MUJER NEGRA (2022) Pintura de Sabrina Seck.
Artista emergente: ¿qué significa?
Por lo general, se define a un artista emergente como alguien que se encuentra en las primeras etapas de su carrera, es decir, que todavía está en proceso de refinar su estilo, mientras comienza a obtener cierto reconocimiento de la crítica, al mismo tiempo que trata de desarrollar una conocida representación comercial. He expresado este concepto basándome en las declaraciones más superficiales e introductorias del sitio web NYFA (Fundaciones para las artes de Nueva York), que, declarativamente y sin pensarlo dos veces, admite cuánto la definición anterior no es exhaustiva, ya que el término es sujeto a múltiples interpretaciones que, a partir de distintos parámetros, varían como corrientes marinas en constante circulación, siguiendo a grandes rasgos datos sobre la edad del artista, su trayectoria expositiva y su reputación. Por lo tanto, para tratar el intrincado tema de una manera bastante simplificada, me he esforzado por recopilar, dentro de un Top 10, ni exhaustivo ni ordenado por orden de preferencia, el trabajo de varios artistas de Artmajeur, unidos por el hecho de que su aporte al mundo del arte, representa una etapa preliminar y muy prometedora, que habrá de ser confrontada con una posterior, deseable y futura atención mediática. En consecuencia, entrar en contacto con la obra de estos artistas puede ser sumamente estimulante, ya que puedes ser tú mismo quien contribuya a su eventual y futuro éxito, como si estuvieras interesado en desenterrar tesoros enterrados, que de ser meras reliquias algún día se convertirán en reliquias invaluables de la civilización para ser preservadas en las principales instituciones de arte del mundo. Por tanto, ¿por qué no probar suerte precisamente a través de la compra de una obra “emergente”? ¡Te invito a que no dudes más y comiences a navegar por mi Top 10 ahora! Ah, se me olvidaba, antes de que te pierdas en compras compulsivas, es importante destacar cómo mi ranking da a luz la narrativa de diez artistas, siguiendo un criterio preciso de subdivisión técnica, estilística, cromática y temática, dentro de los cuales se presentan: 3 pintores , divididos por corrientes artísticas a las que pertenecen; 3 escultores, elegidos en base a peculiaridades cromáticas; 2 fotógrafos, con la intención de volver a proponer algunas de las obras maestras del arte más conocidas; 2 artistas digitales, orientado a investigar la figura femenina a través de las nuevas tecnologías. Finalmente, todo este discurso irá necesariamente acompañado de un diálogo continuo con las obras de la gran tradición, que, quizás algún día, ¡nuestros artistas emergentes lleguen a emular con éxito! (Dedos cruzados).
LOS COLORES DE LA CALLE (2020) Pintura de Val Escoubet.
DESPERTAR DESPUÉS DE UNA LARGA NOCHE (2022)Pintura de Péter Duhaj.
Pintores: Hiperrealismo, Surrealismo y Expresionismo
1.El hiperrealismo de Péter Duhaj
Péter Duhaj, pintor hiperrealista húngaro, cita el modelo de artistas contemporáneos de su país, como Zsolt Bodoni, László Nyári, István Sándorfy y Tibor Csernus, en su rica obra figurativa. A través de estos ejemplos, desarrolló su personalísimo punto de vista, aspirando a la consecución de la representación más fiel del dato real, en la que emerge una extrema precisión en el tratamiento del dato cromático, las formas, el movimiento y las emociones, muchas veces personificadas por personajes femeninos que, desde sus cuerpos perfectos, irradian una carga erótica mística. Tal relato también resulta perfecto para describir Despertar después de una larga noche, una pintura bien representada, en su intención figurativa y divulgadora, por las propias palabras del artista: "La idea de esta pintura surgió espontáneamente de un momento vivido después de una fiesta con amigos. La pintura representa a una joven un tanto soñadora que se despierta por la mañana después de una noche salvaje. Su pose, expresión facial y senos expuestos provocan y estimulan al espectador a imaginar diferentes variaciones de lo que la mujer experimentó durante la noche, lo que ella está pensando ahora, cómo se siente. La atmósfera de la pintura atrae al espectador a la historia y se convierte en un actor en ella". Llegados a este punto, si quisiéramos encontrar una obra maestra del pasado que anticipe igualmente, aunque de forma más casta y tradicional, la escena anterior, podemos tomar Resto 2, célebre obra del conocido maestro coreano Chang Hong Ahn. , como ejemplo.
NIÑO HUEVO CON SOMBRERO ROJO (2023) Pintura de Ta Byrne.
2.El surrealismo de Ta Byrne
El surrealismo de Dalí, maestro por excelencia del movimiento, adquiere nuevas formas y mensajes inéditos, a través de la informalidad artística de Ta Byrne, pintora tailandesa que, al mundo profundo e introspectivo del inconsciente del citado artista español , ha aportado, con mayor constancia, un punto de vista decididamente más humorístico, materializado mediante la creación de una dimensión paralela a la nuestra, en la que las figuras humanas son "distorsionadas" por la presencia de elementos de la vida cotidiana, que simplemente se colocan sobre sus caras. Byrne atribuye su modo figurativo de investigación a un "automatismo" de implantación freudiana, según el cual, "cuanto más tiempo se mira un objeto, más abstracto se vuelve e, irónicamente, más real". En este punto me gustaría poner a prueba lo dicho, para experimentar si al mirar a mi madre por un par de minutos, cuando escucho los murmullos del hambre, puedo ver su rostro convertirse en un delicioso huevo frito. , el mismo manjar destinado a cubrir el parecido del protagonista de Egg boy in red hat. Finalmente, el mismo huevo, que a menudo aparece en los retratos surrealistas de Byrne, es ahora, a todos los efectos, una estrella en el mundo del arte, ya que ha sido representado por Hieronymus Bosch, Jean-Baptiste Greuze, Salvador Dalí, Claes Oldenburg, Sarah Lucas, etc.
HONESTAMENTE (2023) Pintura de Young Park.
3.El expresionismo de Young Park
Si realmente queremos asociar la obra innovadora de Park a una corriente artística estandarizada, su particular "expresionismo" viene dado por el uso emocional con el que dispone los colores sobre el lienzo, el soporte en el que cobran vida los rostros de sus personajes, realizados mediante el uso de cromatismos, que aunque a veces no son muy naturalistas, son ciertamente intimistas, introspectivos y de gran impacto psicológico. De hecho, la artista, nacida en Corea del Sur en 1977, explicita sin vacilar que ella, en cada una de sus figuras retratadas, ya sean materiales, inmateriales, masculinas, femeninas, etc., realiza una etapa encaminada a perseguir la conocimiento de su ser, hasta el punto de poder tocar sus pensamientos, que afirman que en la vida no hay realmente una respuesta correcta. Precisamente, sus obras se limitan a captar la única verdad, a saber, la del momento presente, fruto de una profunda intuición, que se rebela contra la imposición desde la existencia del pensamiento universal. Hablando del protagonista de Honestamente, fue captado casi sin querer, dentro de un claro momento de reflexión personal, en el que sus mil ideas parecerían tomar la forma de los suaves matices cromáticos colocados en su rostro, que remiten a una obra maestra del arte relacionada. historia, en la que la pigmentación de la protagonista atravesó un proceso algo similar, aunque más drástico, a saber, Finlandaise (Mujer finlandesa) de Sonia Delaunay-Terk (1907-1908).
OMNIA VINCIT AMOR (ROJO) (2022)Escultura de Andrea Giorgi.
Esculturas y colores: rojo, negro y ocre
4. El rojo de Andrea Giorgi
Se ha elegido el color rojo, dentro de la investigación artística de Andrea Giorgi, escultor italiano nacido en 1974, con recurrencia, pero con moderación, ya que esta tonalidad está ligada a un mensaje específico con el que se han concebido algunas obras, más que a un tono tonal. tendencia dictada por las tendencias estacionales más superficiales. Ponen de manifiesto estas afirmaciones las palabras vertidas por el artista a propósito de la escultura Omina vincit amor, encaminadas a utilizar el mencionado color por ser este último el más adecuado para expresar el concepto de amor, un sentimiento eterno en este caso hecho tangible por el protagonista de la escultura. , quien está atento a observar una pequeña figura hábilmente colocada dentro de su corazón gigante, a saber: su amada mujer. Este mensaje romántico se ve reforzado, tanto por el tatuaje que aparece en el brazo de la protagonista, destinado a volver a proponer el título de la propia escultura, como por el aspecto antiguo de la obra, como si hubiera sido consumida precisamente por la intensidad del amor. . Hablando de narraciones artísticas, por otro lado, el conocido escultor contemporáneo Chen Wen Ling también asoció el rojo con un movimiento profundo del alma, a saber, el de la risa, destinado a animar Red Memory - Smile, una escultura de unos 5 metros de altura, recientemente adquirida por la multinacional china Alibaba Group en su sede de Hangzhou.
BABYFOOT 85 (2021) Escultura de Idan Zareski.
5. La negrura de Idan Zareski.
Black mood: estas dos palabras resumen, en parte, la escultura "oscura" de Zarescki, un artista israelí nacido en 1968, que quiso inmortalizar a través de las tonalidades del mencionado color, a un niño un tanto adulto y viciosamente hosco, para ser interpretado como la representación más clara de esos estados de ánimo nefastos y enojados que nos conducen a los meandros más oscuros y rencorosos de nuestra mente. De hecho, si pensamos en lo que puede desencadenar la ira de un niño, la obra bien podría abandonar esta "severidad" tonal, ya que si bien sus rabietas son molestas, generalmente no conducen a medidas nefastas. Hablando del artista de Artmajeur, Zareski, que vive y trabaja en varios países, ha acumulado en sí mismo un rico bagaje cultural, cuyo trabajo refleja en gran medida sus muchas experiencias. A pesar de tanta riqueza, en la que no sería difícil perderse y desviarse del tema, el artista mantiene su clara identidad figurativa, que recurre a través de la representación de unos pies grandes, que pretenden reflejar los orígenes, así como nuestra conexión, como madre. tierra. Por último, para concluir esta breve disquisición sobre el mencionado color quisiera pedir la ayuda de Fernando Botero, cuya conocida Mano Negra, escultura de la ciudad de Madrid, podría estirarse hacia la del hosco Babyfoot 85, para invitarlo levantarse, sonreír y volver a jugar.
云中君(ODA A LA GALANTÍA) (2022) Escultura de 永昌 赵 (Zhao Yongchang).
6.Amarillo de Yong Chang Zhao.
Como laica occidental que soy, me atrevo a yuxtaponer, un tanto blasfemamente, la Oda a la galantería de Zhao con la conocida imagen de Bastien volando a horcajadas sobre Falkor, propuesta por la popular película de 1984 titulada La historia interminable. Por el contrario, el artista occidental Zhao resulta totalmente ajeno a la realidad que propone la película de Wolfgang Petersen, tanto que su cultura occidental, más sabia y menos materialista, revela la interpretación real de la obra, que pretendemos resumir en las siguientes palabras del propio escultor: "El niño y el caballo dragón se sienten y se fusionaron. El niño tiene el poder inmortal y la naturaleza divina del caballo dragón, y el caballo dragón tiene la sabiduría y el coraje del niño. Se llevaron las nubes y viajó por todo el mundo, haciendo este mundo más justo y ligero". De ello se deduce que, aunque de maneras completamente diferentes y a pesar de la mayor conciencia y profundidad introspectiva de Zhao, los amigos de la escultura y la película, que juntos enfrentan mil vicisitudes, también se convierten en un símbolo de la fuerza de dos mentes que, persiguiendo el bien común. , actuar al unísono hacia el logro de los más altos valores de la humanidad. Finalmente, en cuanto al tema del color, el amarillo de la escultura de Zhao me recordó un tono que Medardo Rosso usaba a menudo para dar vida a sus muchas cabezas, incluida The Concierge, una obra de 1883 hecha con cera amarilla.
LA ODALISCA CON EL CULO BLANCO (2020) Fotografía de Mathilde Oscar.
fotografía y remakes
7.Mathilde Oscar y La Gran Odalisca
Mathilde Oscar, artista francesa nacida en 1980, se interesó primero por la pintura, luego por la Historia del Arte y el diseño gráfico, descubriendo solo más tarde su mayor pasión por la fotografía, técnica a través de la cual traspuso sus ideas figurativas, fuertemente inspiradas en la obra del grandes maestros de la pintura romántica y neoclásica. Tales temas extraídos del pasado se unen a la narrativa de los tiempos modernos y tecnológicos, ya que el artista combina los códigos de la pintura clásica con la fotografía y la manipulación digital, generando una narrativa cuya sensualidad, picardía e ironía se ve sumamente potenciada por un enfoque luminoso, destinado en recrear la atmósfera de las obras maestras más famosas. En la interpretación de esta última, sin embargo, aparece una fuerte vena anacrónica e inconformista que, situada en un espacio-tiempo desconocido, genera personajes femeninos sumamente contemporáneos, tan orgullosamente sensuales, guiños, fanfarrones y carismáticos. Un ejemplo de lo que se acaba de decir es la fotografía La odalisca con el trasero blanco, cuyo irreverente título ya nos pone en la mira de la profanación de la obra maestra de Jean-Auguste-Dominique Ingres, La gran odalisca (1814), en la que el La pose sensual de la modelo estuvo acompañada de una sonrisa tranquila y tímida, mientras que en la versión de Oscar el fotógrafo nos muestra algo más sobre las nalgas, acompañando tal vista con una expresión facial arrogante, guiñando un ojo y extremadamente confiada que parece decir: te mostraré mi trasero, ¿y qué?
DESAYUNO EN LA HIERBA #2. DESPUÉS DE ÉDOUARD MANET (2017) Fotografía de Marta Lesniakowska.
8.Marta Lesniakowska y Desayuno sobre la hierba.
Cuando un artista contemporáneo se acerca a una obra maestra "clásica", no siempre la vuelve a proponer realzando y cambiando sus detalles, ya que hay momentos en que estos grandes ejemplos del pasado son admirados y reproducidos como si se observaran desde lejos. generando un nuevo punto de vista sobre el tema, que parece, dada la distancia, dejar intacto el aura sagrada de la historia, abrir un nuevo capítulo sin “desfigurarlo”. Esto es lo que pensé cuando vi Desayuno sobre la hierba #2, obra original de Édouard Manet, reproducida en la versión de Lasniakowska, artista, fotógrafa y crítica de arte, cuya investigación artística persigue el intento de traer a la memoria imágenes familiares en para transmitirlos e interiorizarlos en el contexto del siglo XXI. Por otro lado, en cuanto a las variaciones que sufrió Desayuno sobre la hierba a través del punto de vista del artista en Artmajeur, es indiscutible cómo el tono oscuro y desteñido de la fotografía rechazaba provocativamente el puro color impresionista original para plasmar la idea de pasar el tiempo y la memoria imperfecta, de los que el medio fotográfico es portavoz indiscutible y única huella. Finalmente, el encuadre lejano se inspira en el romanticismo, uniendo así la obra de Manet con el punto de vista de Caspar David Friedrich, en cuya obra recurren extensiones naturales con el fin de dramatizar la imagen.
ANA ISABEL (2023) Arte digital por Carla Sá Fernandes.
Arte digital y sujetos femeninos
9. Las mujeres digitales de Carla Sá Fernandes
Es indiscutible cómo el color es parte integral de la obra de Carla Sá Fernandes, en tanto, en cada ocasión, o casi en cada ocasión, está presente de manera principal e indiscutible, ya sea en pintura o pintura digital, ya sea en obras figurativas, la de predominantemente abstracción lineal y goteante. De hecho, como revela la biografía de la artista, Fernandes, una artista portuguesa nacida en 1971, utiliza el medio de la pintura para explicar sus experiencias y emociones, precisamente mediante el uso de combinaciones de colores espontáneas y vívidas. Sobre la pintura digital Ana Isabel, por otro lado, podemos pensar en esta obra como una gran innovación de la modernidad, ya que los grandes maestros del pasado no podían representar a la mujer tan vívidamente, de hecho, podemos pensar en otra mujer con rojo. cabello representado, decididamente con más sobriedad, por Degas, como el de Retrato de una mujer joven de 1867.
QUÉ SOMOS... (2022) Arte digital por Masa Zodros.
10. Mujeres digitales de Masa Zodros.
Masa Zodros es una artista especializada en la manipulación fotográfica, técnica en la que da espacio, principalmente, a retratos de personas de color, sujetos que son capturados en épocas del pasado o situaciones surrealistas, mitológicas y culturales, ejecutados mediante el uso de software, comenzando con la modificación de modelos observados en su estudio. El propósito de esta obra nos lo hace explícito el artista, que quisiera crear versiones del hombre y la mujer negros exentos de nuestra historia, rica, por el contrario, en hechos dramáticos de dominación, explotación y alienación. . Más allá de estos tristes hechos, Zodros imagina una realidad fuera del tiempo, es decir, una dimensión más justa en la que su pueblo podría haberse desarrollado, logrando una expansión cultural más equitativa, teniendo lugar en estructuras e instituciones más parecidas a ellos. Esta última intención artística subyace también en What We Are, una obra en la que, la máscara de la protagonista, me remite al tema de Les Fétiches (1938), obra maestra de Lois Mailou Jones, una artista negra que luchó por el reconocimiento de la historia, la cultura y los derechos de los negros.
¿Ya elegiste a tu artista emergente favorito?
Olimpia Gaia Martinelli