¡Impresionismo francés contra todos!

Armen Ghazayran, Vista desde la ventana , acrílico sobre cartón, 50,8 x 40,6 cm.

Cuando nos hablan del impresionismo, por lo general, nos viene a la mente la imagen del "típico" pintor francés barbudo y algo "clochard", que, empeñado en pintar con las manos manchadas de color, cobijado bajo una sombrilla o un sombrero, está listo para capturar el cambio de estaciones, luces, sombras y colores, tiempos para manifestarse en el mismo tema o múltiples. Tal representación mental, probablemente viciada por los propios rasgos de Claude Monet, "bo$$" de la corriente artística por excelencia, lleva a reflexionar sobre el hecho de cómo, el impresionismo francés, se impuso con fuerza en nuestra concepción, muchas veces "eclipsando". la curiosidad de conocer interpretaciones "extranjeras" de una misma corriente. El tema de la representación de la mujer dentro del género paisajístico parece perfecto para comparar el estilo parisino con los estilos americano, italiano y español, es decir, sólo algunos de los múltiples puntos de vista que han surgido sobre dicha corriente. Comenzando por el maestro más famoso, El paseo sobre el acantilado de Monet (1882) sumerge literalmente la figura de la mujer en la naturaleza, un mundo físico dentro del cual, la fusión y la armonía cromática conducen a la percepción del ser humano como una "extensión" de el acantilado mismo. Además, a la descripción anterior se añaden los rasgos típicos de la interpretación femenina de Monet, quien, en obras maestras de la talla de El paseo (1875) y Las amapolas (1873), ya había representado a mujeres provistas de los vestidos "escénicos" de la tiempo acompañados de "revoloteando" sombreros y sombrillas. Tal modo de representación femenina parece ser "estudiado", para enriquecer el paisaje con figuras deliciosas, que, bien vestidas, aportan a la naturaleza la gracia de la feminidad más plácida y "superficial", entendida como forma silenciosa de ser contemplado en su belleza. Volviendo por un momento a la obra maestra Walk on the Cliff, es importante relatar cómo, la icónica pintura, ubicada en el Art Institute de Chicago, representa un genuino fruto de la sensibilidad del maestro, quien creó una imagen fresca, inmediata, profunda y luminosa. composición, dentro de la cual se pueden identificar tres masas distintas, a saber, la del cielo del mar y la del acantilado, en las que hábilmente inserta las figuras de las dos mujeres, las velas en el mar y las nubes en el cielo. Una visión del género femenino centrada más en una interpretación "introspectiva" e "íntima", aunque todavía delicada y estudiadamente elegante, nos la proporciona en cambio una obra posterior de 1872, que, titulada Primavera, enmarca más de cerca la imagen de Camille Monet, que, silencioso y absorto en la lectura, se ve atrapado en una escena típicamente doméstica, que tiene lugar en Argenteuil, un pueblo al noroeste de París al que el pintor se trasladó con su familia en 1871.

Claude Monet, Paseo sobre el acantilado , 1882. Óleo sobre lienzo. Chicago: Instituto de Arte de Chicago

John Singer Sargent, El arroyo negro , c.1908. Pintura al óleo sobre lienzo. Londres: Tate.

El impresionismo americano "respondió" a Monet eliminando el libro y, en consecuencia, aumentando la carga emotiva de la efigie, que se encuentra "perdida" en su propia interioridad, tal como se ve en The Black Brook (1908) de John Singer Sargent y Retrato de una joven de Mary Cassat (1899). Hablando de la primera obra maestra, el sujeto pensativo y solitario que retrata el conocido pintor estadounidense es la sobrina del artista, Rose-Marie Ormond, que en ese momento tenía 15 años y estaba sentada junto a un arroyo en Aosta, un pueblo en norte de Italia. Es precisamente esta ambientación naturalista la que sirve al pintor como segundo eje de la obra, que persigue el intento de captar el movimiento de luces y sombras sobre el arroyo, las flores y el vestido de la niña, a través de un grueso y poco elaborado "trazo" pictórico. ." En cuanto a Mary Cassat, su interpretación "análoga" de la figura femenina tiene lugar en o cerca del Château Beaufresne, es decir, en las inmediaciones de la casa que la artista había comprado en 1894 en el valle del río Oise, a unas cincuenta millas al noroeste de París. Tal vista, sin embargo, se ve enriquecida por un mirador elevado, que hace que el espacio sea plano y sin horizonte, elementos que pretenden sugerir la importante influencia que el arte japonés ejerció sobre el pintor extranjero. Hablando de Italia, en cambio, la pintura del Macchiaiolo Giovanni Fattori se convierte en evidencia de cómo, a las típicas sombrillas de parasol y poses "escenográficas" de Monet, se pueden acompañar actitudes más íntimas y solitarias, encaminadas a despojar al sujeto, en parte, de su feminidad más frívola. Tal "objetivo" perseguía la artista toscana en Dama al aire libre (1866), óleo sobre tabla conservado en la Pinacoteca de Brera (Milán), en el que la idea de recuerdo nos la da el uso de una paleta predominantemente oscura, que, tendiendo al marrón, envuelve la efigie como una especie de "aura" melancólica destinada a traer silencio, soledad y reflexión. Además, el rostro de la mujer está oscurecido por la sombra de la propia sombrilla, bajo la cual, misteriosamente, se revelan los rasgos de una figura sin rostro, es decir, sin ojos, boca, nariz, etc. Sin embargo, para alegrar los pensamientos de la mujer interviene el sol providencial, estrella luminosa que da lo mejor de sí para hacer brillar el blanco del vestido largo de la protagonista de la mesa. Finalmente, hablando "español", llegamos a uno de los exponentes más conocidos del impresionismo en la Península Ibérica, Joaquín Sorolla, quien en Instantánea, Biarritz, obra de 1906, muestra grandes afinidades con Monet, habiendo creado un estilo típicamente veraniego. cuadro, en el que la protagonista, vestida de blanco y representada en el centro de la obra, es casi con seguridad la propia mujer del artista, Clotilde Garcià del Castillo. La mujer, realizada con pinceladas rápidas y toques de color, caracterizada por unos toques cromáticos con el fin de realizar las figuras, parece ser la prima lejana española del Camille Monet de El Paseo (1875), obra que Monet realizó a partir de un encuadre figurativo, espacial y luminoso diferente. La historia del impresionismo mundial continúa a través del trabajo de artistas de Artmajeur que interpretaron una de las corrientes más icónicas del arte, como Yue Zeng, Xuan Khanh Nguyen y Natalya Savenkova.

Yue Zeng, Estudio de paisaje #9 fardos de paja , 2021. Óleo sobre lienzo, 27,9 x 35,6 cm.

Yue Zeng: Estudio de paisaje #9 Balas de paja

El óleo de Zeng representa, a través de múltiples y fugaces pinceladas de estilo puramente impresionista, un extenso y soleado campo de trigo, dentro del cual, a la derecha, se perfila la figura del protagonista indiscutible de la obra, concretamente uno de esos típicos fardos de paja que, múltiples y silenciosas, se disponen sobre los paisajes rurales, transmitiendo al espectador toda la incomunicabilidad inherente a la presencia de un ser inanimado. Tal descripción podría ser en parte "reciclada" para describir una de las obras maestras indiscutibles del movimiento mencionado, que inmortalizó un tema similar: los pajares. La obra en cuestión, creada por Monet, titulada Haystacks, End of Summer y fechada en 1890, forma parte de una serie de pinturas en las que el maestro francés, como era su costumbre, diseccionaba un mismo tema inmortalizándolo desde múltiples puntos de vista luminosos. En este caso particular, el artista se dirigió específicamente a un campo no muy lejos de Giverny, lugar en el que operó durante varios meses, para registrar fielmente las condiciones climáticas cambiantes. Entre las muchas realizaciones, la de 1890 destaca por su representación sobre el lienzo soporte de un paisaje bañado por la luz del sol, dentro del cual se impone la presencia de dos gavillas solitarias de espigas de trigo, entre las cuales, la de la derecha, por estar más cerca para el espectador, resulta ser mucho más grande que el segundo, a pesar de que este último en realidad está un poco más alejado. Finalmente, los dos mudos racimos de trigo casi parecen mirar románticamente al horizonte, en el que, a lo lejos, su presencia es reemplazada por la de árboles y colinas, dominadas por un cielo despejado de nubes.

Xuan Khanh Nguyen, Fila de árboles rojos #12 , 2023. Acrílico sobre lienzo, 60 x 50 cm.

Xuan Khanh Nguyen: Fila de los árboles rojos #12

Frederick Childe Hassam Pintor impresionista estadounidense nacido en 1859 creó Celia Thaxter's Garden, Isles of Shoals, Maine en 1890, un cuadro que representa la culminación de su producción, que tuvo lugar durante los veranos de finales del siglo XIX, pasados en el local de Appledore Island (New Hampshire), en el suntuoso jardín de la poetisa Celia Thaxter, íntima amiga del artista. El concepto detrás del éxito de esta obra es precisamente el contraste cromático, que el pintor ha sintetizado en la representación del rojo de las flores y el blanco del terreno rocoso, que, a lo lejos, proporcionan un telón de fondo en perspectiva junto con el océano. . Las sensaciones que proporciona la citada combinación tonal originan un claro estímulo de los sentidos, que, encendidos por el rojo y suavizados por los tonos pastel, pretenden reiterar el aspecto salvaje de las flores, triunfantes sobre el equilibrio horizontal del fondo tranquilo. Esta descripción tiene puntos en común con la pintura del artista Artmajeur Nguyen, cuya obra, titulada Fila de los árboles rojos #12, parece mostrar flores "sobrecrecidas", que, al convertirse en árboles rojos, se imponen en la composición, captando la atención del espectador. ya que se ven realzados por la serenidad del cromatismo circundante. Sumando a esto las propias palabras del artista, el acrílico “flamboyante” perseguiría la intención de contar la historia de la rutina de las colegialas vietnamitas que, vestidas según la tradición local, concretan, a través del arte, la narrativa de la cotidianidad más sencilla.

Natalya Savenkova, Italia pintando Riomaggiore , 2022. Óleo sobre lienzo, 30 x 40 cm.

Natalya Savenkova: Italia pintando Riomaggiore

La habilidad de un pintor es captar la belleza, o el significado, de lo real, escudriñando cuidadosamente con sus ojos lo que lo rodea, para "recomponerlo" en visiones reveladoras, capaces de demostrar a la humanidad el poder de la creación. Estas frases, de tendencia más bien romántica, parecen adquirir un valor "menor", si uno se encuentra en un lugar de la talla de Riomaggiore (Liguria, Italia), destino turístico por excelencia en el que la naturaleza, en primer lugar, se impuso. como un artista magistral, capaz de combinar vistas y colores, digno de un Pigmalión contemporáneo que, después de crear tal obra maestra, debería haberse enamorado de ella sin permitir que el hombre la disfrutara. Es precisamente en este contexto que el trabajo del artista aparece casi facilitado, ya que las Cinque Terre ofrecen en todas sus variantes excelentes claves visuales ya preparadas. Dentro de la historia del arte, un ejemplo de "este arte dentro del arte" nos lo ofrece la producción del florentino Macchiaiolo Telemaco Signorini, quien, tras enamorarse de Riomaggiore, se instaló allí en la segunda mitad del siglo XIX, un periodo en el que inmortalizó la villa desde diferentes puntos de vista y ángulos, expresando su amor por el lugar con estas palabras: "Entre ese precipitado de bóvedas y escaleras bajamos al angosto desfiladero del puerto de escala, al puerto deportivo, y hubo el despertar de nuestros sentidos". La artista Artmajeur Savenkova parece hacer resonar tal "composición" en su visión de Cinque Terre, ofreciéndonos una perspectiva que nos recuerda, de manera única y original, los paisajes de Liguria del maestro toscano.