oba obrazy, można zauważyć, że Shek skupia się na ludzkim ciele i złożoności form organicznych, podczas gdy Bagatskaya eksploruje piękno prostych i codziennych rzeczy, takich jak butelka Martini i papierowe kubki. Obydwu artystom udaje się jednak przemienić zwyczajność w niezwykłość, sprawiając, że ich bohaterowie zasługują na całą uwagę i kontemplację widza. Obserwator nie tylko patrzy, ale także ma ochotę dotknąć, aby upewnić się, czy to, co widzi, jest naprawdę dostępne i namacalne.
Jeśli chodzi o technikę, Shek używa oleju na płótnie, wykorzystując odcienie i gradację światła, aby stworzyć głębię i realizm, sugerując emocjonalną i intymną narrację. Z drugiej strony Bagatskaya wykorzystuje akryl i lakier, aby osiągnąć niemal fotograficzną precyzję, skupiając się na świetlistości i odblaskowych powierzchniach, starając się nasycić przedmioty aurą piękna, spokoju i fantazji.
POWIERNIK (2023) Malarstwo Fabiana Bertony
SPOJRZENIE (2022) Malarstwo Andrii Bryzhaka
Porównanie stylów w twórczości Fabiana Bertony i Andrii Bryzhaka
W pracach „Powiernik” Fabiana Bertony i „Spojrzenie” Andrii Bryzhaka wyraźnie widać różnicę między realizmem a hiperrealizmem. Pierwszy realistyczny obraz przedstawia kobietę o intensywnej i przenikliwej ekspresji, nawiązującej emocjonalną więź z widzem, gdy siedzi na krześle ubrana w delikatnie haftowaną białą suknię. Natomiast „Spojrzenie” Bryzhaka ukazuje zbliżenie twarzy innej kobiecej postaci z taką precyzją, że przypomina fotografię: skóra bohaterki jest nienagannie oddana z dbałością o szczegóły i niezwykłym „realizmem”. Kobieta patrzy jednak w lewo, unikając bardziej realistycznego, intensywnego i bliskiego kontaktu z widzem.
W tym miejscu można by to podsumować następująco: Fabian Bertona posługuje się techniką realistyczną, skupiając się na wiernym oddaniu rzeczywistości i emocji podmiotu, tworząc poczucie intymności i cichej komunikacji. Z drugiej strony Andrii Bryzhak stosuje hiperrealistyczną technikę, przesuwając granice percepcji wizualnej, podkreślając każdy najdrobniejszy szczegół!
Wreszcie Fabian Bertona i Andrii Bryzhak reprezentują dwa różne podejścia do przedstawiania rzeczywistości. Podczas gdy Bertona wykorzystuje realizm do tworzenia więzi emocjonalnych, Bryzhak wykorzystuje hiperrealizm, aby urzekać techniczną precyzją. Obydwaj artyści swoimi unikalnymi technikami i wizjami wzbogacają krajobraz sztuki współczesnej.
Czego się nauczyliśmy? Na koniec wróćmy jeszcze raz do wspomnianej wystawy, tym razem samotnie, ale chcąc nawiązać z kimś rozmowę. Stojąc przed dziełem Courbeta, stawiamy naszemu koledze-obserwatorowi pytanie z tego artykułu: „Czy wiesz, jaka jest różnica między realizmem a hiperrealizmem?” Mój rozmówca twierdzi, że nie, więc zaczynam wyjaśniać...
Realizm i hiperrealizm przedstawiają rzeczywistość na różne sposoby. Część pierwsza stara się wiernie i bez idealizacji uchwycić życie codzienne, natomiast Hiperrealizm przenosi realistyczne przedstawienie na ekstremalny poziom, tworząc dzieła przypominające fotografie.
Co więcej, ich techniki również znacznie się różnią: podczas gdy realiści posługują się tradycyjnymi metodami malowania i rysowania, opartymi na bezpośredniej obserwacji lub obrazach fotograficznych, hiperrealiści wykorzystują bezpośrednio zaawansowane narzędzia fotograficzne, aby osiągnąć niezwykłą precyzję.
Tematycznie Realizm skupia się na krytycznych i dokumentalnych tematach prawdziwego życia, podczas gdy Hiperrealizm bada tematy pamięci, nostalgii i przemijania życia, używając precyzji do wywoływania głębokich emocji.
Podsumowując, Realizm przedstawia rzeczywistość bezpośrednio i wiernie, podczas gdy Hiperrealizm popycha tę reprezentację do fotograficznych skrajności, odsłaniając mikroskopijne szczegóły i nowy wymiar rzeczywistości.
Olimpia Gaia Martinelli
