Cébé, Niebiańskie fortepian , 2014. Akryl na płótnie, 80 x 80 cm.
Muzyka i sztuka reprezentują bez cienia wątpliwości dwie pokrewne dyscypliny, które poprzez niematerialność dźwięku i zaklęcie obrazu są w stanie ujawnić ludzkie uczucia i doświadczenia, zarówno w pozytywnych i radosnych aspektach, jak i w bardziej introspekcyjnym i introspekcji. poważne. Właśnie z powodu tych osobliwości, wspomniane sztuki odgrywały znaczącą rolę od czasów starożytnych, a w szczególności od zarania cywilizacji klasycznych, kiedy z ich połączenia powstały dwie odrębne kombinacje: sztuka, która opowiada muzykę i sztuka, która wspiera muzykę. W tym ostatnim aspekcie wystarczy odnieść się do greckich i rzymskich amfiteatrów i teatrów, takich jak np. Teatr w Epidauros (Epidaurus, Grecja), który wybudowany w IV wieku p.n.e. reprezentuje arcydzieło zaprojektowanej architektury. w celu maksymalizacji akustyki.
Poliklit Młodszy, Teatr Epidauros, 340 pne, Epidauros.
Z drugiej strony, jeśli chodzi o sztukę opowiadającą historię muzyki, to zestawienie to realizowało się na przestrzeni wieków dzięki pracy wybitnych malarzy, grafików i rzeźbiarzy, którzy w celu uwiecznienia zarówno muzyków, jak i instrumentów muzycznych, w konsekwencji udokumentowały również ich ewolucję. W najwcześniejszych przykładach tę historię opowiadają nam statuetki i wazy wczesnych cywilizacji śródziemnomorskich, podobnie jak Lyre Player z drugiego tysiąclecia pne z Cyklad. Ta ostatnia marmurowa figurka, przedstawiająca mężczyznę zamierzającego grać na lirze, została wykonana w najczystszym geometrycznym schemacie ludzkiej postaci, typowym dla sztuki cykladzkiej. Dla zobrazowania relacji sztuka-muzyka w świecie hellenistycznym możemy posłużyć się przykładem czerwonej amfory z czarnym tłem, przedstawiającej Orfeusza grającego na lirze, dzieła naczyniowego z Attyki, znajdującego się obecnie w Muzeum Pergamońskim. w Berlinie. Ten sam „muzyczny” mit jest powtarzany także w świecie rzymskim, a dokładniej w mozaikowej posadzce przechowywanej w Muzeum Archeologicznym w Palermo, ozdobionej Orfeuszem w otoczeniu zwierząt . Poprzedzają jednak przykład starożytnego Rzymu etruskie freski na nekropolii Tarquinia, które są w stanie uwydatnić bardziej zabawny aspekt świata muzyki, ponieważ uwieczniają graczy na lirze i aulach w towarzystwie tancerzy.
Lira , II tysiąclecie pne, marmur. Ateny: Muzeum Narodowe. 
Orfeusz w otoczeniu zwierząt , I-II w. AD, rzymska mozaika podłogowa. Palermo: Muzeum Archeologiczne.
Historia związku sztuki i muzyki sięga średniowiecza, kiedy obok obrazów i rzeźb ważnym środkiem upowszechniania wiedzy muzycznej stały się obok obrazów i rzeźb iluminowane rękopisy, podobnie jak Remède de Fortune autorstwa poety i muzyka Guillaume'a de Machaut, która z XIV wieku stanowi jedno z najobszerniejszych źródeł artystyczno-literackich na ten temat. Wciąż poruszając temat tego okresu, warto też wspomnieć o portalach katedr romańskich i gotyckich, w których niejednokrotnie znajdują się rzeźby aniołów lub świętych uzbrojonych w instrumenty muzyczne. Przykładami tego stowarzyszenia sztuki, religii i muzyki są Portal św. Anny w Notre Dame w Paryżu i Portal Chwały w Santiago de Compostela.
Guillaume de Macaut, Remede de fortune , IV w., kodeks iluminowany.
Kilka wieków później, a dokładniej pod koniec XV wieku, niektórzy z największych mistrzów flamandzkich opowiadali świat muzyki poprzez sztukę, tak jak widać to w „Muzyku Aniołów ” Hansa Memlinga (ok. 1485) i „Ogrodzie ziemskim” Hieronima Boscha. Rozkosze (1480-1490). Jednak w tym ostatnim obrazie instrumenty, umieszczone w prawym panelu tryptyku przedstawiającego piekło, zdają się nawiązywać do brzmienia melodii bynajmniej nie przyjemnej, to znaczy dość dokuczliwego i chaotycznego szumu, występującego również w obrazie. połączenie nut zapisanych w pentagramie obecnym w utworze. Podobnie jak Bosch, Caravaggio w obrazie Odpoczynek w ucieczce do Egiptu z 1595 roku również okazał się bardzo uważny na wiadomości rzucane przez partytury. W rzeczywistości, nuty precyzyjnej melodii, autorstwa flamandzkiego kompozytora Noela Bauldewijna, oparte na tekście Pieśni nad Pieśniami i zatytułowane „Quam pulchra es”, są przekazywane w ręce Józefa.
H. Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich , 1480. Olej na desce. Madryt: Muzeum Prado.
Caravaggio, Odpoczynek w locie do Egiptu , 1595. Olej na płótnie. Rzym: Galeria Doria Pamphilj.
Pomijając okres około dwóch stuleci, wiek XIX charakteryzuje się bardzo intymnym spojrzeniem na związek między sztuką a muzyką; w rzeczywistości gracze sportretowani w tej epoce okazują się bardziej skupieni w swoich badaniach, a co za tym idzie, w swoim świecie. Przykładem tego jest The Bagpipe Player Thomasa Couture'a, który całkowicie pochłonięty swoją praktyką nie dba o otoczenie. Na koniec należy podkreślić, jak wraz z nadejściem XX wieku para sztuka-muzyka została nieusuwalnie zmodyfikowana przez awangardy, nieubłaganych nosicieli bezprecedensowych wizji rzeczywistości. Symbolicznym pokazem tego, co właśnie zostało potwierdzone, jest Gitara Pabla Picassa (1912-1913), która obecnie przechowywana w MOMA w Nowym Jorku reprezentuje trójwymiarową idealizację muzyki, mającą na celu uzyskanie „konkretności” poprzez namacalną objętość, grubość i forma. Ponadto wspomniane arcydzieło, w każdym celu zdolne do odtwarzania dźwięków, nie jest już tylko dziełem sztuki reprezentującym coś, ale także medium wyrażającym istnienie instrumentu.
Kristof Toth, Rzeźba dyptyku wiolonczelista + harfistka , 2020. Rzeźba, brąz na kamieniu, 52 x 30 x 15cm / 10,00 kg.
Karen Axikyan, Melodia , 2020. Rzeźba, Metale na metalu, 41 x 26 x 10 cm / 1,20 kg.
Połączenie sztuki i muzyki w dziełach artystów Artmajeur
Ponadczasowe znamię opowiadające historię muzycznego świata poprzez sztukę trwa do dziś; w rzeczywistości pragnienie to ożywia twórczość wielu współczesnych artystów, w tym Artmajeur, którzy często inspirowali się największymi figuratywnymi przykładami z przeszłości. Tej chęci naśladowania najwyższej tradycji sztuki towarzyszy jednak silne pragnienie innowacji, które, mające na celu wzbogacenie historycznego związku sztuki z muzyką, dobrze manifestuje się w twórczości Pierre'a Duquoca, Massimo Iacovelli i Jamiego Lee.
Pierre Duquoc, Ghost #36 , 2022. Fotografia, Fotografia manipulowana / Fotografia cyfrowa na papierze, 50 x 75 cm.
Pierre Duquoc: Duch #36
Zdjęcie Pierre'a Duquoca, zatytułowane Ghost #36 , ukazuje skrzypaczkę przy użyciu nieco paradoksalnej techniki; w rzeczywistości, jak twierdził sam artysta, fotograf nie ma zwyczaju, aby jego prace były rozmazane. W rzeczywistości jednak Duquoc pchnął wspomnianą sprzeczność jeszcze dalej, odtwarzając rozmycie z pierwotnie ostrych ujęć. Procedura ta ma na celu zbadanie drobnych zniknięć codziennego życia, czyli tych ulotnych chwil uchwyconych i przechowywanych w naszej pamięci, które następnie przekształcane są we wspomnienia. Występy na scenie, często nacechowane powtarzalnymi i uporządkowanymi ruchami, okazują się szczególnie odpowiednie do oddania pojęcia reminiscencji także dlatego, że muzycy po zakończeniu spektaklu generują swego rodzaju „znikanie”, które sprzyja odtworzeniu. Z drugiej strony, jeśli chodzi o historię sztuki, Ghost #36 ma wiele powiązań z The Hands of the Violinist Giacomo Balla , obrazem, na którym włoski mistrz uchwycił, poprzez efekt optyczny zbliżony do fotograficznego rozmycia, ruch muzyka .
Massimo Iacovelli , Groźny, 2022. Rzeźba-drewno, 74 x 24 x 24 cm.
Massimo Iacovelli : Groźny
Rzeźba Iacovelliego, wykonana za pomocą prawdziwych skrzypiec, jest wynikiem rozkładu tego ostatniego instrumentu muzycznego, mającego na celu wygenerowanie w widzu wielu, fragmentarycznych i rozczłonkowanych wizji obiektu. W tym kontekście dzieło przedstawia się widzowi w całej swojej względności, gdyż ukazując znany obraz skrzypiec, ponownie proponuje go w sposób niespotykany i niekonwencjonalny, oderwany od wszelkich obyczajów. Co więcej, Formidable przywodzi na myśl ikoniczne rzeźby skrzypcowe w stanie rozłożenia Armana, pomyślane w tym samym celu, by pokazać jednocześnie różne formy i perspektywy w jednym obiekcie. Wykładowca wraz z innymi artystami, takimi jak Yves Klein i Jean Tinguely z Nouveau Réalisme, wspomniany francuski mistrz miał zwyczaj odzyskiwania prawdziwych i przestarzałych przedmiotów w celu rozbicia ich na formy poprzez zmianę ich percepcji i ujawnienie ich istoty. W konsekwencji osobliwości twórczości Iacovelliego okazują się bardzo zbliżone do najwyższej tradycji historycznej sztuki.
Jamie Lee, Buddy Rich , 2022. Akryl / farba w sprayu na płótnie, 70 x 70 cm.
Jamie Lee: Buddy Rich
Popowy obraz Jamiego Lee przedstawia, w stylu zapożyczonym od Roya Lichtensteina, słynnego amerykańskiego perkusistę i lidera zespołu Buddy'ego Richa. Taki wybór tematu nie powinien nas dziwić, ponieważ pop-art zawsze był ściśle związany ze światem muzycznym; w rzeczywistości od XX wieku najbardziej popularne formy kultury skłaniały się ku multimediom, czyli połączeniu słów, muzyki, obrazów i tańca, które dawały złożone rezultaty artystyczne. Co więcej, wspomniany nurt, w swoim nieustannym odwoływaniu się do nowoczesności i nowych zjawisk masowych, uwzględniał oczywiście muzykę i jej bohaterów. Oczywiste nawiązania do świata muzycznego można odnaleźć w twórczości Petera Blake'a, Davida Hockneya, Richarda Hamiltona i Andy'ego Warhola, dzięki czemu twórczość artysty z Artmajeur wpisuje się wprost w wielką tradycję.
Olimpia Gaia Martinelli
