Breve introducción

Mi impulso de escribir está dictado puramente por el deseo de mostrarles dos realidades paralelas del arte, a través de las cuales ahora se superponen dos visiones de la maternidad por excelencia, en cada caso explicitadas a través de la imagen icónica de una madre atrapada en compañía de su tierno niño. De hecho, si bien las representaciones de este último vínculo íntimo han representado durante mucho tiempo una miscelánea de escenas cotidianas, acompañadas al unísono de una iconografía religiosa más rigurosa, es importante destacar cómo en un pasado ya lejano, y más concretamente durante las épocas medieval y renacentista , la narrativa figurativa occidental sobre la maternidad asumió exclusivamente la forma de la Virgen y el Niño sagrados, ilustración inequívoca e inequívoca de los conceptos de creación, pureza y amor por el niño, pero también del vínculo mismo con lo divino, como la Virgen aceptó incondicionalmente su destino de madre impuesto desde arriba. La coexistencia de lo sagrado y lo profano, en relación con el tema antes mencionado, fue cobrando protagonismo de manera paulatina, sin duda por el impulso de personajes como Caravaggio, quien, durante el siglo XVII, representó la maternidad divina como una forma más humana y acontecimiento terrenal. A pesar de este "debut", el éxito de las "Vírgenes profanas" se materializó recién entre finales del siglo XIX y el siglo XX, época en la que la representación del común de los mortales se asoció a una nueva visión de la maternidad, a veces apta también para resaltar aspectos del dolor y la sufrimiento, bien resumido por la narrativa expresionista y la representación del inconsciente de autores como Egon Schiele.

MATERNIDAD 9 (2023) Pintura de Madeline Berger (MadB).

Sagrado y profano: la comparación

Hemos llegado al intento de asociar algunas de las Vírgenes con el Niño más conocidas de la historia del arte con obras maestras seculares posteriores, para desvelar afinidades inéditas, que, mediante la simple asociación de lugares, colores y gestos, nos llevan a reconocer aspectos recurrentes de la maternidad, vínculo a entender como una verdadera extensión de la vida de la mujer, continuada en la de un nuevo ser, que debe forjarse sabiamente con los cuidados y atenciones adecuados, que nos llevan a agradecer a nuestros generadores con el siguiente mensaje liberador declaración: ¡viva las madres! Así, pensando en dedicar este cuento a la mía, emocionándola tanto como en el estreno de un recital de tutús infantiles, empiezo con Giotto, creador icónico de la Natividad de Jesús (1303-05), un fresco en el que, a pesar de múltiples puntos de interés, la Virgen permanece completamente absorta mirando a su hijo, acción que encuentra su escenario en un paisaje rocoso, donde se impone la presencia de un establo de madera, cerca del cual se encuentra un asistente, el buey y el burro, además de José dormido , aparecen también los pastores y su rebaño y cinco ángeles: cuatro atentos a dirigir gestos de oración al recién nacido, mientras que el quinto se encarga de instruir a los citados pastores sobre el milagroso acontecimiento. La misma choza de Giotto nos lleva al lugar similar donde Giovanni Segantini ambientó el cuadro Las dos madres (1889), obra en la que no sólo hay una maternidad profana, sino también un ejemplo animal del género. En efecto, dentro de un establo iluminado por una lámpara de aceite, se nos presenta una doble visión de la mencionada afectividad: una joven madre, sentada en un taburete de ordeñar y vestida con sencillez, es sorprendida en sueños mientras guarda amorosamente a su bebé en brazos, mientras , a la izquierda del apoyo, una vaca, capturada en el momento de alimentarse de un comedero, acerca su cuerpo al de su cría, sorprendida descansando plácidamente casi camuflada entre la paja. De las afinidades de lugar pasamos ahora a las cromáticas, empezando por el dorado de Cimabue y terminando con el amarillo "cercano" de Vincent van Gogh, es decir, analizando la Virgen de Santa Trinita (1260-80) y Madame Roulin y su bebé (1888). ).

Giotto, Natividad de Jesús , c. 1303-1305. Fresco, 200 × 185 cm. Padua: Capilla Scrovegni.

Vincent Van Gogh, Madame Roulin y su bebé , 1888. Óleo sobre lienzo, 63,5 cm × 20,3 cm. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte.

Hablando de la primera obra maestra brillante, la témpera sobre tabla del maestro florentino inmortaliza a una Virgen colocada en el centro del retablo, una figura que está sentada en un imponente trono arquitectónico, desde el cual se muestra dispuesta a llevar a Jesús, Niño que es rodeado, junto con su madre, por cuatro ángeles a la derecha y cuatro a la izquierda, mientras abajo toman forma las figuras de los cuatro profetas realizadas de medio cuerpo. La importancia de esta obra maestra radica en que representa un claro ejemplo de la pintura madura del maestro toscano, realizada a través de recursos estilísticos capaces de innovar la tradición bizantina anterior, capaces de dar a la figura humana un aspecto más natural y menos estereotipado. En cuanto a Van Gogh, en cambio, su brillante obra representa una investigación figurativa "separada", en el sentido de que su visión del mundo, y en consecuencia de la especie humana, estaba vagamente estructurada con respecto a la tradición, porque el atormentado artista holandés seguía exclusivamente los movimientos de su alma, lo que, en este caso, llevó a la creación del vigoroso retrato de Agustín y su pequeña hija Marcelle, es decir, una de las muchas obras que el maestro dedicó a la familia Roulin, creada unos seis meses después el artista se mudó de París a Arles. En conclusión, el vínculo entre el presente y el pasado se repite en los gestos, particularmente en el de amamantar, capturados tanto por la Virgen de la leche de Ambrogio Lorenzetti (1324-25) como por la Maternidad profana de Auguste Renoir (1885). La primera obra maestra se considera el pináculo de una tendencia del siglo XIV a representar la iconografía de la Virgen de la Leche de una manera menos estilizada y más realista, lo que, en este caso particular, se produce al perder la frontalidad propia de los iconos bizantinos. para volver amorosamente a la Virgen hacia el niño Jesús. La misma delicadeza de intención, probablemente, fue perseguida por el mencionado maestro francés, quien, en la pintura de 1885, aprovecha para inmortalizar un tema que, como protagonista de una serie de obras, pretende representar a su futura esposa Aline. mientras amamanta al pequeño Pierre. Finalmente, al igual que en el pasado, el tema de la maternidad sigue estando muy de moda en el arte contemporáneo, hecho que se puede comprobar a través del análisis de algunas obras de artistas de Artmajeur, como por ejemplo, Mujer cargando la vida de Corbello, Madre de Jayr Peny y Mujer y pájaro de Anne Christine Fernand Laurent.

MUJER QUE DA VIDA (2021)Escultura de Corbello.

Corbello: Mujer que da vida

El título de la oscura escultura de Corbello expone con extrema claridad, y por tanto sin dejar lugar a dudas en la mente del espectador, la tarea del cuerpo grávido de la protagonista, cuna destinada a contener, proteger y nutrir, así como posteriormente dar a luz, una nueva vida. De manera similar, sin embargo, ocurrió el "nacimiento" del escultor de Artmajeur, quien, luego de concebir idealmente la mencionada obra y nutrirla con su pensamiento, tomó en sus manos las herramientas para darle vida y forma concreta en el mundo real. Una acción similar realizó Pablo Picasso, quien fue igualmente autor de una imagen de la vida por excelencia, que, realizada a través del medio eternamente generador del arte, se concretó en la escultura titulada Mujer embarazada (1950), obra en yeso , madera y cerámica conservada en el MoMA (Nueva York), en la que son bastante visibles las vasijas que componen los senos y el útero dilatado de la efigie, probablemente realizadas para expresar una especie de cumplimiento del deseo de la artista de tener un tercer hijo. De hecho, parece que en su momento la pareja de Picasso, Françoise Gilot, con la que vivió entre 1946 y 1953, se negó a tener otro hijo con él, tanto que el célebre artista trató de convencerla realizando la propia escultura citada, que convirtiéndose a todos los efectos en una especie de tótem de la fertilidad, lamentablemente fracasado en sus intenciones persuasivas. Finalmente, en lo que al arte contemporáneo se refiere, cabe mencionar la escultura Pregnant woman (2002) de Ron Mueck, una obra hiperrealista realizada en fibra de vidrio, silicona y cabello humano, que tomó forma a partir del estudio cuidadoso de una modelo, libros, fotografías y temáticas. dibujos, "recompuestos" para lograr el modo de ejecución más perfecto.

"MADRE" (2022) Pintura de Jayr Peny.

Jayr Peny : Madre

Siguiendo ejemplos de la tradición figurativa más clásica, la Madre de Peny podría haberse inspirado en obras maestras de composición similar, como, por ejemplo, la Virgen y el Niño (c. 1320) del Maestro di San Torpè, la Virgen y el Niño (c. . 1485) de Lorenzo Di Credi, la Virgen y el Niño (c. 1445-50) de Beato Angelico, etc. Pero ¿y si abandonamos los pilares del arte occidental y buscamos los modelos de la Madre en la producción creativa de Oriente? Seguramente nos encontraríamos con la obra de Kitagawa Utamaro, pintor y dibujante japonés considerado uno de los grandes artistas del ukiyo-e, o esa típica xilografía, a través de la cual dio vida a Midnight: Mother and Sleepy Child (1790) , una obra maestra que, representando el amor armonioso de una madre por su hijo, forma parte de la conocida serie titulada "Fuzoku Bijin Tokei", literalmente: Hábitos cotidianos de las mujeres. En ese contexto creativo precisamente Midnight: Mother and Sleepy Child, concebida con el propósito de ilustrar la hora de la medianoche, buscaba representar a una madre que salía soñolienta del mosquitero para cuidar a su hijo, quien, extremadamente somnoliento, se frota los ojos. El carácter personal y cotidiano de tal tema nos da una medida del nuevo interés que surgió por el individuo durante el período Edo, época en la que Utamaro mostró toda su dedicación a los estudios de la mujer, pero también a las imágenes más tiernas de madres e hijos. atrapado en la rutina diaria.

MUJER CON UN PÁJARO (2021)Pintura de Anne Christine Fernand Laurent.

Anne Christine Fernand Laurent: Mujer con un pájaro

¿Por qué incluir la pintura de Laurent en la temática destinada a incluir a las madres? La respuesta la encontramos en las afirmaciones más modernas del feminismo, según las cuales no todas las mujeres tienen por qué estar necesariamente asociadas a la maternidad y, si es así, las formas de esta última se han expandido tanto en la actualidad que a veces resulta legítimo reconocer en los animales de compañía, una especie de continuación del propio ser. Sin emitir juicios de ningún tipo sobre elecciones personales, sino simplemente encontrándome de acuerdo en celebrar la multitud de formas de la felicidad humana, dedico esta parte final de mi relato a todas las mujeres que, por la razón que sea, han decidido no ser madres, sino de constelar, en sus suaves brazos, la más amplia gama de expresiones de amor, que, en este caso, quise asociar con la forma de vida animal tomada de la obra del artista de Artmajeur, aparente homenaje a las obras maestras de Leonardo La dama del armiño de da Vinci (1488-1490) y La dama del unicornio de Rafael (1505-6). Respecto a este último cuadro, en el centro del cuadro aparece representada La Dama del Unicornio, parte del soporte en el que asume una posición de tres cuartos, lo que, orientado a la izquierda, hace que su mirada se desvíe a la derecha. Además de su rostro, que es juvenil y regular, su larga melena rubia, recogida en un peinado, cae detrás de su espalda reposando sobre un vestido de amplio escote, sobre el que luce un precioso collar, decorado con un gran rubí cuadrado y un perla blanca, es visible. Sobre esta elegante prenda se encuentra agachado un pequeño unicornio, que como un niño peludo es protegido, acunado y custodiado por la mujer, cuyos ojos parecen exclamar que está dispuesta a todo para defenderlo.