Kobiety, o których tu będziemy mówić, nie są „ kobietami ”, były artystkami, zanim poznały swoich mężów, miały własny styl i ambicje, były równie zręczne i utalentowane jak ich towarzyszki.
Elin Danielson-Gambogi, Pod koniec śniadania , 1890.
1. Josephine Hopper ( i Edward Hopper )
Wszyscy znają Edwarda Hoppera, ale kto pamięta jego żonę Jo?
Jej prawdziwe nazwisko Josephine Verstille Nivison, jej przeznaczeniem była jednak bardzo obiecująca przyszłość. Urodzona na Manhattanie w 1883 roku, bardzo młodo zwróciła się ku karierze artystycznej , łatwo wypowiadając się poprzez rysunek i teatr na ławkach uniwersyteckich. W 1905 roku, kiedy miała zaledwie 22 lata, poznała Roberta Henri , ważną postać amerykańskiego realizmu . Po tym, jak poprosił ją, by pozowała do jednego z jego portretów ( Student sztuki , 1906), został jej nauczycielem rysunku i nawiązał z nią relację, która była równie przyjacielska, co profesjonalna.
Następnie pracowała jako nauczycielka dla młodych dziewcząt, a wolny czas poświęcała malarstwu olejnemu. Aż do czterdziestki rozkoszowała się życiem w całkowitej niezależności , współpracując z wieloma artystami, podróżując po Europie ze swoim nauczycielem rysunku i początkującymi kolegami malarzami oraz uczestnicząc w koloniach artystycznych w Nowej Szkocji w Anglii każdego lata. Zaczęła cieszyć się słynną rozpoznawalnością dzięki wystawieniu niektórych swoich prac w nowojorskich galeriach, obok znanych artystów, takich jak Pablo Picasso , Amedeo Modigliani czy Man Ray . To w tym artystycznym mikrokosmosie poznaje swojego przyszłego męża Edwarda, najpierw w szkole artystycznej, potem podczas różnych kolonii artystycznych w Stanach Zjednoczonych.
Robert Henri, Student sztuki (portret Josephine Nivison) , 1906.
Kochankowie pobrali się w 1924 roku . Josephine V. Nivison zostaje Jo Hopper i uczestniczy w budowie pary równie burzliwej, co inspirującej . Podróżują po Ameryce i razem malują, ale fantazja o twórczym romansie szybko zamienia się w ciężar małżeński dla Josephine . Duet regularnie walczy, a te powracające napięcia osłabiają ich ambicje. Stopniowo zaniedbywała swoją pasję, by zostać impresariem męża i zajęła się większością domowych prac, by dać mu jak najwięcej czasu na tworzenie.
Jej mąż szybko stał się legendą, już za życia, dzięki enigmatycznym, wyrafinowanym i cichym pracom , opisującym codzienne życie odległej i głęboko samotnej Ameryki. Jednak bez pomocy żony Edward Hopper nigdy nie byłby w stanie osiągnąć sukcesu, który jest mu dziś uznawany . Znacznie więcej niż zwykły model czy zwykła muza, Josephine przyczyniła się ogromnie do artystycznego rozwoju swojego męża. Ponieważ był nieśmiały i powściągliwy, pomogła mu budować relacje z profesjonalistami na rynku sztuki, aby promować jego twórczość.
Jeśli kiedykolwiek będziesz zasmucony zrzeczeniem się Josephine, trzymaj się mocno, ponieważ ta historia jest o wiele bardziej niepokojąca:
Edward Hopper zmarł w 1967 roku w wieku 84 lat, bez potomków. Wdowa Josephine przeżyje go przez rok, zanim również umrze w wieku 84 lat, w 1968 roku, w ogólnej obojętności . Wykorzysta te kilka miesięcy żałoby, aby zorganizować potomność swojej pracy i pracy męża. W ten sposób udokumentuje ich pracę i przekaże w spadku Whitney Museum w Nowym Jorku znaczną liczbę prac tej pary . Dziś prezentowane są tam wszystkie prace sygnowane ręką Edwarda, ale nie ma śladów po setkach dzieł wykonanych i przekazanych przez Josephine .
Jo Hopper, Bez tytułu (Badanie krajobrazu wokół Hopper House z Cape Cod Bay w oddali).
Dzieła przechowywane w rezerwach muzealnych? Gdyby tylko…
W rzeczywistości zdecydowana większość dzieł Josephine całkowicie zniknęła . Od jego śmierci Muzeum Whitney nigdy nie wystawiło ani jednej pracy artysty , a co gorsza, zadbało o pozbycie się tego duchowego zapasu, uzasadniając brak miejsca w rezerwatach muzealnych. Muzeum część dzieł spaliło, a drugą część oddano szpitalom, które z braku miejsca również je w większości zniszczyły . Spośród stu wykonanych prac do dziś zachowało się tylko kilka rycin, akwareli i czarno-białych fotografii.
Złowieszcza nagroda dla kobiety, która poświęciła swój los, aby ustanowić triumf męża.
2. Margaret Keane (i Walter Keane)
Margaret Keane, W ogrodzie , 1963.
Czy rozpoznajesz te wielkie oczy?
Niektórzy z Was na pewno znają tę historię, ponieważ była tematem wysublimowanego filmu fabularnego w reżyserii Tima Burtona z 2014 roku: Wielkie Oczy (wspomnianego już w naszym artykule Kiedy kino oddaje hołd arcydziełom. Dzieło Historii Sztuki ).
Jest to najbardziej zdumiewająca kradzież tożsamości od czasu pojawienia się sztuki nowoczesnej : emancypacyjna epopeja mieszająca machismo , złośliwość i nieprzyzwoitość . Trzymaj się, zabierzemy Cię do ponurego i świetlistego świata Margaret Keane .
Ta ciekawska artystka urodziła się pod pięknym nazwiskiem Peggy Doris Hawkins w 1927 roku w Nashville ( Tennessee ). Gdy miała zaledwie 2 lata, uległa wypadkowi podczas pozornie łagodnej operacji medycznej, która nieodwracalnie uszkodziła prawą błonę bębenkową . Od najmłodszych lat wyrażała głębokie zainteresowanie rysowaniem , czynnością, którą ogromnie praktykowała. W wieku 10 lat zapisała się do szkoły rysunku, aby pogłębić swoją wiedzę i technikę. Już wtedy malowała swoje pierwsze obrazy olejne. Uszkodzona błona bębenkowa uniemożliwia mu prawidłowe słyszenie. Utrudnienie to zamknie go w szczególnej samotności i zmusi go do skoncentrowania się na spojrzeniu swoich rozmówców, aby lepiej ich zrozumieć (widzisz link w postaci słynnych wielkich oczu ). Nieśmiała i powściągliwa, stopniowo izoluje się w bańce samotności , co jest wyczuwalne w doborze tematów ( dzieci, kobiety, koty, psy, konie ), a także w doborze kolorów i techniki ( malarstwo w olej zmieszany z akrylem ).
Jego niezwykły styl sytuuje się na pograniczu kiczu surrealizmu i sztuki naiwnej .
Dyskretna, nieznana i odległa od świata sztuki, gdy skończyła 25 lat, w połowie lat pięćdziesiątych, jej los zmienił się radykalnie . Poznaje artystę o przeciętnej technice, ale rosnącym sukcesie: Waltera Keane'a . Chociaż oboje są małżeństwem, zakochują się w sobie i łączą się w 1955 roku w Honolulu.
Bob Campbell, Margaret Keane i Walter Keane , Kronika.
Walter Keane to postać nietypowa : charyzmatyczny , uwodzicielski , rozmowny i niewątpliwie egocentryczny . Świetny przykład toksycznej męskości, gdy robimy jej więcej ( i bez żalu ). Szybko popada w podziw szerokookich płócien swojej ukochanej i potajemnie zazdrosny o jego mistrzostwo w pędzlu . Wie, że jego obrazy są niepowtarzalne i można je sprzedać za dobrą cenę. Swoją charyzmą i doświadczeniem komercyjnym postanawia następnie osiągnąć to, czego nie potrafiła zbyt nieśmiała Margaret: promować i sprzedawać swoje prace .
Mąż, który pomaga swojej żonie, powściągliwemu artyście, sprzedawać swoje prace: gdzie szkoda?
Aby przyciągnąć kupujących, Walter wystawił prace swojej żony w klubie w San Francisco. W obliczu wielkiego sukcesu tej operacji i wielu wielbicieli, którzy chcą dowiedzieć się więcej o podpisie towarzyszącym tym dziwnym portretom, jej mąż postanawia, bez wiedzy swojej partnerki, twierdzić, że jest autorem tych prac . Był to początek wielkiego oszustwa , które potrwa kilka lat i spowoduje ogromne cierpienie Margaret. Zbyt krucha, by bronić się w obliczu oszustw i gróźb ze strony męża, będzie milczeć, a nawet posunie się do publicznego potwierdzenia , że to on rzeczywiście jest autorem tych wspaniałych twarzy o sarnich oczach.
Powoli Walter Keane zamyka się w swojej iluzji sukcesu . Ponieważ jest bardzo dobrą reklamą, prace płyną coraz szybciej, a pieniądze płyną swobodnie. Dlatego zaczyna wymyślać mitologię wokół „ swojej ” pracy i zamyka Margaret w jej własnych kłamstwach, kierując jej emancypacyjny zapał za pomocą wielkich wzmocnień gróźb i zastraszania oraz zmuszając ją do malowania przez cały dzień (czasem nawet do 16 godzin dziennie ). . Z drugiej strony jego obrazy przyciągają wielkie galerie amerykańskie, a nawet Andy Warhol ulega jego urokowi .
Bill Ray, Margaret i Walter Keane , Life Magazine, 1965.
Na szczęście pewnego pięknego dnia presja staje się dla Margaret nie do zniesienia. Decyduje się odejść z Waltera, aw 1970 roku ogłasza na żywo w radiu, że jest prawdziwą twórcą tych obrazów z dużymi oczami . Po długim okresie kontrowersji i krucjaty sądowej Margaret wreszcie została doceniona za swój talent, a smutne i melancholijne spojrzenie malowanych przez nią dzieci, gdy padła ofiarą okrucieństwa męża, ustępuje miejsca delikatnym, kwitnącym portretom i barwnym symbolom odnowiona radość życia . Zasłużony happy end , w przeciwieństwie do żałosnej potomności Josephine Hopper.
A jeśli nigdy nie widzieliście Big Eyes , filmu Tima Burtona przedstawiającego burzliwe życie Margaret Keane, gorąco polecamy!
3. Sophie Taeuber-Arp (i Jean Arp)
Chociaż nieznana ogółowi społeczeństwa, szwajcarska artystka Sophie Taeuber-Arp miała karierę równie olśniewającą, co wyjątkową . Swobodnie w (bardzo) wielu dyscyplinach: malarstwie, rzeźbie, modzie, architekturze, sztukach użytkowych i tańcu, uczęszczała do największych artystów początku XX wieku i była czołową postacią ruchu dadaizmu, konstruktywizmu i sztuki betonowej.
Sophie Taeuber-Arp, Tête Dada , 1920. Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork.
Niewiele jednak rzeczy predestynowało młodą Sophie Taeuber do wielkiej kariery artystycznej . Urodziła się w 1889 roku w Davos w Szwajcarii. Jej ojciec, z zawodu aptekarz, zmarł, gdy miała zaledwie 2 lata. Następnie dorastała wraz z matką, projektantką i fotografką oraz rodzeństwem w głębokiej i sielankowej szwajcarskiej wsi , obok tkaczy, którzy uczyli ją sztuki szycia.
Matka zachęcała go do rozwijania swoich wczesnych talentów artystycznych , a nawet służyła jako modelka. Kiedy Sophie zmarła, mając zaledwie 20 lat, postanowiła wziąć swój los w garść i wyjechała na studia sztuki użytkowej do Monachium, a następnie Hamburga w Niemczech. Odkryła m.in. sztukę ceramiki, toczenie przedmiotów drewnianych, projektowanie i kostiumy.
W 1915 roku, kiedy szalała I wojna światowa, została zmuszona do powrotu do Szwajcarii. Osiedla się w Zurychu i zaprzyjaźnia się z wieloma artystami, którzy sami są przymusowymi uchodźcami, uciekając przed niszczącym konfliktem, którego nie tolerują. Tam opowiada o swoich talentach artystycznych i poznaje Jeana Arpa, którego poślubiła w 1922 roku. Nawet jeśli w parze Taueber-Arp nie jest tak różowo, daleko nam do napięć między Edwardem i Jo Hopperem, ani manipulacji dokonywanych przez Walter Keane na swoim towarzyszu. Duet utrzymuje się z dochodów Sophie, ale tworzy razem i wzajemnie się inspiruje.
Sophie Taeuber-Arp i Jean Arp, Ascona (Hiszpania), 1925.
W 1929 Sophie i Jean uzyskali obywatelstwo francuskie. Wykorzystują ten nowy początek, aby osiedlić się w Meudon pod Paryżem. Jean jest już bardzo dobrze znany na paryskiej scenie i sprawia, że Sophie poznaje wielu wpływowych artystów tamtych czasów, którzy zostaną jego przyjaciółmi: w szczególności Maxa Ernsta , a także Sonię i Roberta Delaunayów . Goście przepychają się do drzwi swojego przydomowego warsztatu w Meudon, a ambicje Sophie zaczynają być amputowane przez sukces jej męża . W tym czasie była postrzegana bardziej jako gospodyni i żona Jeana Arpa, który wciąż pozostaje w centrum uwagi . Wyprodukowała w tym okresie wiele prac, ale coraz rzadziej ośmieliła się je prezentować, przedkładając komfort odosobnienia od arogancji światła reflektorów, które dostrzegała w spojrzeniu męża .
Związek między Sophie i Jean był daleki od toksycznych napięć, które łączyły pary Hoppera i Keane'a. Kiedy Sophie zmarła z powodu zatrucia tlenkiem węgla spowodowanym przez wadliwy piec na drewno w 1943 roku, jej mąż pozostał niepocieszony . Powrót do normalnego życia zajmie jej lata, a utrata miłości będzie miała wpływ na całą jej twórczość artystyczną . Będzie też domagał się, aby jego własne prace można było wystawiać tylko obok prac Sophie. Cnotliwa prośba o paradoksalnych konsekwencjach , bo na zawsze nazwisko Sophie Taeuber, żony, ale niezależnej artystki , będzie kojarzone z nazwiskiem Jeana Arpa.
Sophie Taeuber-Arp, Kompozycja okręgów i nakładających się kątów , 1930.
Mimo tych wszystkich wysiłków, Sophie szybko zostanie zapomniana przez opinię publiczną , która będzie zainteresowana jedynie twórczością Jeana Arpa. Wada systemu : instytucje, muzea, galerie i kolekcjonerzy, którzy nie chcą docenić wagi tak potężnego dzieła, ponieważ jest ono produkowane przez kobietę. Odkryte niedawno, pod koniec XX wieku, jego twarz jest dziś biletem dadaistycznym o wartości 50 franków szwajcarskich , a międzynarodowe instytucje uchwyciły jego radykalne dzieła, niepowtarzalne i oryginalne.
4. Lee Krasner (i Jackson Pollock)
Lee Krasner, Combat , 1965. National Gallery of Victoria, Melbourne .
Lee Krasner uważana jest dziś za pionierkę abstrakcyjnego ekspresjonizmu w Stanach Zjednoczonych, choć przez bardzo długi czas była przyćmiona wciąż żywiołową aurą swojego męża Jacksona Pollocka , który co roku panikuje na salach aukcyjnych. kapie legendarny .
Urodzona w Stanach Zjednoczonych w 1908 roku w rodzinie ukraińskich żydowskich imigrantów, którzy uciekli przed antysemityzmem i wojną, bardzo wcześnie wykazywała duże zainteresowanie praktyką artystyczną . Podobnie jak jej siostry Jo Hopper, Sophie Taeuber i Margaret Keane, od najmłodszych lat chciała rozpocząć karierę artystyczną i dlatego zapisała się do szkoły dla dziewcząt w Waszyngtonie, która prowadzi kurs artystyczny. Szybko uzyskała dyplom nauczyciela sztuki i stopniowo zbudowała sieć artystów i zawodowych przyjaciół ze świata sztuki , którzy rozbudzili jej kreatywność i ambicję.
W 1933 dołączyła do ruchu Amerykańskich Artystów Abstrakcyjnych i poznała ówczesny talent twórczy: Willema de Kooninga , Arshile'a Gorky'ego , Adolpha Gottlieba , Marka Rothko , Barnetta Newmana czy nawet Clyfford Stilla , żeby wymienić tylko kilku. Tworzy abstrakcyjne, gestykulacyjne i ekspresyjne prace w dużych formatach , eksperymentuje z mnogością technik: malarstwem, węglem, kolażem, mozaiką ... Bardzo wymagająca w pracy własnej, regularnie niszczy swoje płótna , a czasem odzyskuje dla nich fragmenty. dodać do nowych osiągnięć. W rezultacie liczba zachowanych dzieł jest bardzo skromna : jej katalog raisonné zawiera około 600 znanych dzieł , co jest dość ograniczone jak na artystę, który tworzy od prawie 50 lat .
Jackson Pollock i Lee Krasner w swoim studio, 1950. Zdjęcie: Lawrence Larkin
Poznała Jacksona Pollocka w 1941 roku. Zakochali się w sobie i pobrali 4 lata później, w 1945 roku. Te dwie istoty inspirują się nawzajem twórczo, zapuszczając się w podobne dziedziny, nie będąc wulgarnym kopiowaniem i wklejaniem . Lee wnosi swoją wiedzę i doświadczenie, da z siebie wszystko, aby promować pracę męża . Mają różne podejścia, ale ich ambicje są takie same. Dzięki żonie Jackson Pollock spotka się z krytykami i wpływowymi właścicielami galerii, takimi jak Peggy Guggenheim czy Clement Greenberg . Ich związek wynika z prawdziwej wymiany : Lee radzi Jacksonowi, aby przestał nadawać tytuły swoim pracom, aby publiczność mogła kontemplować jego obrazy bez szukania zewnętrznych odniesień, podczas gdy Jackson pomaga swojej żonie podjąć większe ryzyko w realizacji swoich prac.
Jednak nawet jeśli w warsztacie wszystko idzie dobrze, na zewnątrz uczucia są zupełnie inne. Lee Krasner będzie regularnie cierpieć z powodu publicznego odbioru swojej tożsamości. Kontemplatorzy będą systematycznie łączyć pracę jej z pracą męża. Krytycy ze swojej strony uznają ją za inspirującą muzę , a co gorsza, za banalną naśladowczynię , nigdy nie starając się analizować jej pracy niezależnie od pracy męża lub na uczciwych zasadach równości. Nawet po makabrycznej śmierci Jacksona Pollocka (o czym wspomnieliśmy już w naszym artykule o 3 torturowanych artystach o tragicznych losach ), będzie jej ciężko bronić się jako niezależna artystka , pomimo ewolucji autonomii przez całe życie, i odmowa przyjęcia nazwiska męża. Jeden z krytyków nazwałby ją nawet „ Action Widow ”, czyli skrótem Action Painting (praktyki artystycznej, której główną postacią był Jackson Pollock) i wdowy , by nalegać na szczególną zależność Lee Krasnera od jej zmarłego męża. Głęboko mizoginiczna postawa, charakterystyczna dla całkowicie nieskrępowanego społeczeństwa patriarchalnego.
Lee Krasner, Syrena , 1966. Barbican Center, Londyn.
Na zakończenie pamiętajmy, że ta czwórka utalentowanych artystów nie jest jedynymi ubocznymi ofiarami triumfu męża . Lista nigdy nie może być wyczerpująca, ale zacytujmy np. Dorotheę Tanning , żonę Maxa Ernsta, Jean Cooke , żonę Johna Bratby, czy Elaine de Kooning , żonę Willema de Kooninga…
W rzeczywistości jest ich tak wiele, że ich nieprzychylność nie może być po prostu przypadkowa . Jest gorzkim symbolem powszechnie akceptowanego zachowania, z czasów, kiedy mężczyźni z lęku lub pogardy nie chcieli przyznać artystkom miejsca, na które zasługiwały. Dziś wszystko się zmienia i każdego dnia możemy odkrywać historię nowej artystki , odkrytej w swoim czasie i zrehabilitowanej pod jej wpływem.
Miejmy więc nadzieję, że przeszłość należy tylko do przeszłości i że błędy z przeszłości nie powtórzą się tak często.
Bastien Alleaume (Crapsule Project)