Martwa natura jest dla artystów ćwiczeniem równie fascynującym, co enigmatycznym. Fascynująca techniką, bo wielu malarzy "zrobiło rękę" na tych rodzajowych obrazach, łatwych do realizacji, bo nie wymagają modelek, nie wielogodzinnych póz, ale też dlatego, że można je malować bezpośrednio w pracowni, często nawet przy świecach.
Vincent van Gogh, Słoneczniki (F456) , 1888. Neue Pinakothek, Monachium, Niemcy.
Przede wszystkim wiele martwych natur okazuje się szczególnie tajemniczych, ponieważ zawierają głębsze znaczenia niż proste przedstawienie przedmiotów nieożywionych . Choć często zapominane, martwe natury są dziedzictwem vanitas , tych rodzajowych obrazów, które przypominają nam o nieuchronnym przemijaniu i przemijaniu rzeczy, które kochamy. W malarstwie zniszczony owoc może ilustrować śmierć, a kwitnący słonecznik może przedstawiać melancholię .
Jakie są więc najbardziej znane martwe natury w historii sztuki?
1. Fede Galizia, Martwa natura (ok. 1610)
Fede Galizia, Martwa natura, ok. 1610. Ze zbiorów prywatnych.
Co by było, gdybyśmy zaczęli od oddania sprawiedliwości historii sztuki? Może to być zaskoczeniem, biorąc pod uwagę miejsce pozostawione kobietom w artystycznej epopei ostatnich kilku stuleci, ale pojawienie się martwej natury jako charakterystycznego stylu jest głównie wynikiem silnej kobiecej woli .
Kobieta? Nie, kobiety . To właśnie na początku XVII wieku rozkwitły pierwsze prawdziwe eksperymenty z martwymi naturami we współczesnym znaczeniu tego słowa (daleko od dawnych marności) , oznaczających kompozycje przedmiotów nieożywionych, na ogół owoców, artykułów spożywczych, naczyń i zwierząt.
Fede Galizia, Martwa natura z jabłkami na majolikowej tazzie, z nieszpułką i białą porzeczką , ca. 1612. Nieznana lokalizacja.
Martwa natura nie była wówczas deprecjonowana, ale współistniała z innymi tradycyjnymi gatunkami: obrazami mitologicznymi i religijnymi , portretami czy pejzażami . Jednak malarze malowali głównie portrety (bo im za to płacono), potem obrazy mitologiczne i religijne (bo rozsławiły je), a stopniowo porzucali marności, martwe natury i pejzaże, które nie przyniosły im ani sławy, ani fortuny. Europa jest w pełnym artystycznym rozkwicie, od Holandii po Włochy, przez Francję wiele artystycznych miejsc kipi od wszelkiego rodzaju talentów. Wśród tych artystek trzy kobiety oderwą się od zdrowego rozsądku, by większość swojej twórczości poświęcić realizacji martwych natur .
Ale kim są te Atomówki martwych natur?
Najpierw w Mediolanie (Włochy) Fede Galizia tworzy serię pysznych koszy z owocami. Kilka tysięcy kilometrów dalej, jedna z jej rówieśników, Clara Peeters , mieszkająca w Antwerpii (Holandia), kwitnie poprzez setki martwych natur reprezentujących stoły zastawione na obfite i wyrafinowane posiłki. Wreszcie kilka lat później, około 1630 roku, francuska artystka Louise Moillon stworzyła również liczne martwe natury w stylu Fede Galizia.
Clara Peeters, Martwa natura ze złoconą tazzą , 1613. Ze zbiorów prywatnych.
Te trzy kobiety niezaprzeczalnie spopularyzowały ten gatunek w całej Europie, zarówno wśród kolekcjonerów, jak i innych artystów. Jednak to ich męski odpowiednik, który przybył później, otrzymuje miejsce z wyboru w historii sztuki. Oddajmy dziś sprawiedliwość tym trzem kobietom, które zostały niesłusznie zapomniane pomimo ich pionierskiej pracy, która zasługuje na ponowne odkrycie .
Louise Moillon, Martwa natura z koszem owoców i szparagami, 1630. Art Institute of Chicago.
Jeśli rehabilitacja artystek w historii sztuki jest tematem bliskim Twojemu sercu, zapoznaj się z naszymi dedykowanymi artykułami: 4 wyjątkowo złe kobiety, które zmieniły (bardzo patriarchalną) historię sztuki i 4 artystki w cieniu sławy męża .
2. Jean-Siméon Chardin, Promień (1728)
Jean Siméon Chardin, Promień , 1728. Luwr, Paryż.
Przez współczesnych Jean-Siméon Chardin uważany był za absolutnego mistrza gatunku , zwłaszcza ze względu na umiejętności techniczne i zadziwiające kompozycje. Ta praca, wystawiona w Luwrze , jest przekonującym świadectwem jego malarskiej skuteczności.
W tej kompozycji odkrywamy mały drewniany stół warsztatowy, na którym ustawione są różne przedmioty: naczynia kuchenne i pojemniki znajdują swoje miejsce obok kota, tusz rybnych i ostryg. Ponad tym dziwnym nieładem ceglana ściana narzuca swój półmrok, a promień w centrum dzieła utrzymywany jest przez metalowy haczyk .
Dlaczego taki bałagan? Ta plątanina przedmiotów nieożywionych (oprócz tego nieustraszonego kota) pozwala artyście swobodniej wyrażać swoją wolę malarską : tutaj na przykład wybiera konstrukcję piramidalną, aby ustrukturyzować kompozycję. Piramida środkowa jest oczywiście reprezentowana przez promień, następnie dwie inne dolne piramidy są widoczne po obu stronach zwierzęcia: jedna bierze szczyt na końcu ogona kota, druga na końcu kadzi umieszczonej w równowadze na gipsie żelazny garnek.
Biały obrus tworzy dwoistość w centrum dzieła i dzieli kompozycję na dwie części . Wreszcie widoczne wnętrzności promienia wnoszą do dzieła zaskakującą brutalność: tak ułożony dziwny wyraz twarzy zwraca się do nas i sprawia, że czujemy się niekomfortowo. Chardin zabiera nas daleko od romantyzmu z tą wypatroszoną płaszczką, która jest równie złowroga, co niepokojąca .
3. Edouard Manet, Kiść szparagów i szparagi (1880)
Edouard Manet, Kiść szparagów , 1880. Muzeum Wallraf–Richartz, Kolonia, Niemcy.
Oto niekonwencjonalna historia w świecie sztuki i zabawna anegdota, która zabłyśnie w społeczeństwie. Te dwie martwe natury są jednym i tym samym i są bardziej znane z historii ich powstania niż z czystych walorów estetycznych.
Dawno, dawno temu, w 1880 roku, żył kolekcjoner sztuki i dobry przyjaciel impresjonistów: Charles Ephrussi . Postanowił zlecić swojemu ulubionemu artyście, Edouardowi Manetowi, namalowanie martwej natury przedstawiającej kiść szparagów. Zaoferował mu 800 franków za grafikę . Manet zaakceptował, namalował szparagi i wysłał wynik swojemu patronowi. Po jego otrzymaniu to zdumienie: Charles Ephrussi kocha obraz , był zachwycony tą wspaniałą kiścią szparagów i daje 1000 franków Manetowi (czyli o 200 franków więcej niż oczekiwano). Artysta postanowił następnie ofiarować temu hojnemu patronowi kolejną martwą naturę – Szparagi – z następującym komentarzem: „ W waszej grupie brakowało jednego”. .
Edouard Manet, Gałązka szparagów , 1880. Musée d'Orsay, Paryż, Francja.
To wystarczyło, aby pozornie nieistotne dzieło sztuki stało się legendą w historii sztuki nowoczesnej. Dziś te dwa dzieła sztuki są rozdzielone: jedno znajduje się w Musée d'Orsay w Paryżu, drugie w Muzeum Miejskim w Kolonii, ale ponieważ oba są tak blisko spokrewnione, z całego serca mamy nadzieję, że pewnego dnia przyjdą razem .
4. Paul Cézanne, Martwa natura z czaszką (ok. 1898)
Paul Cézanne, Martwa natura z czaszką , ok. 1898. Fundacja Barnesa, Filadelfia.
Jak możemy mówić o najsłynniejszych martwych naturach w historii sztuki, nie wspominając niekwestionowanego mistrza tego stylistycznego ćwiczenia: dziwnego i fascynującego Paula Cézanne'a . Ten zakochany w południowej Francji artysta zrealizował w swojej karierze kilkaset martwych natur, wszystkie bardziej wysublimowane niż pozostałe.
Dla Wassily'ego Kandinsky'ego Cézanne „podniósł martwą naturę do tego stopnia, że przestała być nieożywiona. Malował te rzeczy jako istoty ludzkie, ponieważ otrzymał umiejętność odgadywania wewnętrznego życia wszystkiego” . Piękny hołd dla tego zapalonego malarza, który przyłożył się do analizy obrazu pod pryzmatem matematyki.
Paul Cézanne, Kosz jabłek, ca. 1892. Instytut Sztuki w Chicago.
Jeśli jabłka Cézanne'a są tak urzekające, to dlatego, że widział je jako kule i walce, a nie jako proste przedmioty do przedstawienia. Jeśli jego kompozycje są tak naturalne, to dlatego, że nie powstają z linii i kształtów, ale z alchemii kontrastów. Formę tworzy ścisła zgodność tonów, a jeśli ta koordynacja jest harmonijna, to obraz tworzy się . W języku artystów „modelowanie” oznacza przede wszystkim „modulowanie” . Prace Cézanne'a są istotną częścią historii sztuki, zapowiadając główne trendy artystyczne XX wieku, zwłaszcza kubizm .
5. Georges Braque, skrzypce i świecznik (1910)
Georges Braque, skrzypce i świecznik , 1910. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco.
To właśnie z Pablo Picasso Georges Braque współtworzył kubizm , dominujący styl artystyczny XX wieku. Kubizm to ruch artystyczny, który charakteryzuje się głównie odejściem od klasycznej perspektywy , rozbiciem form na różne geometryczne aspekty (co daje wrażenie „sześcianów”) i niezależnością różnych płaszczyzn kompozycji. Aby nadać sens swoim badaniom, Braque i Picasso musieli tworzyć dzieła sztuki zgodnie z następującymi procesami: Braque najpierw tworzył krajobrazy, a następnie dekonstruował tradycyjny motyw martwej natury .
Skrzypce i Świecznik to z pewnością najsłynniejsza kubistyczna martwa natura w historii sztuki . Utworzony w 1910 roku, jest częścią pierwszej fazy kubizmu, powszechnie znanego jako kubizm analityczny . Tutaj elementy kompozycji reprezentowane są przez proste kształty, wykorzystujące wiele punktów widzenia w czysto monochromatycznym stylu: artysta wykorzystał tylko różne odcienie tego samego koloru. Dzięki Braque'owi i Picasso sztuka staje się ćwiczeniem logicznym i matematycznym .
Georges Braque, Martwa natura ze szkłem i literami, 1914. MoMA, Nowy Jork.
I to wszystko, ta klasyfikacja się skończyła i mamy nadzieję, że Wam się podobała!
Aby przejść dalej, można przeczytać nasz artykuł na temat najbardziej znanych autoportretów tutaj , lub odkryć nasze martwe natury kolekcja, dostępna w Artmajeur tutaj .
Bastien Alleaume (Crapsule Project)