Tsanko Tsankov - Gallery Maestro, Biała cisza , 2020. Olej na płótnie, 80 x 110 cm.
Historia kobiecej nagości w sztuce nigdy nie jest taka sama, ponieważ różne społeczeństwa i kultury w różnym stopniu akceptowały nagie sceny na przestrzeni wieków i tysiącleci. Rzeczywiście, nagość w sztuce odzwierciedla normy społeczne danego czasu i miejsca, odnosząc się do sposobów przedstawiania rzeczy, nierozerwalnie związanych z koncepcją tego, co jest dobre, a co złe do przedstawiania. W każdym razie, chociaż nagość jest często kojarzona z najbardziej gorszącą seksualnością, może mieć również inne znaczenia, do tego stopnia, że łączy się ją z interpretacjami wywodzącymi się z dziedziny mitologii i religii, a także z badań anatomicznych i wyrazem idealnego piękna i estetycznej doskonałości. Te różnorodne podejścia zdeterminowały, w jaki sposób akt kobiecy był i nadal jest przedmiotem różnych sposobów przedstawiania w zachodniej historii sztuki.
Jean-Pierre André Leclercq, Courbes 12 , 2008. Rysunek, Pastel na tekturze, 60 x 80 cm.
Akt kobiecy: między sztuką a obscenicznością
Chociaż niektóre z wyżej wymienionych rodzajów przedstawień kobiecego ciała wydają się wyraźnie artystyczne i mało skandaliczne, w większości społeczeństw z przeszłości kobiety, prawdopodobnie dlatego, że cieszyły się mniejszymi prawami niż mężczyźni, rzadko były zwalniane z przedstawienia kojarzonego głównie z seksualnością. Z tego właśnie powodu wydaje się prawdopodobne, że dopiero po uzyskaniu przez kobiety większych praw politycznych akt kobiecy został oficjalnie i stopniowo zaakceptowany w sztuce. Historia przedstawiania kobiecego ciała zdaje się zatem iść w parze z historią emancypacji, której etapy symbolicznie wyznaczała przede wszystkim sztuka grecka, włoska i francuska. Właśnie dzięki tym punktom widzenia stanie się jasne, jak wyjątkowa jest rola nagiej kobiety w sztuce, w ciągłej równowadze między sztuką a obscenicznością. Oznacza to, że gdy artysta zaczyna pokazywać nagą kobietę, automatycznie balansuje na krawędzi brzytwy między przedstawieniem artystycznym a „pornograficznym”.
Brigitte Derbigny, Vénus mama , 2020. Rysunek, akryl, spray, ołówek i marker na papierze. 100 x 70 cm.
1. Prehistoria: akt płodności i akt „realistyczny”.
W sztuce paleolitu kobieca nagość była ściśle związana z kultem bóstw płodności. Jest to widoczne w najwcześniejszych przedstawieniach kobiecego ciała ludzkiego, zwanych „paleolitycznymi Wenus”, charakteryzujących się prorompetentnymi cechami otyłych kobiet z szerokimi biodrami i piersiami, które wystają lub zwisają w dół. Większość z nich pochodzi z okresu oryniackiego i jest wykonana z wapienia, kości słoniowej lub steatytu. Najbardziej znane, oprócz Wenus z Willendorfu, to Wenus z Lespugue, Wenus z Savignano, Wenus z Laussel i Wenus z Doln Vstonice. Z drugiej strony, mówiąc o malarstwie, akty kobiece pojawiają się już w sztuce naskalnej, zwłaszcza w północnej Hiszpanii (obszar francusko-kantabryjski) i basenie Morza Śródziemnego, gdzie kobiety są uchwycone w ramach wspólnotowych scen polowań lub rytuałów i tańce. W tych ostatnich kontekstach kobiety są uwieczniane w bardziej opływowy, realistyczny sposób, tak jak na przykładzie Tassili n'Ajjer.
Prehistoryczna sztuka naskalna Tassili N'Ajjer w Algierii. Źródło zdjęcia: Patrick Gruban/Wikimedia.
Malowidła naskalne z Tassili n'Ajjer
Tassili n'Ajjer to pasmo górskie położone w południowo-wschodniej Algierii, w pobliżu granicy z Libią. Znaczna część tego płaskowyżu, na którym rosną cyprysy i starożytne miejsca, jest chroniona przez Park Narodowy, Rezerwat Biosfery i jest wpisana na Listę Światowego Dziedzictwa UNESCO. Jeśli chodzi o nagość kobiet, Tassili n'Ajjer słynie ze sztuki naskalnej, która pochodzi sprzed 9 000-10 000 lat i przedstawia głównie stada bestii, duże dzikie zwierzęta, takie jak słonie, żyrafy i krokodyle, oraz ludzi zajmujących się polowaniem i taniec. Ciekawie w tym kontekście wygląda obraz pięciu nagich, wysokowłosych kobiet o niezwykle „realistycznych” sylwetkach, próbujących odpocząć i swobodnie rozmawiać.
Pictor Mulier, Kleopatra naga ze swoim lampartem , 2017. Akryl na drewnie, 80 x 60 cm.
2. Starożytny Egipt: piękno, które należy przenieść w zaświaty
Należy zwrócić uwagę na fundamentalny element kultury figuratywnej starożytnego Egiptu: w dziełach z tego okresu dość rzadko można znaleźć kobiety przedstawione w późniejszych lub dojrzałych latach. W rzeczywistości postacie kobiece były przedstawiane jako szczupłe, piękne i w kwiecie wieku, co właśnie dlatego, że zostały uwiecznione przez sztukę, żywiono nadzieję, że będą mogły zostać przejęte przez wizerunek nawet w życiu pozagrobowym. Ogólnie rzecz biorąc, sztuka egipska nie była realistyczna, ponieważ ta cywilizacja była bardzo zainteresowana tym, jak jest postrzegana. W rzeczywistości prawie nie ma zdjęć kobiet w ciąży lub kobiecych ciał po porodzie, aby móc wyłącznie uwiecznić ludzi u szczytu ich piękna i młodości. Niemniej jednak w III Okresie Przejściowym uczeni zauważyli zmianę stylu artystycznego mającą na celu przedstawienie kobiet. To właśnie w tej epoce pojawił się bardziej krągły, pogrubiony typ sylwetki, z większymi, opadającymi piersiami. Z drugiej strony, jeśli chodzi o odkryte ciało, nagość była wówczas normalna, do tego stopnia, że niektóre statusy społeczne, a także niektóre specyficzne zadania, takie jak łowienie ryb i praca fizyczna, wymagały rozebrania ciała. Mówiąc o pracy, służący, tancerze, akrobaci i prostytutki chodzili po niej całkowicie lub w większości nago, o czym świadczą „Nadzy tancerze” przedstawieni na obrazie z Grobu Nebamuna (ok. 1350 pne).
Tancerze i muzycy z fresku grobowca Nebamuna, XVIII dynastia. Londyn: Muzeum Brytyjskie.
Zaginiony Grobowiec Nebamuna był starożytnym egipskim cmentarzyskiem z XVIII dynastii, znalezionym na tebańskiej nekropolii na zachodnim brzegu Nilu, w miejscu, które dziś można utożsamiać z obecnym miastem Luksor (Egipt). Z tego grobowca pochodzą słynne zdobione sceny grobowe, które obecnie można podziwiać w British Museum w Londynie. W tym ostatnim miejscu można podziwiać otynkowane ściany tego grobowca, pokryte barwnymi freskami, ukazującymi wyidealizowane sceny z ówczesnego życia i jego działalności. Wśród nich do najsłynniejszych okazują się obrazy przedstawiające sceny myśliwskie i półnagie tancerki na bankiecie.
Monika Mrowiec Monika Mrowiec, Wenus z Milo , 2021. Malarstwo, Spray / Akryl / Tusz / Olej na płótnie, 140 x 90 cm.
3. Starożytna Grecja: ciało jak u Afrodyty
W starożytnej Grecji idealna kobieta musiała mieć miękkie kształty, podkreślone krągłymi pośladkami, długie falowane włosy i nieskazitelną piękną twarz. Takie wymagania odpowiadały czasom, w których posiadanie większej ilości tłuszczu na ciele oznaczało bycie zamożnym, czyli bycie w stanie dobrze zjeść, wyróżniającym się spośród niższych i głodniejszych warstw społecznych. W tym kontekście Afrodyta, bogini miłości, seksu, piękna i płodności, została przedstawiona z okrągłą twarzą, dużym biustem i gruszkowatym ciałem. Niekwestionowanym figuratywnym modelem takich kanonów jest Afrodyta cnidia Praksytelesa, dzieło jednocześnie bardzo ważne, gdyż jako pierwsze przełamało schemat, wprowadzając do sztuki greckiej akt kobiecy. Rzeczywiście, społeczeństwo greckie wcześniej przedstawiało głównie płeć męską, ograniczając nagość kobiet do scen niewoli, uległości i na małą skalę.
Przypisywane Onesimosowi (grecki (poddasze), aktywny 500 - 480 pne), malarzowi Attic Red-Figure Kylix , około 490 pne Terakota, 8,5 × 36,9 cm (3 3/8 × 14 1/2 cala) Muzeum J. Paula Getty'ego , Villa Collection, Malibu, Kalifornia, 82.AE.14
Poddasze kylix czerwonofigurowy Onesimosa
Przykładem tych wczesnych podejść do kobiecego aktu w malarstwie jest czerwonofigurowy Attic Kylix, przypisywany Onesimosowi (500 - 480 pne), dzieło, w którym naga, leżąca kobieta gra w kottabos, popularną czynność w męskim sympozjum festiwal. W rzeczywistości, zgodnie z tradycją imprezy, dziewczyna z uchem głębokiego kubka (skyphos) przyczepionym do palca wskazującego próbuje rzucić resztki z dna kubka w kierunku odległego celu. W tym kontekście należy jednak zauważyć, że sympozjum było w rzeczywistości przeznaczone wyłącznie dla mężczyzn, tak że kobiety były zwykle obecne na miejscu, aby zabawiać mężczyzn. Rzeczywiście, nagość wyżej wymienionych byłaby zbyt ryzykowna dla szanowanych ateńskich kobiet, ale można było sobie pozwolić na niewolnice wynajmowane jako prostytutki lub „etere”, bogate kobiety, które wzbogacały wieczory męskiego picia śpiewem, rozmowami i okazywania atrakcyjności seksualnej.
Tito Villa, malowidło ścienne z Pompejów , edycja otwarta. Sztuka cyfrowa, druk giclée / druk cyfrowy, dostępne kilka rozmiarów.
4. Świat rzymski: sztuka erotyczna Pompejów i Herkulanum
Sztuka erotyczna w Pompejach i Herkulanum została ujawniona podczas długiej serii wykopalisk archeologicznych, które rozpoczęły się w XVIII wieku. Ta właśnie działalność ujawniła, jak bogate było to miejsce w sztukę erotyczną, przedstawioną zarówno w formie fresków, jak i rzeźb. Specyfika tej tematyki wskazuje, że zwyczaje rzymskie były bardziej liberalne niż w większości znanych nam kultur, choć należy podkreślić, że wiele z pozornie wyłącznie erotycznych wizerunków mogło w istocie być symbolami płodności przyrody w najszerszym znaczeniu, a także talizmany szczęścia i pomyślności.
Wenus w muszli , fresk. Pompeje: Dom Wenus w muszli.
Fresk Wenus w Muszli - Pompeje
Dom Wenus w Muszli, miejsce odkryte w latach 1933-1935, zawiera duży perystyl, który jest zasadniczo centrum domus. Ten właśnie pokój był pomijany przez różne pokoje domu, których ściany były udekorowane w stylu Pompejusza IV. W rzeczywistości jednak nazwa domu pochodzi od jego najsłynniejszego fresku, czyli Wenus w muszli, który w porównaniu z panującym w starożytnym rzymskim mieście erotyzmem okazuje się raczej skromny. W rzeczywistości naga Wenus po prostu leży w muszli, podczas gdy w akcie narodzin towarzyszy amorek i dziecko, prawdopodobnie mały Mars.
Miguel Rojas, Adam Eve , 2022. Rysunek, tusz na papierze, 20,5 x 12,5 cm.
5. Średniowiecze: nagość Ewy
W średniowieczu, po rozpowszechnieniu się kultury wywodzącej się z chrześcijaństwa, ciało stało się intensywną świątynią duszy, którą trzeba było za wszelką cenę chronić przed popędami cielesnymi, zwiastunami grzechów ciężkich w oczach Boga. Mimo takich założeń występek nadal się szerzył, do tego stopnia, że to właśnie w zmysłowości kobiecego ciała, wywodzącego się od grzesznej Ewy, utożsamiono diabła i personifikację pożądania. Z tego powodu w epoce średniowiecza pojawia się wiele dzieł, przedstawiających protoplastę, często przedstawianą w jej naiwnej i niedojrzałej nagości, zdolnej już do złapania jabłka grzechu.
Masaccio, Wypędzenie przodków z Edenu , 1424-25. Fresk, 214 x 88 cm. Florencja: Kaplica Brancacci (kościół Santa Maria del Carmine).
Wypędzenie przodków z Edenu (1424-1425) przez Masaccio
Wypędzenie przodków z Edenu to fresk Masaccio, znajdujący się w kaplicy Brancacciego kościoła Santa Maria del Carmine we Florencji. Przedstawia Adama i Ewę po tym, jak złamali Boże zasady i tym samym zjedli owoc wiedzy. W rzeczywistości są pokazani nadzy i bezradni, gdy są zabierani z ziemskiego raju. W rzeczywistości jednak warto zwrócić uwagę na to, jak w relacji biblijnej Adam i Ewa przekroczyli próg raju ubrani.
Masolino, Kuszenie Adama i Ewy , 1424-25. Fresk, 260 x 88 cm. Florencja: kościół Santa Maria del Carmine.
Kuszenie Adama i Ewy (1424-25) autorstwa Masolino
W tej samej kaplicy, co Wypędzenie przodków z Edenu Masaccia, znajduje się inne dzieło o „pokrewnym” temacie: Kuszenie Adama i Ewy lub Grzech pierworodny, dzieło Masolina z ok. 1424-1425. Fresk przedstawia słynną scenę ze Starego Testamentu, a mianowicie, gdy wąż z Księgi Rodzaju próbuje nakłonić Adama i Ewę do złamania zasad. Ten epizod, osadzony w stylu późnego gotyku, charakteryzuje się światłem, które kształtuje postacie w miękki i otulający sposób, jakby emanowały rozproszoną poświatą. Ponadto ciemne tło potęguje zmysłową plastyczność aktów dwojga grzeszników.
Nagy Peter, Wenus , 2021. Malarstwo, Akryl / Marker na płótnie, 40 x 50 cm.
6. Epoka renesansu: początek zmysłowości
Od schyłku średniowiecza do początku renesansu standardy kobiecej urody zmieniały się diametralnie: od bladych, chudych modelek z ledwie widocznymi piersiami do pulchnych kobiet o szerokich biodrach i pomalowanych na czerwono ustach i policzkach. Większość mecenasów tamtych czasów nie mogła się oprzeć takim kanonom estetycznym, do tego stopnia, że domagali się świętych przedmiotów jako pretekstu do kontemplacji wspomnianej zmysłowości. W tym chrześcijańskim kontekście nagość stawała się w coraz większym stopniu oznaką świętości, czystości i umartwienia ciała, a jeśli była rozumiana poza tą sferą, była interpretowana jako oczywiste odniesienie do najbardziej pozbawionej skrupułów żądzy i lubieżności. Podobnie w tamtych czasach akty były akceptowane, a nie demonizowane, jeśli były powiązane z określoną alegorią lub rekonstrukcją mitologicznego wydarzenia. Przykładem powyższego jest niebiańska, bezpłciowa istota z Wenus Botticellego, dzieła ostro kłócącego się z tendencjami późnego renesansu, czego dobrym przykładem jest bardziej „prowokująca” Wenus z Urbino Tycjana.
Sandro Botticelli, Narodziny Wenus , 1485. Tempera na desce, 172,5 x 278,5 cm.
Narodziny Wenus (1476-1487) – Sandro Botticelli
W centrum obrazu Wenus, stojąca na muszli, gdy wyłania się z wody, wydaje się poruszać, jakby unosiła się lekko na falach. Bogini jest naga, otoczona z prawej strony płótna przez Zefira, który chcąc chwycić nimfę Clori, wieje w stronę Wenus. Pomysł na to arcydzieło zaczerpnięto z Metamorfoz Owidiusza. W rzeczywistości łaciński pisarz opowiadał, że Wenus, rzymska bogini miłości, narodziła się bezpośrednio z piany oceanicznej u wybrzeży wyspy Cypr. Właśnie w tym ostatnim miejscu zdaje się lądować bogini Botticellego, mistrz, który w koncepcji takiego arcydzieła inspirował się neoplatońską kulturą panującą w ówczesnej Florencji, w obrębie której triumfuje myśl , zgodnie z którym miłość reprezentuje zasadniczą zasadę życia i siłę odnowy natury.
Tiziano Vecellio, Wenus z Urbino , 1538. Olej na płótnie, 119 x 165 cm. Florencja: Galeria Uffizi.
Wenus z Urbino (1538) autorstwa Tycjana Vecellio
Wenus z Urbino to doskonale wyważony obraz, którego kompozycja nie umniejsza zmysłowej naturalności kukły, ukazanej bez ubrania, leżącej na materacu pokrytym kwiecistą tkaniną i białym prześcieradłem. Na tym tle Venus, która ma na sobie cenne detale i ma włosy częściowo zaczesane do tyłu, tworząc gumkę, która wieńczy jej kark, opiera się o dwie poduszki, aby podeprzeć górną część ciała. Twarz bogini, która zmysłowo zakrywa lewą dłonią łono, jest zwrócona do przodu, jakby chciała spojrzeć wprost na widza. W komnacie Wenus, bogato wyposażonej w stylu renesansowym, dostrzeżemy też obecność małego pieska i dwóch służących, zajętych wyciąganiem ubrań ze skrzyni. Dokładniej interpretując intencje Tycjana, dzieło powstało na polecenie Guidobalda, który chciał wykorzystać to arcydzieło jako przykład życia małżeńskiego, aby oświadczyć się swojej żonie Giulii da Varano. Dlatego też, aby zadowolić patronkę, włoski artysta zaktualizował klasyczną postać Wenus, rozciągając ją w XVI-wiecznej scenerii i czyniąc z niej nosiciela nowatorskiego przesłania moralnego. W rzeczywistości obecność róż nawiązuje do piękna, podczas gdy obecność psa odnosi się do wierności, mniej affimera, ale miejmy nadzieję, że trwalszej osobliwości.
Niko Sourigues, Akt stojący , 2017. Olej na płótnie, 41 x 33 cm.
7. Manieryzm i barok: zmysłowość skręcenia i dynamizmu
Manieryzm to nurt artystyczny, najpierw włoski, a następnie europejski, którego początki sięgają XVI wieku. Akty kobiece tego nurtu figuratywnego umieszczane były przeważnie w złożonych kompozycjach, wystudiowanych do granic sztucznych, gdyż odznaczają się konstruowanymi zniekształceniami perspektywy, w których ekscentryczny układ postaci, oddany poprzez typową figurę wężową, zrealizowany jako wyróżnia się dynamika płomienia ognia. Do "pokręconej" zmysłowości dodaje trafne użycie światła, mające na celu podkreślenie ekspresji i ruchu, kosztem niekiedy odrealnienia. Warto podkreślić, w jaki sposób owe osobliwości odziedziczy późniejszy i pokrewny mu barok, w ramach którego akt kobiecy, jeszcze bardziej erotyczny dzięki zaakcentowaniu manierystycznej zmysłowości, był nadal wykorzystywany do uwieczniania głównie wątków mitologicznych i alegorycznych.
Bronzino, Alegoria z Wenus i Kupidynem , 1540-45. Olej na desce, 1,46 x 1,16 m. Londyn: Galeria Narodowa.
Alegoria z Wenus i Kupidynem (1540 1545) autorstwa Bronzino
„Naga Wenus z całującym ją Kupidynem, z jednej strony Przyjemność i Radość z innych miłości, a z drugiej Oszustwo, Zazdrość i inne namiętności miłosne”. Opis Giorgia Vasariego wprowadza nas w Alegorię Bronzina z Wenus i Kupidynem, dzieło zamówione około 1540 roku przez Kosmę I, drugiego i ostatniego księcia Republiki Florenckiej, który poprzez dar wspomnianego arcydzieła chciał złożyć hołd królowi Francji Franciszka I, aby zyskać sobie korzystne możliwości polityczne. To właśnie ta intencja sprawia, że dzieło uwieczniające Wenus pokonującą Kupidyna jest wciąż niejasne w swej wymowie, do tego stopnia, że przedstawiony temat mógł być rozwinięty przez osobę literacką, zapewne należącą do prężnego środowiska kulturalnego XVI- wieku dwór Medyceuszy. Mówiąc o opisie arcydzieła, olej przedstawia Wenus i Kupidyna, niekwestionowanych bohaterów obrazu, którzy zostali uwiecznieni bez ubrania, a ich ciała, tak zimne, że wyglądają jak woskowe rzeźby, harmonijnie splatają się ze sobą, tak bardzo tak, że bogini zdaje się przybierać wykrzywioną pozę zmysłowego węża. W tej ospałej atmosferze Wenus i Kupidyn zbliżają się do pocałunku, za pomocą niejasnego stosunku, ponieważ jest to zbyt zmysłowe, aby mogło być przejawem czystej miłości między matką a synem. Niejednoznaczność dwojga bohaterów potęguje otaczająca ich postać, a także spoczywające na ziemi maski. Rzeczywiście, potwór o dziewiczej twarzy, trzymający w jednej ręce słodki plaster miodu, w drugiej trujące żądło, staje się prawdopodobnym uosobieniem „oszustwa”, podczas gdy maski nawiązują do faktu, że wszystko w tej scenie jest grą. Just, Wenus i Kupidyn, jeśli są dobrze obserwowani, ujawniają zbliżającą się wzajemną zdradę: całując się, ona wyciąga strzałę z jego kołczanu, a on w tym samym czasie ma zamiar ukraść diadem z jej włosów.
Peter Paul Rubens, Wenus w lustrze, 1613/14. Obraz. Wiedeń: Muzeum Liechtensteinu.
Wenus w lustrze (1613-14) autorstwa Petera Paula Rubensa
W zmysłowym arcydziele flamandzkiego mistrza lustro służy do ukazania piękna bogini z różnych punktów widzenia. Taki perspektywiczny fortel ma miejsce w scenie z życia prywatnego, w której bogini ukazana jest od tyłu w jedynie białym welonie oplatającym jej biodra. To właśnie przez przechylone lustro, wsparte na amorku, można poznać doskonałe oblicze Wenus, wyróżniające się regularnym owalem, ożywione obecnością zaróżowionych policzków i skupionego spojrzenia, któremu towarzyszy cień uśmiechu. Zmysłowość tej voyeurystycznej atmosfery jest wzmocniona falującymi ruchami długich blond włosów, starannie ułożonych, jakby były cienkimi pasmami złota. Wreszcie okazuje się, że takie arcydzieło jest wyraźnie inspirowane dziełami Tycjana i Veronese, ponieważ ciepłe światło i jasne kolory tworzą uderzające kontrasty kolorystyczne, mające jeszcze bardziej podkreślić piękno bogini.
Naïs Philip, Wenus , 2020. Olej na płótnie lnianym, 97 x 146 cm.
8. Romantyzm i realizm: trochę dosadnie
Akt kobiecy, począwszy od drugiej połowy XVIII wieku, a więc z nadejściem epoki oświecenia, uwolnił się od mitu, czego dowiodły na przykład artystyczne poszukiwania François Bouchera, który w swoich dziełach tacy jak Brown Odalisque (1745) i Fragonard (1765-72), malowali zwykłe młode kobiety złapane w intymne i bardzo zmysłowe scenerie. Taka swobodna i odważna narracja kobiecości była kontynuowana z wielkim powodzeniem w romantyzmie i realizmie. W pierwszym z dwóch ostatnich nurtów artystycznych akt kobiecy stał się bardzo ekspresyjny, ponieważ romantyzm silnie akcentował kolor, aby uzyskać bardziej dramatyczne przedstawienia, a propos tematów poruszających wiele tematów, takich jak orientalizm, dziwny, tajemniczy, tragiczny, heroiczny i niezwykle namiętne, mające na celu wywyższenie najczystszej wolności wypowiedzi człowieka. Jeśli chodzi o realizm, z drugiej strony, dobrze podsumowuje go analiza figuratywnych poszukiwań Gustave'a Courbeta, ojca ruchu, który przezwyciężył „błędy romantyzmu i klasycyzmu” w celu zapewnienia większej wierności oddawaniu rzeczywistości. dane w nagości, przezwyciężając wyidealizowaną koncentrację kobiecego ciała.
Jean-Auguste-Dominique Ingres, Wielka odaliska , 1814. Olej na płótnie, 91 x 162 cm. Paryż: Luwr.
The Great Odalisque (1814) autorstwa Jean-Auguste-Dominique Ingres
Wciśnięty między neoklasycyzm a późniejszy romantyzm to jeden z najbardziej znanych aktów w historii sztuki, mianowicie Wielka odaliska Jeana-Auguste-Dominique'a Ingresa, olej na płótnie przechowywany w słynnym Luwrze w Paryżu. Bohaterką tego arcydzieła jest piękna, młoda odaliska, uchwycona w momencie, gdy wygodnie leży na łóżku przykrytym cienką pościelą. Jeśli chodzi o jej leżącą nagość, to ta, nawiązująca do klasycznych wzorców zapożyczonych od Greków, okazuje się czysta, elegancka i wyrafinowana. W rzeczywistości najbardziej intymne części odaliski zostały sprytnie ukryte, tak że widoczna jest tylko dolna część jednej piersi. Mówiąc o spojrzeniu, raggazza widziana w 3/4 odsłania przed widzem swoją piękną twarz, na którą również kieruje oczy, otoczone obecnością pięknego turbanu, który zawiązany wokół głowy zakrywa większą część jej twarzy. włosy. Wreszcie taki obraz jest ewidentnie efektem wpływu, jaki świat wschodni wywarł na francuskiego mistrza, rzeczywistości, którą poznał on prawdopodobnie podczas kampanii napoleońskich na Wschodzie.
Goya, Maja desnuda , 1790-1800, olej na płótnie, 95 x 190 cm. Madryt, Museo del Prado.
Maja desnuda (ok. 1790) autorstwa Francisco Goya
Maja desnuda i Maja vestida to dwa obrazy Francisco Goyi, które powstały na przełomie XVIII i XX wieku, można oglądać w instytucji Muzeum Prado w Madrycie. W pierwszym arcydziele malarza antycypującego romantyzm poza kobiety, w tym przypadku nagiej, jest taka sama jak w drugim: kobieta leży na sofie z rękami za głową, otoczona ciemnym tłem. Niemal na pewno te dwa zmysłowe obrazy powstały na zamówienie Manuela Godowa, premiera Hiszpanii, bardzo wpływowej osoby, która mogła sobie pozwolić na przeciwstawienie się konserwatyzmowi Kościoła. Mimo to śmiałe prace zostały skonfiskowane, a następnie zażądał ich Trybunał Inkwizycji, który zakazał w całej Hiszpanii przedstawiania nagich obrazów bez alegorycznych lub mitologicznych pretekstów. Jeśli chodzi o tożsamość modelki, wiele ówczesnych relacji rozpoznaje w jej rysach Marię Teresę Cayetana de Silva, księżną Alby, która gościła w swoim domu znanych polityków i artystów, wśród nich także Francisco Goya, malarza, z którym miała namiętny związek.
Gustave Courbet, Pochodzenie świata , 1866. Olej na płótnie, 46 x 55 cm. Paryż, Musée d'Orsay.
Pochodzenie świata (1866) autorstwa Gustave'a Courbeta
Pochodzenie świata Gustave'a Courbeta to obraz przedstawiający w perspektywie realistycznego zbliżenia okolice łonowe kobiecego ciała, zmysłowo otoczone przylegającymi do nich piersiami i udami, które wyglądają naturalnie i wygodnie leżąc na rozczochrana biała kartka. Tak niezwykle nowatorski temat wywołał skandal w momencie jego powstania, ponieważ oferował niemal skrajnie poprawny i niefiltrowany punkt widzenia na kobiece ciało, które po raz pierwszy zostało ujęte w kontekście i pod takim kątem, że była niezwykle intymna i prywatna, zdolna odsłonić przed nami to, co skrywało się między nogami kukły. W rzeczywistości jednak należy podkreślić, że Pochodzenie świata nie jest dziełem pornograficznym, jest bowiem efektem skrupulatnej pracy artysty, która skupiła się na jak najlepszym oddaniu cech rzeczywistości. Wspomniany cel został osiągnięty dzięki starannemu przestudiowaniu reprezentacji, a także zastosowaniu włoskiej techniki tonalizmu, które przekształcają arcydzieło w dzieło o wielkiej wiedzy technicznej. Poza tym potencjalnie skandaliczne znaczenie można by zastąpić przedstawieniem autentycznej metafory wielkiej magii kobiecej reprodukcji. Niemniej jednak nawet dzisiaj silny realizm, z jakim została namalowana modelka, prawdopodobnie tancerka Opery Paryskiej Constance Queniaux, sprawia, że obraz ten jest „nieprzyjemny” do oglądania, podczas gdy w rzeczywistości najbardziej skandaliczne dzieło XIX wieku również opowiada inną historię: rozpowszechnienia się pierwszych fotografii erotycznych, które miało miejsce dokładnie w momencie powstania arcydzieła!
Trnski Velimir, Kąpiel w lesie , 2021. Akryl na płótnie, 58 x 40 cm.
9. Impresjonizm i szkoła paryska: modele prostytutek.
Dzieła impresjonistów często przedstawiają nagie kobiety, choć tego typu tematyka budziła niepokój Akademii i paryżan, do tego stopnia, że w 1863 roku, czyli w czasie wystawiania „Śniadania na trawie” Maneta, obraz ten wywołał niemały skandal, ze względu na fakt, że naga kobieta w arcydziele pojawiła się siedząc na trawie z dwoma członkami paryskiej burżuazji. Problem polegał na tym, że modelka, która nie była ani nimfą, ani postacią alegoryczną, ulubieńcem artystów akademickich, którzy starali się naśladować wielkich artystów, takich jak Rafael, wydaje się pozować z postawą prostytutki, której wzrok skierowany jest prowokacyjnie w stronę widza, tak jakby chciała go zaprosić na „ucztę”. Uzasadnianiem takiej interpretacji byłby także fakt, że Manet przedstawił w dziele żabę, zwierzę, które w ówczesnym języku paryskim nawiązywało właśnie do postaci prostytutki. Na koniec warto zwrócić uwagę na to, jak ten typ kobiecej tematyki utrzymywał się w twórczości mistrza, czego dowodem jest Olympia, olej z 1863 roku, przedstawiający kobietę w jeszcze bardziej dosadnej i bezwstydnej postawie, ostrzegającej przed złą sławą. Po impresjonistach artyści Szkoły Paryskiej, urodzeni na początku XX wieku, nadal skandalizowali swoimi kobiecymi aktami, czego przykładem jest przypadek Amedeo Modiglianiego.
Édouard Manet, Olimpia , 1863. Olej na płótnie, 130,5 x 190 cm. Paryż: Musée d'Orsay.
Olympia (1895) autorstwa Édouarda Maneta
Olimpia Édouarda Maneta to dobrze znany obraz, którego nowatorski styl, prekursor impresjonizmu, oraz przedstawiona kobieta, prawdopodobnie prostytutka, wywołały wiele dyskusji na Salonie Paryskim w 1865 roku. W pracy dziewczyna, o której mowa, zostaje schwytana, gdy zmysłowo leży na łóżku, skąd rzuca ostre spojrzenie na widza. W dodatku bohaterka, której twarz nie wyraża żadnych emocji, nosi w całkowitej nagości jedynie chodaki, bransoletkę, perłowe kolczyki i cienki czarny sznureczek zawiązany na szyi. W tym kontekście warto zwrócić uwagę, jak w tym arcydziele, w którym pojawiają się także czarnoskóra kobieta i czarny kot, Manet zaproponował nowy sposób patrzenia na nagie kobiety, przedstawiając je w bezpośredni, surowy i bezkompromisowy z moralnością sposób czasu. W rzeczywistości zamiast klasycznego wyidealizowanego aktu zaproponował zimny i realistyczny obraz młodej prostytutki, do której postaci nie powracano w intencjach mitologicznych, alegorycznych czy symbolicznych. W dodatku w tym zdecydowanie bardziej ziemskim kontekście podjęta jest właśnie klasyczna poza skromnej Wenus, czyli Wenus z ręką na łonie.
Edgar Degas, The Tub , 1886. Pastel na tekturze, 60 x 83 cm. Paryż: Museo d'Orsay.
The Tub (1886) autorstwa Edgara Degasa
Edgar Degas był niezwykle zainteresowany i pociągany życiem Paryża, nawet najbardziej intymnym i ukrytym życiem miasta, aspekt, który jest bardzo widoczny w jego serii „podglądaczy” obrazów, których celem było przedstawianie nagich kobiet, które w swoich domach zmagały się z ubieranie się. Pastel z 1886 roku, zatytułowany The Tub, reinterpretuje wspomniany temat, tak ukochany przez artystów renesansu, poprzez nowatorskie cięcie kompozycji, mające na celu przełamanie tradycyjnych zasad aktu, aby pokazać ciało kobiety widziane z góry. W rzeczywistości młoda kobieta jest przedstawiona złożona w sobie, z lewą ręką na misce, a prawą na włosach. Ponadto jej twarz jest ukryta za wiedzącym cieniem, a jej piękne plecy wyginają się jak łuk, odsłaniając szyję i pośladki.
Amedeo Modigliani, Nowa kanapa , 1917-18. Zamoczyć w.
Skandaliczne akty autorstwa Amedeo Modiglianiego
W 1917 roku artysta Leghorn, Amedeo Modigliani, znany również jako Modì i Dedo, zorganizował indywidualną wystawę w Galerii Berthe Weill w Paryżu. Z tej okazji, Léopold Zborowski, polski handlarz dziełami sztuki, który sprzedał wspomnianej firmie prace młodego Włocha, otrzymał zlecenie zorganizowania wspomnianej imprezy. Przed tym projektem Modigliani nigdy wcześniej nie był wystawiany, do tego stopnia, że ta w Weill była jego pierwszą indywidualną wystawą. Mimo „braku doświadczenia” był to ognisty debiut, gdyż wyeksponowane w oknie akty, niezwykle piękne i dalekie od ówczesnych norm, doprowadziły do interwencji policji, która przystąpiła do opuszczenia okien i zakłócenia tych skandalicznych wizji . Zabawne jest to, że kiedy Berthe Weill zapytała funkcjonariuszy, co jest takiego szokującego w serii aktów, czyli przedmiotów malowanych od tysięcy lat, odpowiedzieli: „te akty mają włosy”. Z tego powodu pierwsza wystawa aktów Modiglianiego została odwołana, zanim jeszcze się rozpoczęła.
Victor Molev, Kabała , 2020. Malarstwo, Olej na płótnie, 28 x 36 cm.
10. Ekspresjonizm i surrealizm: interpretacje osobiste i wizjonerskie
Wśród ruchów awangardowych XX wieku akty ekspresjonistyczne i surrealistyczne wyróżniają się zmysłowością, ukrytymi znaczeniami, aluzjami i powiązaniami z wewnętrznym i najskrytszym światem artysty. Jeśli chodzi o ekspresjonizm, akt ma tendencję do wyrażania poprzez ciało indywidualnych odczuć artysty, a nie jedynie obiektywnego przedstawienia danych anatomicznych. Na przykład udręka, smutek i dramat egzystencjalny to główne tematy artystycznych poszukiwań Edvarda Mucha, uczucia, które ponownie proponuje w Dojrzewaniu , pracy z 1894 r., Której celem było uwiecznienie nagiej nastolatki. Podobnie artyści Die Brücke (niemiecki ekspresjonizm) również często przedstawiają nagie dorastające dziewczęta, tak jak Kirchner, który w 1910 roku wyprodukował Marcellę, dzieło, w którym młoda dziewczyna jest przedstawiona w uproszczonych formach, ostrych, dźwięcznych kolorach i mocnym, ekspresowa kreska. Wreszcie innym ekspresjonistą jest Schiele, artysta, którego motyw kobiecej cielesności był jednym z najpopularniejszych, urzeczywistniony poprzez połączenie seksualności i udręki. Z kolei w przypadku surrealizmu wizję aktu kobiecego tego nurtu artystycznego można streścić w twórczości jego najsłynniejszego mistrza, czyli Salvadora Dali, artysty, który traktował kobiecość poprzez poetyckie skupienie się na nieświadomym i sennym wymiarze aktu kobiecego. istota ludzka.
Edvard Munch, Dojrzewanie , 1894–95. Olej na płótnie, 151,5 × 110 cm. Oslo: Galeria Narodowa.
Dojrzewanie przez Muncha (1893)
Akt kobiecy, podobnie jak wątek seksualności, jest rozwinięty w obrazie Dojrzewanie, namalowanym przez Muncha w 1893 roku. Pierwsza wersja tego tematu powstała w 1885 lub 1886 roku, ale zaginęła, tak że z czasem mistrz odtworzył go w kilku dziełach. Na obrazie z 1893 roku nastolatka, przedstawiona w pustym miejscu, siedzi na skraju łóżka, samotna i naga, ze złączonymi nogami i skrzyżowanymi rękami na łonie. W tej pozie oczy ma szeroko otwarte, a usta zaciśnięte, jakby sugerować zaburzony stan emocjonalny, prawdopodobnie z powodu niedojrzałości jej ciała, oświetlonego światłem padającym z lewej strony, mającym na celu wywołanie niesamowitego i groźnego cień. To właśnie ten ostatni ciemny obszar wydaje się nawiązywać do przyszłości dziewczyny, która zapowiada się dramatycznie, a nawet tragicznie. Rzeczywiście, sens tej pracy może polegać na rozpoznaniu w okresie dojrzewania mocy przekształcania niewinnych dziewcząt w kobiety, których seksualność może być narzędziem przyjemności lub bólu dla ich męskich odpowiedników.
Salvador Dalì, Sen wywołany lotem pszczoły , 1944. Olej na drewnie, 51×40,5 cm. Madryt: Muzeum Thyssen-Bornemisza.
Sen wywołany lotem pszczoły (1944) – Salvador Dali
W bogatej, onirycznej i surrealistycznej kompozycji Salvadora Dalego Sen spowodowany lotem pszczoły z 1944 roku znajdujemy również nagie, wyciągnięte ciało kobiety, która ma zamiar unosić się na skale pośrodku morza. Spokój takiego podmiotu jest zupełnie niewyobrażalny, jeśli, jak na obrazie, wyobrazimy sobie nagłe zbliżenie się dwóch wielkich i wygłodniałych tygrysów, a także nadejście bagnetu, którego czubek dotknie nawet kobiecych ramię. Oprócz tego na obrazie pojawia się wiele obrazów, do tego stopnia, że praca wydaje się być stworzona ze snu, rzeczywistości, w której dziwność następuje jedna po drugiej, odnosząc się do realnego świata. W rzeczywistości arcydzieło wywodzi się z relacji o sennym zdarzeniu, które przydarzyło się ukochanej hiszpańskiego mistrza, Gali, która pod wpływem brzęczenia pszczoły, która latała jej wokół ucha, wyobraziła sobie kolejno wszystkie powyższe wizje.
Andrea Vandoni, Lenistwo , 2022. Olej na płótnie, 73 x 116 cm.
11. Sztuka współczesna: swoboda wypowiedzi i wielość punktów widzenia
Współcześni artyści mogą przedstawiać akt kobiecy, odwołując się do wielkiej tradycji figuratywnej z przeszłości lub wyrażając się poprzez swobodne i nowatorskie punkty widzenia. W obu przypadkach celem takiego dociekania, którego przedmiotem jest kobieta, jest ujawnienie podobieństwa tego, co zdaniem artystki mogłoby wyrażać najczystszą ideę kobiecości, zdolną animować, intrygować, przyciągać i wzruszać. wyobraźnia. W tym kontekście nie sposób nie wspomnieć o artystycznych poszukiwaniach Toma Wesselmanna, Mariny Abramović, Yayoi Kusamy, Takashiego Murakamiego, Damiena Hirsta, Jeffa Koonsa i Fernando Botero, którzy przy niektórych okazjach przedstawiali także nagie kobiece ciało.
Toma Wesselmanna
Wesselmann zaczął malować nagie kobiety około 1959 roku, odrzucając dominujący styl abstrakcyjnego ekspresjonizmu, aby wyrazić siebie poprzez graficzne i prowokacyjne portrety. Ci drudzy, doskonale wpisujący się w rewolucję seksualną lat 60., często przybierają sugestywne i zmysłowe pozy, w których momentami nie brakuje pozorów ironii. Jego postacie, z których wiele jest wzorowanych na żonie artysty, Claire Selley, często mają energiczne brązowe linie, mające na celu zwrócenie uwagi widza na centralne punkty piersi i łon. Od swojej pierwszej serii aktów, zatytułowanej „Great American Nude” (1961-73), do najnowszej „Sunset Nudes” (2003-04), Wesselmann parał się eksperymentowaniem z nowymi technikami artystycznymi i kompozycjami, w których niekonwencjonalne bliskie wyróżniają się uniesienia ciała, mające na celu wygenerowanie nowych sposobów drażnienia widzów kobiecą formą. Podsumowując, aby lepiej zrozumieć jej twórczość, możemy wprost zacytować słowa artystki: „Nie przedstawiam aktów w żadnych socjologicznych, kulturowych czy emocjonalnych intencjach”. „Myślę, że akt to dobry sposób na bycie agresywnym, mówiąc w przenośni. Chcę wywołać u widzów intensywne i wybuchowe reakcje”.
Retrospektywa „ Yayoi Kusama: 1945 do współczesności”. Hongkong: Muzeum M+!
Yayoi Kusama
W ciągu ostatnich 50 lat artyści, historycy sztuki i teoretycy dużo myśleli o polityce, bólu i przyjemnościach ciała oraz o tym, jak odnosi się ono do tożsamości. Obszerny dorobek Yayoi Kusamy, pełen prowokujących do myślenia prac, dotyczył wielu z powyższych tematów. Rzeczywiście, poprzez swoją szeroką gamę stylów i obrazów, które dobrze oddają jej skomplikowaną osobowość, artystka badała ciało, głównie poprzez sztukę performance. Takie śledztwo uchwyciło także nagość samej artystki, która, oznaczona ikonicznymi kropkami, pojawia się na słynnych zdjęciach z końca lat 60., na których Kusama pozuje w cyklu "Akumulacja".
Roman Rembovsky, W ogrodzie Eden , 2022. Olej na płótnie, 120 x 140 cm.
Nieśmiertelny urok aktu: ciąg dalszy...
Akt, podobnie jak martwe natury, pejzaże i portrety, jest tematem nieśmiertelnym w historii sztuki, z którym artyści nigdy nie przestaną się konfrontować, wchodząc w „konkurencję” z największymi mistrzami wszechczasów. W tym kontekście akt kobiecy okazuje się przedmiotem wielkiego zainteresowania, gdyż o ile w starożytności najliczniej reprezentowani byli mężczyźni, o tyle wiadomo, że począwszy od renesansu płeć piękna „narzucała się” w tym typie przedstawiania. Dlatego powyższa relacja nie okazuje się wyczerpująca, gdyż może być na bieżąco realizowana przez przyszłe, bezprecedensowe, oryginalne i prawdopodobnie skandaliczne punkty widzenia.
Olimpia Gaia Martinelli
