Jrmuroart, Nostalgia , 2019. Olej na drewnie, 65 x 81 cm.
Czym jest hiperrealizm?
Hiperrealizm to stosunkowo młody rodzaj badań artystycznych, zrodzonych głównie w celu tworzenia iluzji, w celu ulepszania i wzmacniania otaczającej nas rzeczywistości. W rzeczywistości twórczość artystów tego gatunku przekracza walory czystego realizmu fotograficznego, podkreślając żywe, intensywne i często pomijane szczegóły naszej codziennej rzeczywistości. W dążeniu do tego celu, przedstawiciele hiperrealizmu bawią się intensywnością koloru, oświetleniem, kontrastem i ostrością, generując bardziej żywe reprezentacje tego, co po prostu widać gołym okiem. To, co właśnie zostało powiedziane, to główna cecha odróżniająca ten gatunek od jego bardziej naturalistycznego poprzednika, fotorealizmu. Jeśli chodzi o techniki preferowane przez hiperrealistów, to rysunek, malarstwo i rzeźba, które wzbogaca się o zastosowanie technologii, takich jak ilustracja cyfrowa czy obróbka obrazów przeniesionych na płótno. Podsumowując, narzędzia te mają na celu zapewnienie skutecznych środków w celu zbadania, w jaki sposób ludzie wchodzą w interakcję ze sobą, z innymi i z przedmiotami lub kontekstami życia codziennego, uwieczniając psychologiczne funkcjonowanie, wewnętrzne, zewnętrzne lub estetyczne ludzkiego umysłu I ciała.
Maëlle Valantin, Burger , 2021. Akryl na płycie MDF, 60 x 80 cm.
Alfredo Furiati, Lockdown , 2020. Olej na płótnie lnianym, 40,1 x 30 cm.
Umiejscowienie hiperrealizmu w historii sztuki
Historię każdego ruchu artystycznego, a także hiperrealizmu, który powstał w Stanach Zjednoczonych około lat 60. XX wieku, trzeba opowiedzieć w odniesieniu do innych wpływowych stylów, które go poprzedziły i w konsekwencji go „wykuły”. W rzeczywistości pochodzenie tego gatunku, choć odrębne w swoich osobliwościach, wykracza poza starsze nurty realizmu i fotorealizmu, z którymi dzieli studiowane oddawanie rzeczywistości. Precyzyjnie realizm, ruch narodzony we Francji w połowie XIX wieku, charakteryzował się przedstawianiem ostrych scen z życia codziennego, podczas gdy fotorealizm, wywodzący się z Ameryki pod koniec lat sześćdziesiątych, dostrzegł zaangażowanie artystów, którzy próbowali tworzyć fotografie w najbardziej realistyczny sposób. W przeciwieństwie do ostatnich nurtów, w hiperrealizmie jest jednak większe poszukiwanie wierności w oddawaniu rzeczywistości, osiągane dzięki niespotykanej i starannej dbałości o detal, który w większości przypadków staje się samym centrum pracy. Warto jednak zauważyć, że obok realizmu i fotorealizmu pop Art wpłynął również na hiperrealizm, który w istocie często nawiązuje do kultury industrialnej. W tym kontekście fundamentalne były artystyczne poszukiwania wielkiego mistrza popu, Andy'ego Warhola, który dzięki swoim fotograficznym obrazom bogatym w szczegóły odkrył, jak technologia może pomóc wejść w konkret, badając ludzką duszę i jej sumienie. Był wreszcie wzorem zaczerpniętym z tych wszystkich nurtów, by wygenerować osobliwości hiperrealizmu, który wykorzystując szeroko techniki fotograficzne i mechaniczną reprodukcję rzeczywistości generował iluzjonistyczne wizje świata, uwiecznione agresywnymi kolorami i ujęciami mocno skupionymi na głównym tematy.
Chrisart.Aquarelle, Odbicia na blacie , 2020. Akwarela na papierze, 39 x 29 cm.
David Shepherd, Luźne usta toną statki , 2021. Olej na płótnie, 127 x 107 cm.
Krytyczne punkty widzenia
Produkcję hiperrealistyczną często uważa się za wystarczającą, ponieważ, podobnie jak fotografie i obrazy cyfrowe, wydaje się nie oferować nic więcej poza zwykłym pokazem umiejętności technicznych twórcy. W rzeczywistości jednak w świecie, w którym niektóre prace, które wymagają niewielkich umiejętności lub wcale nie są uznawane za arcydzieła, wydaje się paradoksalne, aby zdefiniować hiperrealistyczne śledztwo jako „bezużyteczne”. Właściwie, dlaczego nie mielibyśmy celebrować i doceniać czegoś, co wymaga wiele pracy i umiejętności? Ponadto często była to praca przedstawicieli tego gatunku, mająca na celu zakwestionowanie naszego postrzegania rzeczywistości, skłonienie widzów do kapitulacji, która w większości przypadków pozostaje niedowierzająca i z otwartymi ustami wobec niesamowitych wyników Hiperrealizmu. sztuka.
Alisa Iamandi, Mokre usta , 2019. Olej na płótnie lnianym, 80 x 70 cm.
Hiperrealizm w sztuce współczesnej
Gatunek hiperrealizmu jest do dziś bardzo popularny, o czym świadczy twórczość artystów Artmajeur, który czasami przywołuje także największe klasyki tego nurtu. Przykładem tego są artystyczne poszukiwania Pétera Duhaja, Yiğita Dündara i Conse Andechagi, którzy stworzyli obrazy mające na celu podkreślenie żywych i intensywnych szczegółów naszej codziennej rzeczywistości.
Péter Duhaj, Czekolada , 2021. Olej na płótnie, 120 x 120 cm.
Piotr Duhaj: Czekolada
Twórczość Duhaja, współczesnego węgierskiego artysty, odznacza się silnym pociągiem do kolorów, kształtów, momentów i emocji, które zostały perfekcyjnie uchwycone dzięki stylistycznym elementom hiperrealizmu. Na obrazie Czekolada wspomniany artysta uwiecznił intensywne zbliżenie dziewczyny, której twarz dosłownie pokryta jest kapiącą czekoladą. Temat ten, o wysokim stopniu erotyki, prezentuje niekwestionowane pokrewieństwo z serią Liquid , stworzoną przez słynnego współczesnego hiperrealistę Mike'a Dargasa. Warto podkreślić tę analogię, ponieważ pomysł Dargasa, niemieckiego artysty, który zasłynął dzięki sieciom społecznościowym, odniósł spory sukces nawet w świecie celebrytów, do tego stopnia, że duża klientela, w tym Boris Becker, Domenico Dolce i Stefano Gabbana, kupił swoje wyroby za ceny od 25 000 do 30 000 funtów. Dlatego powyższy temat, z wielką umiejętnością i oryginalnością, zaproponowany przez artystę Artmajeur, słusznie wpisuje się w nurt sztuki współczesnej.
Yiğit Dündar , Świat jest taki, bo tacy jesteśmy , 2016. Olej na płótnie, 160 x 140 cm.
Yiğit Dündar : Świat jest taki, ponieważ my tacy jesteśmy
Hiperrealistyczne malarstwo Dündar studiuje, w wielu modelach i pozycjach, kobiece ciało owinięte welonem. Temat ten, mimo wielkiej oryginalności potraktowania, można porównać do tego, który badał znany angielski hiperrealista Robin Eley, który z ciał pokrytych przezroczystym plastikiem uczynił jednym ze swoich najbardziej autentycznych „znaków firmowych”. Intencją Eley, która nad realizacją jednego obrazu zazwyczaj spędza około pięciu tygodni, jest oddanie poprzez malowanie owiniętych ciał wyobrażenia o izolacji we współczesnym świecie. Czy w związku z tym możemy założyć, że Dündar również chce przekazać podobny przekaz? Zapewne tak, skoro tytuł obrazu Świat jest taki, bo takimi jesteśmy , dostarcza nieograniczonego pożywki do myślenia o ludzkiej naturze i postępowaniu.
Conse Andechaga, Wewnątrz , 2020. Akryl na płótnie, 146 x 114 cm.
Conse Andechaga: Wewnątrz
Obraz Andechagi, zatytułowany Inside, wyraźnie nawiązuje do świata dobrego samopoczucia i osobistej pielęgnacji, tematów, które są bardzo modne we współczesnym świecie. W rzeczywistości jednak przesłanie, jakie rzuca artysta, okazuje się jeszcze głębsze, bo ujawnia, że praca z kolekcji Inner City nawiązuje do „masek”, z którymi „pokazujemy się” w społeczeństwie. W konsekwencji, intencją Wewnątrz staje się promowanie ważności wewnętrznego piękna, które powinno nieubłaganie przytłaczać lub przynajmniej towarzyszyć zewnętrznemu. Podobnie w świecie sztuki współczesnej popularny młody ukraiński artysta Sergey Piskunov uwiecznił kobiety skupione na swoich rutynowych czynnościach kosmetycznych, czyniąc ten temat bardzo poszukiwanym.
Olimpia Gaia Martinelli
