Sculture di arte tribale in vendita

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Come definire stile Arte tribale ?

Le arti visive e la cultura materiale delle popolazioni indigene sono indicate come arte tribale, a volte nota come arte non occidentale, arte etnografica o, in modo più controverso, arte primitiva. L'arte tribale ha tipicamente una funzione rituale o spirituale. Il design e l'artigianato di oggetti provenienti da culture tribali, tipicamente con origini rurali, viene definito arte tribale.

Nel diciannovesimo secolo, famosi professionisti dell'arte occidentale non consideravano nemmeno l'arte non occidentale come arte. Invece, questi oggetti erano visti come reliquie ed esempi di società "esotiche" o "primitive". Ma nella seconda metà del XX secolo, l'atteggiamento nei confronti delle arti tribali è cambiato. Prima che il postmodernismo emergesse negli anni '60, i critici d'arte vedevano le arti tribali principalmente da un punto di vista formalista, dando poca considerazione al significato simbolico, al contesto storico o culturale o all'intenzione dell'artista dell'opera. Da allora, l'arte tribale, come l'arte africana nelle collezioni occidentali, è diventata molto apprezzata dai collezionisti internazionali, dalle mostre e dal mercato dell'arte.

La frase "tribale" potrebbe connotare un tipo di arte meno sofisticato che è associato al primitivismo e suggerisce una mancanza di abilità, design, intento o concetto. Tuttavia, poiché i musei riesaminano e riesaminano le loro collezioni riconoscendo la realtà che l'arte tribale è lungi dall'essere semplice e primitiva e spesso ha un'abilità di esecuzione che va ben oltre ciò che ci aspettiamo, sta guadagnando sempre più interesse pubblico. Inoltre, ha il potere di raggiungere le nostre anime. I nostri istinti interiori possono essere risvegliati e ci connettiamo con la loro verità come risultato della loro presenza irresistibile e dell'energia emotiva, migliorando la nostra percezione della profondità spirituale.

Storicamente, antropologi occidentali, collezionisti privati e musei di etnografia e storia naturale hanno raccolto opere d'arte tribali. Nelle collezioni museali, l'arte tribale può essere suddivisa in tre categorie principali: Arte delle Americhe e dell'Oceania, in particolare quella dell'Australia, della Melanesia, della Nuova Zelanda e della Polinesia; e l'arte africana, in particolare quella dell'Africa subsahariana.

Arte tribale africana

Sculture in pietra, sculture in legno (maschere e sculture), gioielli, vimini, tessuti, pipe, strumenti musicali, armi, perline e il design di elementi architettonici come porte e ornamenti murali sono tutti esempi di arte tribale africana. Lo sviluppo di questi mestieri è stato influenzato dall'accessibilità di strumenti, risorse e know-how; non tutte le tribù si sono impegnate in questi sforzi artistici. Il materiale più tipico era il legno, spesso decorato con argilla, vernice, conchiglie, perline, avorio, metallo, piume, peli di animali, rafia e in rare occasioni anche pietre semipreziose.

L'arte africana era una parte fondamentale di una religione onnicomprensiva. Le forze vitali presumibilmente presenti in tutti gli esseri viventi erano rappresentate da immagini specifiche che fungevano da loro incarnazioni o rappresentanti. L'essenza dell'ascendenza tribale è stata preservata da queste rappresentazioni dei morti, che spesso parlavano per loro e davano alle persone la possibilità di connettersi con gli spiriti degli antenati. I manufatti tribali africani erano tipicamente creati come arte religiosa - per uno specifico uso rituale o cerimoniale - nonostante il fatto che molte delle forme utilizzate includano componenti secolari e alcune opere d'arte siano puramente decorative e ornamentali.

L'iniziazione a gruppi di età, come le "società" dei giovani o degli anziani, ciascuna delle quali ha i propri simboli e motivi di culto unici, è la base di molti rituali tribali. Tali "società" sono note per la loro abbondanza di statuette e maschere scolpite, molte delle quali rappresentano divinità patrone come il Dio del Tuono o il Dio del Fuoco. Sebbene le sculture fossero prodotte quasi esclusivamente come oggetto di lusso da alcune società, erano altrettanto onnipresenti e popolari delle maschere e avevano un significato rituale. La tribù Yoruba in Nigeria erano abili intagliatori di figure tonde e spesso incoronavano le loro maschere tipicamente grandi con orde di bambole molto vive, creando l'illusione che fosse in corso una festa. Gli scultori potevano raggiungere una statura e una notorietà che erano in qualche modo simili a quelle di un noto artista in Occidente a causa dell'eccellente calibro e reputazione della scultura africana tra le altre tribù, in particolare gli Yoruba.

Arte tribale oceanica

La sottoregione dell'Oceania è composta da quattro regioni etnogeografiche distinte: Polinesia, Micronesia, Melanesia e Australasia. L'arte tribale oceanica si riferisce alle tradizioni culturali e alla storia creativa delle popolazioni indigene che vivono in queste quattro aree. Questa cultura Lapita alla fine ebbe un impatto sulla maggior parte della Polinesia, Micronesia e Melanesia. Un altro fattore fu la civiltà vietnamita Dong-Son, che fiorì intorno al 600 d.C. e fu un importante commerciante nel Pacifico occidentale. Manufatti in bronzo di questa civiltà sono stati trovati in tutta l'Oceania.

Sebbene ogni regione e gruppo di isole avesse le sue tradizioni estetiche uniche che modellavano le sue arti e mestieri, l'arte tribale oceanica era legata a eventi pagani che coinvolgevano il soprannaturale, l'adorazione degli spiriti e la fertilità. È stata prodotta un'ampia varietà di forme d'arte, tra cui body painting, tatuaggi, pittura, scultura, intaglio del legno e arte tessile, con la maggior parte dei materiali utilizzati da artisti e artigiani deperibili. Di conseguenza, è sopravvissuto solo un piccolo numero di esempi, esclusi gli edifici in pietra e le sculture.

Le monumentali sculture in pietra (moai) di Rapa Nui/Isola di Pasqua e delle Marchesi, che esemplificano l'uso di disegni che incorporano figure antropomorfe con lingue sporgenti e occhi sporgenti, comuni a molte aree orientali e remote della Polinesia, sono tra i famosi esempi di arte polinesiana che sono sopravvissuti. Altri esempi includono tessuti di corteccia altamente decorati nella Polinesia occidentale.

Poiché erano usate in complicati riti pagani e pratiche di culto in tutta la Melanesia, le maschere erano un motivo chiave nell'arte indigena. Le reliquie tribali della Micronesia includono anche ciotole di legno intagliato, barche dipinte e maschere di legno stilizzate oltre a body painting e tatuaggi. Body painting, pittura rupestre, pittura su corteccia, incisioni rupestri, pietre erette, sculture, sculture e ornamenti ornamentali su strumenti e armi sono solo alcuni esempi dei numerosi stili e mezzi utilizzati nell'arte aborigena australiana.

Arte tribale americana

L'arte degli indiani d'America è stata profondamente influenzata sia dallo stile di vita nomade, in stile cacciatore della prima, sia dall'ambiente un po' più statico ma comunque impoverito della seconda. Un altro aspetto significativo nell'emergere di tradizioni creative distinte a livello regionale è stata l'accessibilità di risorse tra cui legno, vimini, metallo, ossa di animali, argilla e cotone.

Le tribù del sud-ovest erano esperte nella tessitura, nella produzione di ceramiche e nella creazione di affreschi. Queste tribù includevano i popoli Zuni, Navaho e Hopi, nonché gli Hohokam dell'Arizona meridionale, gli Ansazi dell'Arizona settentrionale e del New Mexico, i Mimbres del New Mexico sud-occidentale e gli Ansazi. I nativi americani del sud-ovest hanno inventato la pittura con la sabbia, spesso nota come pittura a secco (in particolare il Navajo).

Nel Midwest, le tribù erano le uniche responsabili della formazione della cultura. Queste tribù erano riconosciute per la loro intricata arte tessile e per i loro famosi lavori di sterro, o "tumuli di effigie", che erano costruiti per assomigliare a diversi animali. L'arte tribale comprendeva anche pipe in pietra scolpita con motivi che vanno dall'estremamente realistico all'astratto, oltre a ciotole in legno intagliato e ornamenti in pietra levigata e rame.

La regione del sud-est produceva anche pipe a forma di uccelli e animali, conchiglie finemente intagliate e accessori di abbigliamento riccamente dipinti. Nonostante l'utilizzo di argilla scadente, era rinomato per la produzione di ceramiche squisite. I pezzi di ceramica sono stati creati e decorati con una varietà di motivi floreali e geometrici per usi cerimoniali, religiosi e privati.

Il vimini dei nativi americani era un tipo di arte importante sulla costa occidentale, in particolare in California. La tribù irochese degli indiani nord-orientali, in particolare, era nota per le loro cinture di wampum intrecciate, le penne di porcospino e le maschere della False Face Society. La migliore arte tribale prodotta nel nord-ovest era la scultura, in particolare l'intaglio del legno. Totem, piccole statuette di legno e maschere dipinte con cura e spesso intarsiate con pietre e conchiglie di abalone erano tra gli stili più popolari di scultura intagliata a mano.

Come l'arte tribale ha influenzato l'arte moderna

Entro la metà del 19° secolo, mentre più spedizioni riportavano manufatti tribali, l'interesse per quello che allora era conosciuto come primitivismo/arte primitiva - tipicamente l'arte dell'Africa nera - iniziò a crescere. Importanti mostre d'arte tribale della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo hanno anche esposto l'arte non occidentale alla comunità artistica occidentale. Importanti mostre, come l'American Indian Art del 1941 e l'African Negro Art del 1935, si tenevano al Museum of Modern Art.

Gli artisti hanno scoperto un modello per un'alternativa all'arte occidentale nelle statue di divinità tribali e maschere rituali, le cui forme non naturalistiche e altamente stilizzate incorporavano anche immagini potenti e altamente emotive. L'arte tribale ha avuto un'influenza significativa su artisti famosi come Vincent Van Gogh e Henri Matisse, Paul Gauguin e Pablo Picasso. L'effetto iniziale più sorprendente fu il cubismo, che, frammentando l'immagine e rinunciando alla prospettiva, indebolì rapidamente il paradigma occidentale attingendo principalmente alle implicazioni formali dell'arte tribale. L'arte astratta è stato uno dei principali risultati di questo.

Il gruppo tedesco Die Brücke iniziò a concentrarsi maggiormente sugli elementi primitivi, istintivi e rituali dell'arte non occidentale nello stesso periodo, fondando il principale movimento artistico moderno noto come Espressionismo. I dadaisti hanno favorito la rottura del paradigma occidentale traendo ispirazione dall'arte tribale, dal cubismo e dall'espressionismo a Zurigo, New York e infine a Parigi. L'opera pittorica o scultorea di Dada era per lo più composta da collage e assemblage, la sua controparte tridimensionale. Il fatto che l'arte possa essere creata da qualsiasi cosa e non debba essere dipinta, scolpita o modellata è stato stabilito da questo lavoro composto da materiali trovati. Le sue immagini spesso incorporavano aspetti dell'arte tribale ed erano conflittuali a livello politico, sociale o estetico. Dada ha presentato i concetti che alla fine hanno portato all'arte concettuale, il cui impatto si è mescolato con quelli delle altre correnti dell'arte moderna per creare il fiume vasto, ampio, enormemente ricco, vario e globalmente diversificato dell'arte contemporanea di cui il mondo gode attualmente.

Scopri le sculture di Arte Tribale contemporanea su ArtMajeur

Le sculture di arte tribale contemporanea sono una forma di Opere d’arte originali che uniscono le tecniche tradizionali dell’arte tribale con materiali e concetti moderni. Queste sculture sono solitamente realizzate con materiali naturali come legno, pietra e argilla, ma incorporano anche materiali sintetici come metallo e plastica. Gli supporti utilizzati per queste sculture possono variare, dai piedistalli ai supporti murali, fino alle installazioni all’aperto. Ciò che rende uniche queste sculture è la loro capacità di trasmettere il significato culturale e spirituale dell’arte tribale mentre esprimono un messaggio sulla società contemporanea. Gli artisti alla base di queste sculture utilizzano la loro creatività e abilità per creare opere che non solo sono belle ma anche stimolanti. L’uso di tecniche e materiali tradizionali in combinazione con temi moderni ha portato ad uno stile di arte che è veramente unico nel suo genere.

Origini e Storia

Le sculture d’arte tribale contemporanea hanno origine dalle sculture tradizionali prodotte dalle comunità indigene di tutto il mondo. Queste sculture sono state create per vari scopi, dalle cerimonie religiose all’uso quotidiano. La storia delle sculture d’arte tribale può essere fatta risalire ai tempi preistorici, ma è durante il periodo coloniale che queste sculture hanno attirato l’attenzione del mondo occidentale. Ciò è dovuto al loro aspetto esotico e "primitivo", che era molto apprezzato da collezionisti e musei. Nel XX secolo, artisti come Picasso e Matisse si sono ispirati alle sculture d’arte tribale e hanno incorporato la loro estetica nelle proprie opere.

Evoluzioni di queste opere nel mercato dell’arte contemporanea

Le sculture d’arte tribale contemporanea sono evolute significativamente negli ultimi anni, incorporando tecniche e materiali moderni pur mantenendo le loro radici tradizionali. Queste sculture sono diventate sempre più popolari nel mercato dell’arte contemporanea, con collezionisti e appassionati alla ricerca di pezzi unici e autentici.

Artisti Famosi Correlati

Gli Artisti Contemporanei che hanno ottenuto riconoscimento per il loro lavoro nelle Sculture d’Arte Tribale contemporanea includono Kiki Smith, Nick Cave e Nnenna Okore. Kiki Smith è nota per le sue sculture che esplorano il corpo umano e il suo rapporto con la natura, spesso incorporando materiali naturali come il bronzo e il vetro. Il lavoro di Nick Cave si concentra sulla creazione di sculture indossabili che mescolano elementi di moda e performance art. Nnenna Okore utilizza materiali come la iuta e la carta per creare installazioni scultoree su larga scala che traggono ispirazione dalla sua eredità nigeriana. Questi artisti hanno contribuito alla conversazione in corso sull’intersezione tra l’arte contemporanea e le forme d’arte tribale tradizionali, esplorando temi di identità, cultura e storia attraverso il loro lavoro. La popolarità delle Sculture d’Arte Tribale contemporanea ha portato ad un crescente interesse per il significato culturale e la storia delle forme d’arte indigene, così come una maggiore apprezzamento per la competenza e la creatività degli artisti contemporanei che lavorano in questo campo.

Sculture di Arte Tribale contemporanea notevoli

Le Sculture di Arte Tribale Contemporanea hanno guadagnato popolarità negli ultimi anni, mostrando la bellezza e i disegni intricati delle culture indigene. Ecco alcune opere d’arte ben note e le loro descrizioni:

1. "Ngati Pumau" di George Nuku, creato nel 2013, è una stupefacente scultura realizzata in acrilico fluorescente, legno e conchiglie. L’opera rappresenta il waka ancestrale (canoa) della cultura Maori, che simboleggia il loro viaggio e la loro connessione con il mare.

2. "Spiral Jetty" di Robert Smithson, creato nel 1970, è una scultura di land art situata nel Great Salt Lake, Utah. La grande forma a spirale dell’opera è fatta di rocce e terra, creando un contrasto sorprendente con l’acqua rosa brillante del lago.

3. "Nkisi Nkondi" di un artista sconosciuto, creato alla fine del XIX secolo, è una potente scultura della cultura Kongo. L’opera presenta una figura di legno con chiodi conficcati nel corpo, rappresentando il potere spirituale e la protezione del nkisi (spirito).

4. "The Messenger" di Michael Nicoll Yahgulanaas, creato nel 2010, è una scultura di arte contemporanea Haida realizzata in acciaio inossidabile e alluminio dipinto. L’opera rappresenta una fusione di antichi stili artistici Haida e asiatici, mostrando l’eredità culturale e la visione contemporanea dell’artista.

5. "The Dreamers" di Brian Jungen, creato nel 2018, è una serie di sculture realizzate con le scarpe Nike Air Jordan. L’opera rappresenta l’eredità delle Prime Nazioni dell’artista e critica la mercificazione della cultura indigena.

Nel complesso, queste sculture di arte tribale contemporanea mostrano la diversità e la ricchezza delle culture indigene, evidenziando la loro importanza nel mondo dell’arte odierna.