Introducción al desnudo masculino
El desnudo femenino ha estado, desde los albores de la civilización humana, en el centro de la narrativa histórica del arte, que, en cierto sentido, ha aceptado más la externalización de este tipo de fisicalidad, en comparación con el desnudo masculino, que a menudo es percibida como más ilícita y desconcertante, es decir, capaz de perturbar el alma de los espectadores. No obstante, los grandes maestros de todos los tiempos, en su mayoría hombres, han celebrado el desnudo masculino de diferentes formas, que, ya sean reverenciales o eróticas, han construido un relato figurativo, que se extiende desde las civilizaciones más antiguas hasta nuestros días, un lapso en el que tal sujeto ha pasado de ser un dios a un mero "pecador". Tal evolución iconográfica del desnudo masculino, a menudo símbolo de fuerza, poder y virilidad, pero también de belleza, vulnerabilidad e intriga sexual, ha tenido lugar dentro de una narrativa que va, en sus vértices de exteriorización, desde la Grecia antigua hasta la contemporánea. veces. Antes de esta civilización temprana, el sujeto en cuestión tendía principalmente a tomar la forma del atleta o el dios, ya que los griegos imaginaban a sus deidades como entidades de aspecto humano cuyas cualidades idealizadas de belleza física estaban indisolublemente asociadas con la bondad del alma. Esta tendencia se transformó drásticamente durante la Edad Media, momento histórico en el que, como se anticipó, la desnudez llegó a ser incluso pecaminosa y vergonzosa, ya que estaba asociada al pecado original, y por tanto capaz de transformar la iconografía de los cuerpos elevados y lujuriosos más clásicos en algo más bien fisonomías ligeras y esbeltas, desprovistas del anterior énfasis en el naturalismo. El siguiente momento fue el del Renacimiento, en el que se afianzó un renovado clasicismo en las artes, tendencia en la que el género del desnudo se convirtió en una oportunidad para exhibir no sólo cuerpos extremadamente performáticos sino también el virtuosismo técnico de los artistas. El posterior establecimiento de academias de arte en toda Europa, que tuvo lugar durante los siglos XVI y XVIII, dio lugar a un estilo un tanto regulado y clasicista de representar el desnudo, para ser exteriorizado supra a través de la técnica del dibujo, considerada en ese momento como el elemento central de una educación artística, en la que dicho género fue inmortalizado en composiciones heroicas, donde asumió el papel de un personaje fuerte y extremadamente viril. Las tendencias más bien "naturalistas" de finales del siglo XVIII y XIX conducen, hacia el final de este último período, al realismo de Courbet y Millet, puntos de vista en los que los hombres idealizados dan paso a figuras más reales. La verdadera revolución llega, sin embargo, con las Vanguardias del siglo XX, momento a partir del cual el cuerpo, además de alejarse definitivamente del lenguaje académico, se fragmenta en la visión de Picasso o se presenta muy atormentado en la de Schiele, abandonando para siempre la fidelidad. al dato real. Puntos de vista más amplios y personales emergen con la serialización del Pop-Art y el lenguaje del Street art, movimientos que han consolidado definitivamente los múltiples y originales puntos de vista con los que, hasta el día de hoy, se representa el cuerpo masculino. Finalmente, se explorará el camino que afronta el desnudo masculino dentro de la interminable narrativa de la historia del arte a través de la siguiente clasificación, encaminada a recoger los mejores ejemplos pictóricos del género.
Alexandre Cabanel, El ángel caído, 1847. Óleo sobre lienzo, 121×190 cm. Museo Fabre, Montpellier.
Top ten: pinturas de desnudos masculinos
10. Alexandre Cabanel, El ángel caído (1847)
Alexandre Cabanel, retratista francés de historia y género, nacido en 1823, creó el óleo sobre lienzo en cuestión en 1847, resultando una obra maestra destinada a hacer explícitos los más profundos y viles sentimientos humanos, al inmortalizar la rebelión de Lucifer, quien, expulsado del cielo, sintió un resentimiento extremo hacia Dios Padre. Esta emoción cobra vida en un cuerpo clásico, perfecto para dar forma al texto del libro del profeta Ezequiel, en el que se describe al ángel como un ser de perfecta belleza. A pesar de estos rasgos escultóricos, que también presentan imponentes alas reclinadas, los verdaderos protagonistas del cuadro resultan ser los ojos de la efigie, que, resaltados por el brazo derecho, que cubre parcialmente el rostro del protagonista, aparecen sumamente conmovedores, cargados de de ira, de indignación, así como mojadas de lágrimas de sufrimiento, que nos hablan de cómo Lucifer, aunque sufriendo, no se da por vencido, sino que se muestra bastante ávido de satisfacer su deseo de venganza, oponiéndose a la obra de Dios. De hecho, en el mismo relato bíblico del Antiguo Testamento se cuenta cómo Lucifer, el ángel más bello y sabio creado por Dios, fue arrojado del paraíso a las profundidades del inframundo, exteriorizando en su llanto el último remanente de su bondad, que le dio camino a un mundo infinitamente cargado de odio, malicia y rencor.
Peter Paul Rubens, Prometeo atado , 1611-12. Óleo sobre lienzo, 243,5 cm × 209,5 cm. Museo de Arte de Filadelfia.
9. Peter Paul Rubens, Prometeo atado (1611-12)
La obra maestra del maestro flamenco, fechada entre 1611 y 1612, en la que un cuerpo masculino desnudo, dinámico y sufriente, resulta ser el protagonista indiscutible, es fruto de múltiples influencias asimiladas por el pintor, que extrajo de Tobias Verhaecht los fundamentos de la composición paisajística. de fondo, mientras la escena mitológica sufría la maqueta de Adam van Noort, conocido retratista de desnudos e imágenes desenfrenadas de la vida holandesa. En cuanto a la composición en su conjunto, sin embargo, mira a la iconografía de la pintura de historia, que Rubens supo admirar cuando trabajó con Otto van Veen, dando lugar a la figura de un Prometeo en escorzo, que, posicionado cerca del espectador, también se ve la cita de modelos clásicos y, en particular, de la teatralidad griega. Sin embargo, no se debe pasar por alto el impacto que la pintura italiana tuvo también en la mencionada obra maestra, refiriéndose a la lección de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, el tenebrismo de Caravaggio y las formas de Tiziano. Finalmente, el tormento de Prometeo, personaje de la mitología que es el protagonista de la obra, está bien ejemplificado por un poema de Lipsius, amigo del hermano de Rubens, quien escribió: "Aquí, con el pico ganchudo, un monstruoso buitre se mete en el hígado de Prometeo, que no tiene paz en sus tormentos, porque una y otra vez el pájaro salvaje se acerca a su pecho renovador y lo ataca de manera punitiva [...] Uno pensaría que se movería, que sus plumas temblarían. El horror se apodera de los espectadores".
Uno de los múltiples desnudos masculinos de Pierre y Gilles @pierreetgilles_gilles.
8. Pierre y Gilles, Mercurio (2001)
Una vez más, al igual que en la obra maestra anterior, el desnudo se exterioriza en el arte a través de la referencia al cuerpo perfecto de un personaje extraído de la tradición griega, en este caso una deidad: Mercurio, mensajero representado de espaldas, con el contorno de su rostro en vista, mientras observa una serpiente, que se ha entrelazado alrededor de su bastón. Al hacerlo, un animal así reutiliza la iconografía más clásica del caduceo, o bastón alado que tradicionalmente acompaña al mensajero de los dioses. Hablando de Pierre y Gilles, por otro lado, la pareja de artistas franceses dieron vida a la citada obra mediante una operación a cuatro manos, en la que el primero de los dos crea las fotos y el segundo las retoca con sucesivas capas de pintura, destinada a dar vida a imágenes que, estudiadas hasta el más mínimo detalle, remiten con frecuencia a iconografías míticas y religiosas, reinterpretadas con una sensualidad incontenible y un punto de vista muy kitsch. Los temas abordados por el dúo son principalmente Pop, relacionados en particular con la homosexualidad, la pornografía y los topos religiosos, revisitados en clave "barroca". Sin embargo, en el tema de la historia del arte, una obra maestra muy conocida que representa el deo antes mencionado es la estatua de Mercurio volador de Giambologna, que, conservada en el Museo Bargello de Florencia, representa el tema antes mencionado mientras apoya su pie izquierdo en el viento generado por Zephyrus. ' boca.
Jean-Hippolyte Flandrin, Joven desnudo sentado junto al mar , 1835-36. Óleo sobre lienzo, 98 cm × 124 cm. Museo del Louvre, París.
7. Jean-Hippolyte Flandrin, Joven desnudo masculino sentado junto al mar (1835-36)
En séptimo lugar encontramos la obra maestra de uno de los principales exponentes neoclásicos de la Escuela de Lyon, el maestro francés Jean-Hippolyte Flandrin, quien, en Desnudo masculino joven sentado junto al mar, representa a un joven desnudo con los brazos alrededor de las piernas. mientras se sienta en una roca junto al mar, rodeado por un cielo expansivo. En este contexto es bueno destacar cómo el rostro del protagonista, inidentificable y en penumbra, lleva al espectador a reconocerse en el modelo, cuya actitud pretende estimular el recogimiento y la reflexión aislada, que se concreta a través del cierre de sus ojos. Continuando con el tema de la obra, cabe destacar que fue realizada en Roma, es decir, durante el viaje de estudios que realizó el artista tras su victoria en el Prix de Rome de 1832. Además, la obra, que goza de gran renombre entre La crítica de arte francesa sigue siendo una de las obras más conocidas de Flandrin, tanto que posteriormente fue interpretada por fotógrafos como Wilhelm von Gloeden, Claude Cahun y Robert Mapplethorpe. Finalmente, el desnudo masculino joven sentado junto al mar también es conocido porque, desde el siglo XX, se ha convertido en un símbolo popular de la cultura homosexual.
Egon Schiele, Desnudo masculino sentado (Autorretrato) , 1910. Viena, Leopold Museum.
6. Egon Schiele, Desnudo masculino sentado (Autorretrato) (1910)
Hemos llegado a la interpretación expresionista del desnudo a través del análisis de la obra maestra de Schiele, maestro conocido por haber interpretado este género a través de múltiples autorretratos, a menudo marcados por la representación de una imagen extrema del artista, que se captura a sí mismo en poses descaradas y provocativas, en las que, debido a su cuerpo delgado, contorsionado y cargado de tensión, asumía una actitud torpe, forzada y gestos extravagantes, que lo acercaban más a la semejanza de un buratto sin vida que a un ser humano. Respecto a la obra de 1910, ésta, que se conserva en el Museo Leopold de Viena, fue creada mediando una fuerte y decadente pincelada expresionista, que genera la figura del artista, cuyas líneas rectas y decididas describen los músculos y el pecho de un hombre sin pies, con la intención de flotar sobre un fondo blanco. Además, la torsión antinatural del cuerpo, junto con los tonos verdes, amarillos y marrones de su piel, hacen que los rasgos de Schiele parezcan algo antinaturales o característicos de un estado de enfermedad o angustia. En cuanto a este último punto de vista, la obra maestra en cuestión anticipaba en realidad el final de los días del artista, quien, casi proféticamente, moría unos años más tarde a los 28 años, azotado por la gripe española, que asoló Viena en 1918.
Lucian Freud, Hombre desnudo , Vista trasera, 1991-92. Óleo sobre lienzo, 182,9 × 137,2 cm. Nueva York, MET. @lucianfreudart.
5. Lucian Freud, Hombre desnudo, vista trasera (1991-1992)
Con la posición número cinco llegamos al neoexpresionismo alemán, abordando el análisis de Naked man, Back view, obra de Lucian Freud en la que se destacan los rasgos estilísticos del maestro, a menudo empeñados en crear composiciones intensas capaces de revelar la humanidad y la presencia física. de las efigies, en este caso resumidas en los rasgos de Leigh Bowery, modelo de la obra maestra en cuestión. A pesar del realismo de Freud, retrató al mencionado sujeto, conocido por su extravagante vestuario y maquillaje, sin ropa alguna, mientras aparecía en cuclillas sobre un taburete colocado en el estudio del pintor. En todo caso, la fidelidad al hecho real se logró gracias a la precisión con la que el pintor alemán plasmó el carnoso dorso de la efigie, que lleno de "montículos" y "montículos" parece gritar las propias palabras del artista sobre el mencionado Género pictórico: "Quiero que la pintura sea carne". Son precisamente estas últimas palabras las que nos permiten profundizar en los rasgos estilísticos del artista, cuyas obras, caracterizadas por el realismo extremo y la búsqueda obsesiva del dato real, se representan, a veces en poses antinaturales para realzar los detalles, a menudo exagerando ellos, amigos, familiares, conocidos y mascotas.
William Etty, Desnudo masculino, con los brazos estirados hacia arriba , 1828-1830. Aceite a bordo. Fideicomiso de los Museos de York (Galería de Arte de York).
4. William Etty, Desnudo masculino, con los brazos estirados (1828-1830)
Los invito a imaginar el gigantesco cadáver de un bovino colgado por sus miembros inferiores de un soporte de madera, mientras se destaca en un ambiente tenuemente iluminado, gracias al candor y la grandeza de su carne. Ahora que podéis ver la escena que os describí, muchos de vosotros ya la habréis asociado con el conocido Buey degollado de Rembrandt, obra de 1655, en la que el desdichado animal también podría interpretarse como una especie de cordero sacrificado. La disposición de los miembros de este último podría recordar igualmente a la del doliente, y tal vez penitente, protagonista de Desnudo masculino, con los brazos extendidos, desnudo pintado por William Etty. En el momento de realizar este retrato, fechado hacia 1828, el artista, a pesar de su alto estatus, continuaba sus estudios en la Royal Academy, contexto en el que Desnudo masculino, con los brazos extendidos, pudo haber sido pensado para colgar horizontalmente a modo de modelo sobre su espalda, aunque más bien se trata de un estudio para un Descendimiento de la Cruz. Finalmente, hablando del pintor británico en cuestión, era conocido por sus pinturas históricas que contenían figuras desnudas, a menudo acusadas de indecencia.
Jacques Louis David, Desnudo masculino conocido como Patroclo , 1780.
3. Jacques Louis David, Desnudo masculino conocido como Patroclo (1780)
Patroclus, pintura del artista neoclásico Jacques Louis David, realizada en 1780 y actualmente conservada en el Musée Thomas Henry de Cherburgo (Francia), es una obra que muchos han entendido como un estudio, ya que carece de detalles faciales, así como de otros elementos de la composición, destinados a albergar a un hombre recostado de espaldas al espectador. El desnudo, concebido para mostrar un físico imponente, al mismo tiempo que permite al artista demostrar sus habilidades técnicas, utiliza minuciosamente la iluminación para resaltar todos los aspectos de la figura retratada. El mencionado género, dentro de la corriente del Neoclasicismo, del que David fue uno de los máximos exponentes, debía entenderse como una herramienta necesaria para ejercitar y perfeccionar la mano del artista en la comprensión del cuerpo humano, aunque en la etapa inicial de este proceso, se prefería el dibujo al arte pictórico. Finalmente, es obligatorio reportar algunos conceptos básicos del Neoclasicismo, pues sólo este último nos brindará la lectura completa de la citada obra maestra francesa. En resumen, la corriente artística en cuestión buscaba lo bello y lo ideal, haciendo referencia al arte griego, que tanto trabajó para generar obras serenas, sosegadas, con formas elegantes y lejos de un virtuosismo bizarro y extravagante, que se obtendrían a través de una investigación racional. , que tenía que apuntar a formas simples, caracterizadas por una gracia, equilibrio y compostura casi idealizados.
Caravaggio, Amor vincit omnia, 1601-1602. Óleo sobre lienzo, 156×113 cm. Gemäldegalerie, Berlino.
2. Caravaggio, Amor vincit omnia (1601-1602)
En el número dos no podía dejar de poner a un artista de la talla de Caravaggio, creador de Amor vincit omnia, un cuadro en el que el pintor italiano representaba a un joven Cupido desnudo con expresión triunfante, mientras se le coge con las alas abiertas, un arco y un montón de flechas en la mano, símbolos tradicionales de su poder. El triunfo de estos últimos atributos lo confirman también los instrumentos de guerra ahora colocados en el suelo, como si hubieran sido vencidos por la acción del más noble de los sentimientos: el amor. Siguiendo con la descripción del lienzo, si la posición de las piernas de la efigie recuerda a San Bartolomeo en el Juicio Final de Miguel Ángel, la expresión infantil del Amor, llena de ambigüedad anagramática, recuerda el ejemplo de los rostros de Leonardo da Vinci. Por tanto, estos dos maestros inspiraron probablemente el tema más romántico de toda la obra de Caravaggio, destinado, como se anticipó más arriba, a representar una alegoría del poder del amor, plasmada a través de un estilo barroco, capaz de representar la realidad de forma naturalista y dramática a la vez. Mismo tiempo. Finalmente, las razones por las que el artista habría elegido este tema podrían deberse a: Caravaggio podría haberse inspirado en los versos de amor de Virgilio en las Bucoliche, o simplemente quería satisfacer las peticiones de su cliente genovés Vincenzo Giustiniani, mecenas histórico de la pintor
Miguel Ángel, La creación de Adán , 1511. Fresci, 280 cm × 570 cm. Cappella Sixtina, Musei Vaticani, Ciudad del Vaticano.
1. Miguel Ángel, La creación de Adán (1511)
En el escalón más alto del podio encontramos a otro italiano, además de uno de los artistas más importantes de todos los tiempos, el inmortal Miguel Ángel Buonarroti, autor de La Creación de Adán, fresco de la icónica Capilla Sixtina (Ciudad del Vaticano, Museos Vaticanos) , en el que Dios está colocado en el lado derecho, mientras que dentro está suspendido en un nimbo sostenido por ángeles y querubines. En el lado opuesto del soporte se encuentra el desnudo de nuestro interés, destinado a representar a Adán, progenitor de la humanidad, tendido sobre un prado, colocado sobre una ladera cubierta de hierba, colocado sobre un fondo carente de detalles. La decisión de colocar a este último personaje en el primer puesto del ranking se debe a que Adán desnudo, mientras intenta acercar sus dedos a los de Dios Padre, realiza uno de los gestos más icónicos de la historia del arte. . Con respecto a este último movimiento, se sabe que Miguel Ángel quiso inmortalizar el momento en que el Creador, que está a punto de entrar en contacto físico con su criatura, hace todo lo posible para transferirle la chispa de la vida. Seguramente, el maestro italiano se inspiró en la frase del Génesis "Dios creó al hombre a su imagen, ya que los dos cuerpos que creó son bastante similares, es decir, fuertes y robustos. Finalmente, me gustaría proponer la siguiente pregunta: ¿y si Adán y Dios se están alejando realmente el uno del otro? En este caso, el primer hombre sobre la tierra ya se habría embarcado en una vida independiente, manteniendo la mirada fija en Dios, como un niño que, mientras aprende a caminar, se vuelve repetidamente mirando por la mirada segura de su padre.
Olimpia Gaia Martinelli