Sztuka węgierska: wprowadzenie w 5 punktach
Korzenie: Większość historyków uważa, że naród węgierski pojawił się około 895 roku n.e. pod przywództwem księcia Árpáda, kiedy to rozwinęły się także jego najwcześniejsze formy ekspresji artystycznej. W okresie po podboju Árpáda upowszechniło się wykorzystanie motywów zdobniczych, służących do ozdabiania zarówno odzieży, jak i wyposażenia koni, z dominującym motywem palmety. To, co zostało opisane, było popularne aż do XI wieku.
Od romańskiego do gotyku: sztuka średniowiecznego Królestwa Węgierskiego przybiera formę splotu kultur, które następowały po sobie w tysiącletnim państwie Kotliny Karpackiej. Rezultatem jest mieszanka oryginalnych stylów stepowych i współczesnej europejskiej sztuki romańskiej. To spotkanie wytworzyło styl architektoniczny szczególnie przypominający skandynawską sztukę Wikingów i sztukę celtycką. Jeśli chodzi o gotyk, przybył on na Węgry pod koniec XIV wieku, wpływając na architekturę, malarstwo i rzeźbę. W malarstwie dużą popularnością cieszyły się w tym czasie freski przedstawiające legendę o św. Władysławie, poświęcone tytułowemu królowi i znajdujące się w wielu kościołach.
Renesans: wpływy włoskie stają się wyraźnie widoczne w sztuce. Wynika to z silnych powiązań, jakie za swojego panowania nawiązał król Węgier Maciej Korwin z Półwyspem Apenińskim.
Barok, neoklasycyzm i secesjonizm: Większość budynków, które możemy dziś podziwiać na Węgrzech, jest w stylu barokowym, który zyskał na znaczeniu w kraju po wypędzeniu Turków w 1686 r. Przykłady budynków neoklasycznych są wynikiem odrodzenia starożytnej Tradycje greckie po epoce reform. O triumfie popularności późniejszego stylu secesjonistycznego świadczą architektury takie jak Muzeum Sztuki Stosowanej (Ferencváros, Węgry), zaprojektowane przez jednego z najwybitniejszych architektów tamtych czasów, Ödöna Lechnera.
HOT TUB NO2 Malarstwo autorstwa Tibora Simona-Mazuli
ZABAWA CIENIA III. (2023)Malarstwo László Barna
XX wiek
Wprowadzenie w świat sztuki węgierskiej pozwoliło nam dotrzeć tam, gdzie chcieliśmy być: do XX wieku, awangardy i jej najsłynniejszych artystów. W tym specyficznym kontekście mistrzowie węgierscy okazali się szczególnie aktywni i otwarci na wszelkie nowinki artystyczne, płynące wówczas głównie z Europy Zachodniej. W tym okresie wyróżnili się artyści węgierscy, m.in. malarze fauwistyczni, tacy jak Béla Czóbel, Dezső Czigány, Bertalan Pór, a także artyści awangardowi, jak Gyula Tornai, Gyula Benczúr i Sándor Bihari. Później, w czasach socjalizmu, pojawiła się bardziej eksperymentalna, krytyczna i prowokacyjna produkcja artystyczna, współpracująca z zachodnią frakcją aktywistów o temperamentnym charakterze. Wreszcie upadek reżimu doprowadził do nowo odkrytej wolności i otwartości na sztukę zachodnią. Nadszedł czas, aby przedstawić, w rosnącym porządku chronologicznym, na podstawie dat urodzenia, niektórych z najbardziej wpływowych węgierskich artystów XX wieku!
HARD PRACA (2024) Malarstwo Petera Duhaja
André Kertész
Kto zrewolucjonizował kompozycję fotograficzną i esej fotograficzny pionierskimi wkładami o charakterze lirycznym, eleganckim i rygorystycznym? André Kertész! Węgierski fotograf urodzony w 1894 roku nie zyskał jednak od razu uznania, na jakie zasługiwał, ponieważ początkowo jego niekonwencjonalne ujęcia i bardziej spontaniczny styl, a nie techniczna precyzja, nie zostały dobrze poznane. Mimo to uznawany jest obecnie za jedną z podstawowych postaci fotografii XX wieku, czego przykładem jest jego praca „Widelec” (1918). Celem tego tematu jest zestawienie piękna z prostotą, koncepcjami rozświetlonymi w swej codziennej istocie i podkreślonymi obecnością dramatycznych cieni umieszczonych pod widelcem. Stwarza to niemal wrażenie abstrakcyjnej kompozycji, mimo że charakter naczynia jest wyraźnie ukazany. Co możemy z tego wywnioskować? Z pewnością siła medium fotograficznego, zdolnego zamienić proste narzędzie w przedmiot o ogromnym potencjale poetyckim.
László Moholy-Nagy
László Moholy-Nagy (1895 – 1946) był węgierskim malarzem i fotografem, profesorem szkoły Bauhaus. Na tego modernistycznego mistrza wpływał Dadaizm, Konstruktywizm, Suprematyzm i debaty na temat fotografii, co dało mu bardziej praktyczne, eksperymentalne i technologiczne podejście. Mówiąc o jednym z jego obrazów, można nawiązać do słynnej „Konstruktion in Emaille 1” (Konstrukcja w emalii 1, zwanej także obrazem telefonicznym) (1922-23), abstrakcyjnej kompozycji geometrycznej, która nabiera kształtu w formie grubego czarny pionowy pasek na białym tle. To, co właśnie zostało opisane, towarzyszy obecności małego poziomego żółtego prostokąta otoczonego kolorem czerwonym, pojawiającego się za czerwoną pionową linią. Dodatkowo podobna figura w kształcie krzyża umieszczona jest w prawym górnym rogu płótna, nadając kompozycji głębię. O ile te mniejsze elementy arcydzieła zdają się stopniowo zbliżać do widza, o tyle większe formy pozostają statyczne, nawiązując do bardziej typowego, minimalistycznego porządku. Wreszcie dzieło, ze względu na swój charakter, wykazuje pokrewieństwo zarówno z konstruktywizmem, jak i współczesnym holenderskim ruchem De Stijl.
BALLET 2. (2020)Rzeźba autorstwa Kristofa Totha
Brassaï
Brassaï (1899 – 1984), węgiersko-francuski fotograf, rzeźbiarz, medalier, pisarz i filmowiec, zyskał międzynarodową sławę w XX-wiecznej Francji. Sławę przyniosła mu fotograficzna eksploracja nocnego życia Paryża, opublikowana w książce „Paryż nocą”. Jednak jako fotograf i fotoreporter wniósł swój wkład przede wszystkim w dziedzinę fotografii ludowej, choć jego prace często balansują na granicy fotografii ulicznej i sztuki surrealistycznej. Dla zobrazowania jego bohaterów, postrzeganych przede wszystkim jako wynik ciekawości zjawisk urbanizacyjnych tamtych czasów, przywołuję następującą fotografię: „Potok wijący się po pustej ulicy” (1930-32). Fotografia ta ukazuje zainteresowanie fotografa tematem ulicy, oświetlonej światłem elektrycznym, gotowej odsłonić chodnik ze wszystkimi szczegółami. Kierując się tymi zainteresowaniami, miasta nocą uwieczniane są poprzez dwie podstawowe zasady: systematyczną dyscyplinę ujęcia oraz poetycką wizję i wrażliwość. W rzeczywistości Christian Bouqueret tak opisał jego fotografie: Brassaï jest fotografem „nowego świata”, „gdzie noc nie jest już nocą i gdzie światło wdziera się brutalnie i głośno [...] ukazując rzeczy, które wcześniej były tylko spekulacje.”
Marcela Breuera
Marcel Lajos Breuer (1902 - 1981) był węgiersko-niemieckim modernistycznym architektem i projektantem mebli, którego kariera obejmowała każdy aspekt projektowania trójwymiarowego, od obiektów po budynki. W szczególności on, student, a później nauczyciel w Bauhausie, jest najbardziej znany ze swoich kultowych projektów krzeseł, w których widoczne było jego żywe zainteresowanie testowaniem najnowszych osiągnięć technologicznych w celu przełamywania konwencji i osiągania niezwykłych wyników. Jeśli chodzi o jego krzesło klubowe (model B3) (1927-28), wykonane ze skóry i rurek stalowych, jest ono po prostu ikoniczne, mimo że powstało w okresie, gdy artysta był jeszcze praktykantem w Bauhausie. Stylistycznie krzesło inspirowane jest konstruktywistycznymi zasadami ruchu De Stijl i w istotny sposób reinterpretuje ideę ramy roweru, zachowując zasady funkcjonalności i prostoty.
LÁNY FÁCÁNNAL (2022)Malarstwo Attyli Karácsony'ego
Wiktor Vasarely
Victor Vasarely (1906 – 1997), „dziadek” i przywódca ruchu op-artu, był węgiersko-francuskim artystą szeroko znanym ze swoich dzieł prezentujących efekty optyczno-geometryczne uzyskane dzięki połączeniu wirtuozowskiej precyzji technicznej i uznanej świadomości naukowej. W rzeczywistości jego sztuka ma na celu zabawę zmysłem wzroku widza, tworząc iluzoryczne efekty oraz różnorodne głębie, perspektywy i ruchy. Najważniejszym aspektem staje się akt patrzenia, porównywania tego, co faktycznie widzimy, z tym, co jest naprawdę obecne. W „Zerze” (1937) dwa ukazane zwierzęta przeplatają się na czarnym tle, nadając kompozycji głębię, intymność, energię i zmysłowość. Ogólne wrażenie ruchu potęguje fakt, że zwierzętom brakuje konturów, ale są one określone przez faliste czarno-białe paski, dzięki czemu wszystko wydaje się być w ciągłym ruchu. W tym zastosowaniu efektów optycznych „Zebra” była często uważana za jedno z wczesnych dzieł op-artu.
Roberta Capę
Robert Capa, węgiersko-amerykański fotograf wojenny i fotoreporter urodzony w 1913 roku, często używał małego aparatu, aby zbliżyć się do niebezpiecznych miejsc działań, aby zobrazować niszczycielskie skutki przemocy. Dodatkowo jego fotografie wojenne, tworzone w celu opowiadania historii i uchwycenia istoty tematów, charakteryzują się patosem. Do dziś pozostaje wzorem do naśladowania dla twórców tej gałęzi fotografii. Jednym z najbardziej kultowych ujęć Capy jest niewątpliwie „The Falling Soldier” (1936), dzieło przedstawiające żołnierza, który właśnie został trafiony śmiertelnym strzałem, upadającego do tyłu na odludnym polu, stopniowo puszczając jednocześnie karabin. Zdjęcie naprawdę oddaje to, co Henri Cartier-Bresson nazwał „decydującym momentem”, w którym dostrzega się zarówno ruch upadku, jak i bezruch śmierci. Wreszcie dramatyczna kompozycja fotografii, obecnie powszechnie uważanej za najsłynniejszą fotografię wojenną, jaką kiedykolwiek wykonano, przywodzi na myśl wyciągnięte ramiona żołnierza, co przypomina „Trzeci maja 1808” (1814) Francisco Goyi.
SZENVEDÉLY (2023)Malarstwo Rékai Zsolta
Szymon Hantaï
Simon Hantaï (1922 – 2008) był urodzonym na Węgrzech, naturalizowanym malarzem francuskim, powszechnie kojarzonym ze sztuką abstrakcyjną. Jego prace, w tym obrazy typu „pliage”, są efektem fuzji surrealistycznego automatyzmu i abstrakcyjnych gestów ekspresjonizmu. Ta szczególna metoda twórczości artystycznej charakteryzowała większą część jego kariery i przybierała różne formy. Jeśli chodzi o omawianą technikę: w „pliage” płótno jest składane w różne kształty, następnie malowane i rozkładane, odsłaniając pozbawione koloru fragmenty podłoża. Przykładem jego twórczości jest „Bez tytułu [Suite 'Blancs']” (1973) powstały metodą „pliage”, w tym przypadku zawiązania fragmentów nierozciągniętego płótna, nałożenia farby, a następnie zwolnienia podpory.
Dora Maurer
Dóra Maurer to węgierska artystka wizualna urodzona w 1937 roku, znana z wyrażania siebie poprzez niemal każde medium sztuki, w tym fotografię, kino, malarstwo, performance i rzeźbę. Eksperymentuje ze współczesnym i modernistycznym językiem, który nabiera kształtu poprzez procesy matematyczne i złożone systemy, mając na celu zaoferowanie widzowi różnych opcji, który musi zdecydować, jak zareagować i działać niezależnie. W każdym razie twórczość artysty często polega na rozbijaniu prostych działań, pozwalając widzowi na kontemplację składników ruchu. Opisując konkretne dzieło, „Hétpróba” (Siedem prób) to intymny portret piosenkarki i matki Póki Eszter oraz jej czwórki nastoletnich dzieci. Głos Maurera spoza ekranu towarzyszy każdemu członkowi rodziny, gdy jest on zachęcany do podjęcia szeregu zabawnych wyzwań, ujawniając prywatne i bolesne myśli. Ta narracja jest niemal oddramatyzowana przez kinowe strategie Maurera, dzięki którym postacie są dzielone na części, powtarzane, przekształcane, wstrzymywane i zniekształcane, abyśmy mogli bardziej skupić się na ich powiązaniach i różnicach.
Olimpia Gaia Martinelli
