Pintar en amarillo

Peter Nottrott, Yellow Symphony XL 1 , 2021. Acrílico sobre lienzo, 105 x 155 cm.

Los múltiples y contrastantes significados del color amarillo

El color amarillo “posee una cualidad suavemente estimulante de serenidad y alegría. Se muestra extremadamente sensible, sin embargo, produce una imagen desagradable cuando se ensucia… Un leve e imperceptible movimiento basta para convertirlo en el color de la infamia, la repugnancia y la incomodidad. ..."

Las palabras de Johann Wolfgang von Goethe, uno de los más grandes escritores, pensadores e intelectuales de todos los tiempos, autor de la obra Teoría del color , en la que el amarillo se convierte en el único color primario junto con el azul, son perfectas para introducir una pura "cromo- vista "terapéutica" de dicho tono. De hecho, según esta moderna medicina alternativa, el amarillo, color del sol y dorado, ayuda a recuperar la vitalidad y la energía, tanto que, desde el antiguo Egipto, se asociaba al dios Sol, que representaba la fuerza y la vitalidad. Entrando en detalles, en la terapia del color, el amarillo se considera un color que tiene efectos muy fuertes en la psique, ya que puede estimular la parte intelectual del cerebro y ayudar a la concentración. Además, también representa el deseo de cambio que infunde positividad, alegría y protección. Es precisamente por estas características que el amarillo se utiliza en terapias de apoyo para combatir la depresión y la apatía, así como malestares de carácter psicosomático. Sin embargo, volviendo a las palabras de Goethe, también hay un "lado oscuro" en el matiz antes mencionado, que, muchas veces, se ha asociado con la cobardía, la enfermedad y la debilidad mental. A pesar de estos últimos aspectos, sin embargo, la visión predominante de este color permanece indeleblemente ligada a la sensación de calidez, luminosidad y, en consecuencia, positividad.

Norris Yim, Nameless 2722 , 2022. Acrílico sobre lienzo, 70 x 60 cm.

Mona Hoel, The talk - morning , 2021. Témpera sobre madera, 50 x 50 cm.

Amarillo en la historia del arte

Debido a que estaba ampliamente disponible y era fácil de mezclar, el pigmento amarillo ocre, en todos sus tonos más diversos, fue uno de los primeros colores utilizados en el arte. De hecho, apareció, tanto en las civilizaciones prehistóricas, egipcias y romanas, donde se utilizó para la creación de pinturas ricas en una amplia gama de gradaciones amarillentas, obtenidas precisamente por la mayor o menor presencia de este pigmento de óxido férrico. Sin embargo, para la creación del amarillo, los egipcios y los romanos también se servían del orpimentum, o cristal de sulfuro de arsénico, del que se obtenía un amarillo puro y brillante, superior en consistencia e intensidad a cualquier ocre. Ejemplos del uso de dicho mineral se encuentran en los frescos de Pompeya y en la tumba de Tutankamón, donde se recuperó una pequeña caja de color con pigmento de oropimente. Hablando de la época medieval, por otro lado, el color amarillo se usaba a menudo para hacer la luz de Dios como sustituto del oro, que definitivamente era mucho más caro. Al mismo tiempo, sin embargo, este color comenzó a ser denigrado, ya que se usaba para denotar parias, a saber, prostitutas, leprosos, judíos y vagabundos. El amarillo fue rehabilitado recién en el siglo XIX, gracias a las investigaciones de los románticos e impresionistas, que se centraron en captar los cambios de iluminación solar y la influencia de la atmósfera en la percepción visual del paisaje. Ejemplos de lo anterior son las obras de William Turner, quien estaba enamorado del amarillo indio, y Vincent van Gogh, quien estaba literalmente obsesionado con el amarillo cromo. En cuanto a la tonalidad amada por el maestro inglés, el amarillo indio, procedente de Asia, fue descubierta por los ilustradores europeos recién a finales del siglo XVII, época en la que registró un enorme éxito, ya que, siendo muy brillante y vivaz, era perfecta para recrear los rayos del sol sombreados en el aire. El amarillo indio, sin embargo, tenía un gran defecto: apestaba a las alturas. Esto se debía a que se producía a partir de la orina de vacas alimentadas exclusivamente con agua y hojas de mango, las cuales, debido a los desequilibrios que engendraba esa dieta, producían micciones extraordinariamente desoladas y coloridas. Estos últimos eran cuidadosamente recogidos por los pastores y, posteriormente, hervidos y filtrados, y luego mezclados con un poco de polvo para darles consistencia. El final del procedimiento, por otro lado, era crear pequeñas bolas de "orina", que luego se secaban en un horno, dando como resultado las bolas de color amarillo indio. En lo que respecta a Vincent van Gogh, en cambio, El amarillo cromo, a base de cromato de plomo, puede considerarse una especie de firma pictórica de muchas de las obras del maestro holandés, incluidos los famosos Girasoles . Cabe destacar cómo, según algunos rumores populares, Van Gogh estaba tan loco por este cromo que llegó a comerse el color directamente de los tubos de pintura, en la creencia de que éste le traería felicidad. Además, pocas personas saben que Van Gogh estaba afectado por la xantopsia, que es una particular distorsión de la percepción que le hacía ver el mundo a su alrededor más amarillo de lo normal. En conclusión, a pesar del loco amor del maestro holandés por el mencionado color, no fue el único que apreció tal tonalidad, tanto que hay muchas obras maestras "en amarillo" en la historia del arte, como, por ejemplo: El cazador de Miró, Impresión III de Kandinsky, Alegría de vivir de Matisse y El Cristo amarillo de Gauguin.

Sabina D'Antonio, Sol de verano , 2020. Acrílico/stencil/collage/tela sobre lienzo, 100 x 100 cm.

Gustaf Tidholm, Líneas Lemos , 2022. Acrílico sobre lienzo, 60 x 60 cm.

Obras "en amarillo" de artistas de Artmajeur

El amor por el amarillo continúa en el arte contemporáneo, atravesando múltiples estilos, técnicas y tonalidades cromáticas, con el objetivo de perseguir el mismo propósito de vivificar, con la calidez, el brillo y el positivismo del mencionado color, el espíritu de los usuarios y de los propios artistas. De hecho, basta una obra en amarillo para llevar optimismo a cualquier ambiente, favoreciendo el desarrollo de sentimientos de alegría, vivacidad, extroversión, ligereza, alerta, concentración y apertura al crecimiento y al cambio. Tales sentimientos están bien expresados por las obras de los artistas de Artmajuer y, en particular, las de Gloria Ballestrin, Iris White y Jerome Cholet.

Gloria Ballestrin, Codo amarillo , 2020. Escultura, Madera sobre madera, 47 x 22 cm.

Gloria Ballestrin: Codo amarillo

Las esculturas de animales, realizadas en las múltiples tonalidades del amarillo, se han convertido ya en un "must" en el mundo "Pop" del arte contemporáneo, tal y como lo demuestra el imponente gorila instalado en Murray Hill (Nueva York) por el artista franco-tunecino Idriss B. El animal, el más vistoso de todos, se suma a una serie de obras igualmente vistosas, que, ubicadas entre las calles 34 y 38, permanecerán expuestas hasta febrero de 2023. Este simpático gorila poligonal se puede comparar con el conejo de Gloria Ballestrin, que, hecho de madera amarilla, reproduce, de forma muy sintética, las mil "facetas" de la superficie escultórica de la obra de Idriss B. A pesar de esta simplificación, el artista de Artmajeur ha creado una obra llena de sentido, ya que, como él mismo afirma, pretende mostrar el carácter "vanguardista" del conejo, superando el estereotipo de que dicho animal es sólo tierno y tierno.

Iris White, Yellow 3D wall , 2022. Acrílico sobre lienzo, 50 x 50 cm.

Iris White: Pared 3d amarilla

Una obra maestra del arte informal, o de ese tipo de abstracción que apareció por primera vez en la década de 1940 en Europa, que renuncia a cualquier forma y se compone únicamente de signos y colores dispuestos libremente sobre el lienzo, es Concetto spaziale, Attese, una pintura realizada en amarillo por el el icónico maestro italiano Lucio Fontana. Esta obra, parte de la serie más famosa del artista, a saber, Concetti spaziali (Conceptos espaciales), fue creada a través del gesto simple y violento de romper el lienzo, persiguiendo el propósito de traspasar los límites del campo pictórico, cuestionando su bidimensionalidad. . También de color amarillo, pero con una finalidad totalmente opuesta, es la pintura del artista de Artmajeur Yellow 3d wall , en la que se buscan otras dimensiones aportando materia pictórica, que, llamativamente en relieve sobre el soporte, contrasta vivamente con el mencionado concepto de destruyendo, y por lo tanto eliminando, partes del lienzo.

Jerome Cholet, Augusta graffiti yellow , 2020. Collage/acrílico/spray sobre lienzo, 40 x 30 cm.

Jerome Cholet : Augusta graffiti amarillo

Ciertamente, entre los autorretratos "amarillos" más icónicos de la historia del arte se encuentra el de František Kupka, que data de 1907 y se titula La escala amarilla . Esta obra maestra, conservada en el Museo de Bellas Artes de Houston, Texas, inmortaliza al artista a la edad de treinta y seis años, elegantemente sentado en una mecedora, empeñado en fumar y, probablemente, reflexionando sobre un libro a medio cerrar que sostiene en su mano derecha. Sin duda, sin embargo, el verdadero protagonista de la obra es el color amarillo, que se celebra en todas sus tonalidades, convirtiendo la pintura en una suerte de híbrido entre lo figurativo y lo abstracto. En este contexto, el retrato de la famosa modelo Augusta Alexander, creado por el artista de Artmajeur Jerome Cholet, encaja bien en un collage destinado a celebrar tanto la fama de la protagonista como el poder impactante de los vívidos y predominantes tonos de amarillo.