Czym jest sztuka kinetyczna?

Sumit Mehndiratta, Konstrukcja optyczna , 2021. Rzeźba, Drewno / Malarstwo cyfrowe / Kolaż na drewnie, 114,3 x 114,3 x 10,9 cm.

Sztuka kinetyczna lub sztuka programowana narodziła się po II wojnie światowej w związku z upadkiem abstrakcji geometrycznej. Jest to ruch artystyczny, którego celem jest zilustrowanie badania mechanizmów widzenia, dążącego do obrazowego i plastycznego oddania dynamiki, zjawisk optycznych i światła. Podobnie jak abstrakcjonizm, język, którym posługuje się sztuka programowana, jest anikoniczny, to znaczy pozbawiony obrazów, chociaż różni się od ruchu abstrakcyjnego tym, że wykracza poza wszelkie kompozycyjne ambicje. W rzeczywistości intencją nurtu kinetycznego jest przezwyciężenie tradycyjnej koncepcji sztuki jako czystej formy wyrazu, mającej na celu zaangażowanie widza na poziomie czysto percepcyjnym i psychologicznym, a nie formalnym czy emocjonalnym.

Valka Parusheva, Bez tytułu 1 , 2021. Kolaż na drewnie, 70x70 cm.

David Barnes, Marie Antoinette , 2019. Kolaż na tkaninie drewnianej, 75 x 107 cm.

Ale jakie były historyczne precedensy tej formy sztuki?

Z pewnością początki Sztuki Programowanej sięgają doświadczeń futuryzmu, dadaizmu, konstruktywizmu, konkretyzmu i Bauhausu, ruchów, trendów i szkół, których przykłady zostały zaktualizowane i odnowione przez artystów kinetycznych, którzy eksperymentowali z nowym sposobem relacji sztuki i technologia. Najważniejszymi prekursorami tego ostatniego nurtu byli: Marcel Duchamp, Naum Gabo, Antoine Pevsner, Laszlo Moholy-Nagy i Bruno Munari. Właściwie z okresu 1913-1920 pochodzą najbardziej nowatorskie eksperymenty Duchampa, wśród których wyróżnia się, w kontekście sztuki programowanej, kultowe Koło Rowerowe (1913).

Marcel Duchamp, Koło rowerowe, 1913. Koło metalowe, drewno, farba, 129,5 × 63,5 × 41,9 cm. Nowy Jork: Muzeum Sztuki Nowoczesnej. @_emme_dg

Jeśli chodzi o Nauma Gabo i Antoine'a Pevsnera, o sztuce kinetycznej mówili już w 1920 roku, kiedy wspomnieli o jej osobliwościach w swoim Manifeście Realistycznym . Dziesięć lat później, a dokładniej w 1930 roku, Laszlo Moholy-Nagy zdefiniował jako kinetyczny mechanizm, który wprawił w ruch jego Light-Space-Modulator, jedną z pierwszych rzeźb napędzanych elektrycznie. Wreszcie, niezwykle ważne były bezużyteczne maszyny stworzone w latach trzydziestych przez Bruno Munariego, urządzenia do zawieszania pod sufitem, które, złożone z bardzo lekkich materiałów, mogły swobodnie poruszać się w przestrzeni. Ponadto włoski mistrz był również odpowiedzialny za stworzenie Manifesto del macchinismo (1952), w którym artysta zaprosił swoich kolegów do porzucenia tradycyjnych metod sztuki, aby rozpocząć produkcję arcydzieł wyłącznie przy użyciu maszyn.

Stacy Boreal, Kule srebrne , 2021. Aluminium/akryl na płycie MDF, 100 x 70 cm.

Sztuka kinetyczna

Mimo tych znakomitych precedensów, aby mówić o sztuce programowanej jako o prawdziwym ruchu awangardowym, trzeba było poczekać do 1955, roku, w którym w prestiżowej Galerii Denise Rene w Paryżu odbyła się wystawa Le Mouvemente. Motywem przewodnim tej wystawy był ruch, którego przykładem są prace takich znanych artystów jak Alexander Calder, Marcel Duchamp, Jesus Rafael Soto, Jean Tinguely czy Victor Vasarely. Ta epokowa wystawa uwypukliła kontrastujące osobliwości rodzącego się ruchu, który z jednej strony promował badania nad efektami złudzenia optycznego, z drugiej koncentrował się również na czystym ruchu, zdeterminowanym zarówno naturalnie, jak i mechanicznie.

Alexander Calder, Double Gong , 1953. San Francisco: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco. @sagewoodmodernismweek

Yaacov Agam , Hala Elizejska , 1974. Paryż: Centrum Pompidou . @janinesarbu

Dopiero w 1960 r., a dokładniej w Zurychu, ta nowa forma sztuki została wskazana w znaczeniu, w jakim ją dziś rozumiemy, czyli używając wyrażenia: Sztuka kinetyczna. Nazwa ta powstała z okazji wystawy Kinetische Kunst, odbywającej się w Kunstgewerbemuseum, gdzie wystawiał się m.in. słynny Enzo Mari. Należy zauważyć, że w latach 60. XX wieku, oprócz uznania za prawdziwy ruch, sztuka programowana ewoluowała, prezentując wiele wariantów, w tym sztukę kinetyczną Lumino i sztukę optyczną. W tym samym okresie popularność sztuki kinetycznej szybko i silnie wzrosła, dzięki organizacji wielu wystaw, których kulminacją była kultowa impreza z 1965 roku, która odbyła się w Moma (Nowy Jork) i zatytułowana Beyond Nieformal. Wreszcie złoty wiek sztuki programowanej, lata 60. i 70., trwa w twórczości wielu popularnych współczesnych artystów, takich jak Bridget Riley, Rebecca Horn i Yaacov Agam.

Ferruccio Gard, Mostra abstrakcyjny chromatyzm , 2018. Akryl na płótnie, 80 x 80 cm.

Gianfranco Meggiato, Kula Słońca , 2020. Rzeźba, brąz na metalu, 23 x 20 x 20 cm / 5,00 kg.

Kinetic Art autorstwa artystów Artmajeur

Optyczne, mechaniczne i przestrzenne badania Kinetic Art są kontynuowane, zarówno w twórczości słynnych przedstawicieli sztuki współczesnej, jak iw równoległych, nowatorskich i eksperymentalnych badaniach prowadzonych przez artystów Artmajeur. W rzeczywistości prace tych ostatnich, w tym na przykład prace Gysina Broukwena, Jiriego Genova i Seungwoo Kima, zdecydowanie tchnęły nowe życie w ten historyczny ruch. Niekiedy jednak okazuje się, że badania artystów Artmajeur przywołują również reminiscencje nauk wielkich mistrzów przeszłości, w dialogu, w którym związek między epokami wydaje się nigdy nie ustać.

Gysin Broukwen, Twarz Kinetic, 2019. Kolaże na papierze, 100x70 cm.

Gysin Broukwen : Kinetyczna twarz

Druk cyfrowy Broukwena na papierze, zatytułowany Kinetyczna twarz , podejmuje typowe tematy badań sztuki kinetycznej w jej odmianie sztuki optycznej. Ten ostatni ruch, znany również jako OP-Art, narodził się około lat sześćdziesiątych w celu pogłębienia studiów nad wielowymiarową iluzją. W rzeczywistości sztuka optyczna ma na celu zaoferowanie widzowi dzieł bogatych w punkty widzenia, które przekazują niemal jak rewelacyjne wizje, wrażenia ruchu, ukrytych lub zdeformowanych obrazów. Ten rodzaj poszukiwań artystycznych ma również na celu stymulowanie i głębokie zaangażowanie widza, wprowadzając go w stan niestabilności percepcyjnej. Jeśli chodzi o nadruk twarzy Kinetic , składa się on z małych, monochromatycznych geometrii, które pasują do siebie i prezentują różnorodną chromatykę, która nadaje różne poziomy głębi wielu jego częściom. W istocie w centralnym obszarze pracy złudzenie optyczne staje się znacznie silniejsze, ukazując się jako głębszy wymiar, w którym widz może się zgubić lub schronić. Wreszcie osobliwości i intencje badań Broukwena można postrzegać jako kontynuację twórczości Victora Vasarely'ego, założyciela i jednego z głównych przedstawicieli OP-Artu, którego twórczość charakteryzuje się wykorzystaniem geometrycznych kształtów, mających na celu generowanie w widza silne iluzje trójwymiarowości i ruchu.

Jiri Genov, Cichy Doradca, 2020. Rzeźba na metalu, 2020. 71,5 x 21 x 39 cm / 18,50 kg.

Jiri Genov: cichy doradca

Rzeźba Cichego Doradcy stworzona przez Jiriego Genova mocno na nowo proponuje prostotę ruchu, badaną przez tendencje artystyczne poprzedzające sztukę kinetyczną, w szczególności dadaizm, ponieważ ma powiązania z arcydziełem Duchampa: Koło rowerowe . Rzeczywiście, w tym gotowym z 1913 roku koło rowerowe zainstalowane do góry nogami i wsparte na widelcu może swobodnie wykonywać swój ruch obrotowy. Podobnie rzeźba Genova, odnosząca się do innego prostego mechanizmu, porusza się współczująco kołysząc głową, jakby chciała życzliwie skinąć głową. Właściwie, odwołując się do własnych słów autora, rzeźba została zaprojektowana w tym celu: widz powinien zadać pracy dowolne pytanie, a następnie nacisnąć przycisk uruchamiający jej asertywny ruch. Dlatego ta humorystyczna rzeźba, datowana na 2020 rok, mogła być prawdopodobnie inspirowana zamknięciem, kiedy w panującej samotności metalowy rozmówca byłby nieoceniony.

Seungwoo Kim, Koło XXXV, 2021.   Rzeźba, plastik / gips / żywica na metalu, 16 x 30 x 16 cm / 10,00 kg.

Seungwoo Kim: Koło XXXV

Rzeźba kinetyczna Seungwoo Kima, wykonana z dwóch guzików, przypomina kultowy obraz Blaze 1 (1962) autorstwa Bridget Louise Riley, brytyjskiej malarki i jednej z głównych postaci ruchu OP-Art, pod względem chromatyzmu i powtórzenia kolistego kształt. Czarno-białe zygzakowate linie tego najnowszego arcydzieła tworzą iluzję wiru, który wkrada się w środek obrazu, zaszczepiając w ludzkim mózgu wizję wiru koncentrycznych pierścieni. W rzeczywistości obraz wydaje się poruszać w przód iw tył, sugerując ruch obrotowy do wewnątrz. Chociaż praca została wykonana w czerni i bieli, gdy oko próbuje skupić się na ruchu w ruchu, widoczne są również dodatkowe pryzmatyczne kolory. Jeśli chodzi o twórczość artysty z Artmajeur, okazuje się ona bardzo osobistą interpretacją koncepcji optycznych wyrażonych w Blaze 1, gdyż w tym przypadku złudzenie wizualne wynika z wielości nachodzących na siebie przycisków, tworzących dynamiczny kulisty kształt. Wreszcie, to materiały artystycznych poszukiwań Kima sprowadzają nas z powrotem do realnego świata, po zatraceniu się w skomplikowanych mechanizmach widzenia.