Edward Hopper, Luz solar del segundo piso. 1960. Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York.
La Historia del Arte Americano en 6 Puntos
Antes de presentarles a los diez pintores más célebres de la historia del arte estadounidense, junto con breves vistazos a sus vidas y referencias a sus peculiaridades estilísticas, me gustaría familiarizarlos con el contexto al que pertenecen: Estados Unidos y su tradición artística. Para abordar este extenso y desafiante tema, he decidido utilizar 'tijeras y pegamento', cortando y pegando el material relevante aquí y allá, destacando sólo los momentos clave. De esta intención surge un tema resumido en 6 puntos, que no obstante son fundamentales tener en cuenta:
- Tradición : Es importante considerar cómo la tradición artística de los EE. UU. en realidad se origina a partir de las artes practicadas por las culturas indígenas.
- Los europeos : Sólo después de la llegada de los europeos se desarrolló el arte claramente occidental que conocemos hoy, tomando forma inicialmente en los géneros del retrato y el paisaje.
- Siglo XIX : Fue en el siglo XIX cuando surgió un movimiento artístico estadounidense cohesivo, a saber, la llegada de la Escuela del Río Hudson.
- Siglo XX : En el siglo XX, la creatividad estadounidense pretendía no sólo emular a Europa sino también mostrar los centros urbanos estadounidenses, así como las regiones rurales.
- Después de la Segunda Guerra Mundial : El expresionismo abstracto de la posguerra hizo que el foco del arte se centrara directamente en el contexto americano. A partir de ese momento, la influencia artística de Estados Unidos continuó extendiéndose a nivel mundial, particularmente a través del éxito mundial del minimalismo y el arte pop.
- Hoy : La globalización contemporánea dificulta la comprensión de las tendencias del arte específica y exclusivamente ligadas a un contexto particular, en la medida en que es más fácil identificar personalidades individuales en todo el mundo cuyo trabajo ha influido genuinamente en el mundo de la pintura en un mundo cada vez más interconectado."
10 mejores
"Ahora finalmente estamos listos para el top 10, ¡así que vamos a sumergirnos!
Gilbert Stuart, George Washington, 1796. Óleo sobre lienzo, 121,9×94 cm. Museo de Bellas Artes, Galería Nacional de Retratos, Boston.
1.Gilbert Stuart (1755-1828)
Biografía : Gilbert Stuart fue un pintor estadounidense, más conocido por crear retratos oficiales de los cinco primeros presidentes de Estados Unidos, así como de muchas otras figuras públicas destacadas de la época.
Estilo : Especializado en retratos en Londres, donde fue alumno de Benjamin West, Stuart desarrolló un estilo idealizado neoclásico. Capturó meticulosamente el carácter y el estatus de sus sujetos estudiando cuidadosamente su postura, vestimenta, colores y entorno.
Obra maestra : La obra maestra indiscutible de Stuart es sin duda "George Washington (El retrato del Ateneo)" (1796). La obra, que representa al estadista Washington sobre un fondo marrón, quedó intencionadamente inacabada porque el artista no quería entregársela a sus mecenas, que eran la esposa del personaje. Stuart quería crear copias para aprovechar la fama del modelo retratado. Sin embargo, esta deliberada falta de integridad hizo que la obra de arte fuera famosa porque parece haber sido cuidadosamente diseñada para enfatizar el rostro del presidente, visto como un modelo moral que exuda poder y autoridad.
Mary Cassat, Niña en un sillón azul, 1878. Óleo sobre lienzo, Museo de Orsay.
2.Mary Cassatt (1844-1926)
Biografía : Mary Cassatt fue una pintora estadounidense que pasó un período importante en Francia, estudiando con Degas y exponiendo con los impresionistas.
Estilo : El estilo único de Cassatt combinaba la típica pincelada impresionista con el uso de colores claros, a menudo enriquecidos por una influencia constante del arte tradicional japonés. Con esta pincelada, a menudo representaba a mujeres "atrapadas" en entornos domésticos, posiblemente en alusión a la dimensión en la que ella, como mujer, a menudo estaba confinada.
Obra maestra : Una de las obras más famosas del artista es sin duda "La niña del sillón azul" (1878), que retrata a una joven acompañada únicamente por un pequeño perro, quizás un Yorkshire Terrier, imitándola relajándose en una silla colocada en un interior. posiblemente parecido a una sala de estar. Esta escena captura la naturaleza despreocupada y la relajación de la juventud, como si estuviera destinada a evocar recuerdos de la infancia perdida para el espectador. Sin embargo, la prominencia de los muebles en la pintura también podría sugerir que el sujeto, en ocasiones, se siente abrumado por el mundo adulto".
John Singer Sargent, Retrato de Madame X, 1884. Óleo sobre lienzo, 2,35 mx 1,1 m. Museo Metropolitano de Arte, Manhattan.
3.John Singer Sargent (1856-1925)
Biografía : John Singer Sargent, artista estadounidense expatriado, está considerado uno de los retratistas más importantes del siglo XIX. A lo largo de sus viajes por todo el mundo, también realizó pinturas de estilo documental, capturando lugares emblemáticos como Venecia.
Estilo : John Singer Sargent es conocido por sus distintivas pinceladas impresionistas, que cobraron vida dentro de composiciones convencionales. Sus obras inmortalizaron tanto los rasgos de carácter de los retratados como los paisajes que pintó al aire libre. Esto fue resultado de su hábil reinterpretación de las enseñanzas de maestros como Anthony Van Dyck y Diego Velázquez, enriquecidas con matices impresionistas.
Obra maestra : ¡Es imposible no mencionar "Retrato de Madame X" (1884)! Quizás la obra más famosa del maestro, representa a Virginie Amélie Avegno Gautreau, una mujer de la alta sociedad que no encargó el cuadro ella misma. De hecho, el artista la eligió como modelo para plasmar a una figura muy sonada en la sociedad parisina. Los chismes habían surgido debido a ciertos rasgos físicos y de carácter de la modelo, cuyas habilidades seductoras, combinadas con un atractivo llamativo, quedaron bellamente retratadas en la pintura, mostrando su piel de alabastro y un escote audaz. La obra de arte pertenece al género del retrato moderno debido a estas cualidades únicas, ya que comunica de manera efectiva la actitud real del sujeto.
Edward Hopper, Nighthawks, 1942. Óleo sobre lienzo, 84 cm x 1,52 m. Escuela del Instituto de Arte de Chicago.
4.Edward Hopper (1882-1967)
Biografía : Wikipedia afirma con razón que Edward Hopper fue "uno de los artistas más renombrados de Estados Unidos, cuya influencia en el arte y la cultura popular fue significativa". Se distinguió como una figura del realismo estadounidense, proporcionando un retrato auténtico de la sociedad estadounidense contemporánea, impregnada de un profundo sentimiento de soledad.
Estilo : El término "realismo americano" engloba a todos aquellos artistas que favorecían representar las actividades cotidianas de la gente corriente, ofreciendo una visión fiel de la vida real entre mediados del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, la grandeza de Hopper fue más allá; profundizó y desveló el lado más oscuro de la experiencia humana, revelando la psicología de sus sujetos. Como resultado, las personas que retrataba, afligidas por el malestar de la época, aparecían a menudo aisladas y desconectadas de su entorno, que a menudo se caracterizaba por la presencia recurrente de luces reveladoras.
Obra maestra : La descripción anterior sirve como una interpretación de una de las obras más conocidas del maestro, "Nighthawks" (1942), ambientada en un restaurante de la ciudad de Nueva York a altas horas de la noche, cuando las calles están desiertas y las pocas figuras reunidas. , cansados y casi mudos, sucumben a sus pensamientos, dándose cuenta de su perpetua soledad.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Óleo, 73,7 cm × 45,7 cm.
5. Georgia O'Keeffe (1887-1986)
Biografía : Georgia Totto O'Keeffe fue una pintora estadounidense cuya obra, en gran medida independiente de los movimientos artísticos, prestó especial atención a la representación de las formas naturales. A menudo retrataba flores y paisajes, algunos de los cuales había visitado personalmente.
Estilo : Apodada la "Madre del Modernismo Americano", O'Keeffe dirigió su exploración artística hacia la transmisión de emociones que a menudo se materializaban en la abstracción del mundo natural, principalmente en forma de primeros planos muy detallados de diferentes especies florales.
Obra maestra : Una de las obras más icónicas de la artista es "Red Canna" (1924), pintura que demuestra claramente su singularidad estilística, aunque en este caso, está dirigida hacia una flor frecuentemente presente en su obra: el lirio canna. Si bien O'Keeffe justificó su interés diciendo que quería mostrar cómo veía estas plantas, muchos críticos las interpretaron como una clara alusión a la representación íntima de la forma femenina, un punto de vista que la propia artista declaró más tarde que no compartía.
Grant Wood, American Gothic, 1930. Óleo sobre castor, 78 cm × 65,3 cm. Instituto de Arte de Chicago, Chicago.
6. Grant Wood (1891-1942)
Biografía : Grant DeVolson Wood fue un pintor estadounidense conocido por su asociación con el regionalismo, reconocido principalmente por sus pinturas que representan las zonas rurales del Medio Oeste estadounidense. Es particularmente famoso por la creación de la obra "American Gothic" (1930).
Estilo : De acuerdo con el movimiento Regionalismo, Wood dedicó su carrera artística a la representación realista de los sujetos rurales antes mencionados, retratándolos como testigos del duro trabajo en el campo. Esto se logró "citando" dos estilos distintos: la claridad del arte del Renacimiento del Norte y las líneas curvas y orgánicas del diseño Art Déco. Otras características del trabajo de Wood incluyen el uso de composiciones formales complejas y perspectivas a menudo peculiares, diseñadas para cautivar al espectador. Sin embargo, detrás de todo esto se esconde una intención crítica específica, dispuesta a exponer los males de la era de la Gran Depresión.
Obra maestra : Volvamos al ya mencionado “American Gothic”, obra reconocida como uno de los símbolos por excelencia de la pintura americana del siglo XX. Se encuadra dentro del género de las escenas de género, evocando en este caso el ejemplo del Renacimiento flamenco de Jan Van Eyck. Sin embargo, Wood toma prestado de este último para representar, quizás irónicamente, a un par de puritanos, que simbolizan una América provinciana, desconocida, aislada y atrasada, muy alejada de las imágenes más populares y exportadas del "sueño americano".
Jackson Pollock, Autumn Rhythm: Number 30, 1950. Esmalte sobre lienzo, 266,7 × 525,8 cm. MET, Nueva York.
7.Jackson Pollock (1912-1956)
Biografía : El pintor estadounidense Paul Jackson Pollock fue una figura fundamental del movimiento expresionista abstracto, dejando una huella imborrable con su uso distintivo de la técnica de pintura del goteo.
Estilo : Es precisamente la técnica del goteo antes mencionada, que el artista comenzó a utilizar a finales de los años 1940, la que hizo famosa la obra de Pollock. Mediante esta técnica, Pollock permitiría que la pintura goteara directamente desde un tubo o lata de pintura sobre un lienzo colocado en el suelo. Siguiendo este método surgió uno de los estilos abstractos más radicales de la historia del arte, separando revolucionariamente la línea del color para redefinir el dibujo, la pintura y el espacio pictórico. Para revelar la conexión entre técnica e instinto, vale la pena señalar que el goteo de Pollock surgió del impulso natural del acto físico de pintar, permitiendo que la obra de arte completa transmitiera el poder emocional del gesto.
Obra maestra: "Ritmo de Otoño: Número 30" (1950)! Esta obra fue creada a través de la presencia de una estructura lineal de pintura negra, sobre la cual se aplicaron tiras adicionales de pintura en varios colores, formando líneas gruesas, delgadas, claras, oscuras, rectas, curvas y más. Como sugiere el título, evoca la atmósfera del otoño, especialmente a través de tonos tierra.
Roy Lichtenstein, ¡Whaam!, 1963. Acrílico, Óleo, Magna, 1,7 mx 4 m. Tate Modern.
8.Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
Biografía : Roy Fox Lichtenstein fue un artista estadounidense y una figura destacada del movimiento del arte pop, que influyó profundamente en sus estilos y temas, junto con artistas como Andy Warhol, Jasper Johns y James Rosenquist.
Estilo : Roy Lichtenstein es conocido principalmente por su estilo maduro, que desarrolló a partir de los años 1960, fuertemente inspirado en el mundo del cómic y realizado mediante la fusión de reproducciones mecánicas y elementos dibujados a mano. En este contexto, destaca su rasgo estilístico más distintivo: el uso de los icónicos puntos Ben-Day, que revelan cómo el arte pop estaba preparado para filtrar todos los aspectos de la época, desde la publicidad hasta el cine y, en particular, el cómic.
Obra maestra : "¡Whaam!" (1963), cuadro que reproduce una viñeta de cómic donde un avión de combate estadounidense derriba con un misil un avión enemigo. De acuerdo con el lenguaje único del cómic, la obra de arte se enriquece con un panel que muestra explícitamente las palabras del piloto victorioso, mientras que el sonido de la explosión se transmite mediante la onomatopeya "¡WHAAM!" Sin embargo, lo que se describe aquí no es únicamente producto de la imaginación de Lichtenstein, ya que la obra maestra de 1963 representa una adaptación artística del panel de 1962 dibujado por el dibujante de cómics Irv Novick, que apareció en el número 89 de "All-American Men of War". "
Andy Warhol, Latas de sopa Campbell, 1962. Polimero sintetico su tela, 51×41 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York.
9.Andy Warhol (1928-1987)
Biografía : Andy Warhol es el maestro del pop por excelencia, ya que expresó los estilos e ideales del movimiento no sólo a través de la pintura y la serigrafía sino también a través de la fotografía, la escultura, el cine y la música (creó portadas de discos icónicas).
Estilo : Las obras de Warhol, que exploran principalmente la relación entre la expresión artística, la publicidad y la cultura de las celebridades, abordan estos temas mediante el uso de colores vibrantes y temas repetidos compulsivamente. Su objetivo era transformar los símbolos de una época en iconos atemporales, similares a deidades eternas elegidas por la sociedad de consumo.
Obra maestra : "Latas de sopa Campbell" (1962), instalación compuesta por 32 pinturas que representan las latas de sopa Campbell del mismo nombre. El artista lo concibió para documentar la serialidad industrial de los productos de los supermercados, en la medida en que la disposición de estos temas fue diseñada específicamente para replicar su exhibición en los estantes. La serialidad antes mencionada no solo está presente en el tema de la obra maestra sino también en su ejecución, ya que "Campbell's Soup Cans" fue creada utilizando una técnica de serigrafía semimecanizada, resaltando el concepto de reproducibilidad de la obra de arte.
Basquiat, Sin título, 1982. Acrílico, pintura en aerosol y óleo sobre lienzo, 183,2 cm × 173 cm.
10.Jean-Michel Basquiat (1960-88)
Biografía : Jean-Michel Basquiat fue un artista estadounidense que comenzó como grafitero y más tarde se convirtió en una de las figuras destacadas del neoexpresionismo, movimiento a través del cual llevó el lenguaje del graffiti del metro a las galerías de arte. ¿Por qué se asocia a menudo a Basquiat con Andy Warhol? Es importante destacar que fue su encuentro con este último lo que le abrió las puertas de renombradas galerías de Nueva York al artista más joven.
Estilo : El arte de Basquiat representa el encuentro de dos mundos distintos: el del pincel, y por tanto de la pintura en un sentido más tradicional, y el del aerosol, portavoz del lenguaje distintivo del graffiti, manifestado principalmente en dibujos y escrituras estilizadas. Esta combinación genera un estilo expresivo, a veces en parte abstracto, rico en referencias a la cultura de la época del artista, así como en condenas explícitas al racismo y la desigualdad social. Los ricos y los pobres, el blanco y el negro, pero también la exploración continua que llevó al artista a yuxtaponer su mundo interior con el exterior, lo que le llevó a su afinidad con el expresionismo, muy interesado en la figura humana y los males de su existencia.
Obra maestra : Los aspectos antes mencionados se pueden encontrar en "Sin título (pintura de calavera de Basquiat)" (1982), una pintura que representa una calavera, similar en el tema a una obra creada por Basquiat apenas un año antes, me refiero a "Sin título (calavera )" (1981). Ambos, al darnos una idea de lo que hay bajo nuestra piel, parecen ser capaces de transmitir el interior y el exterior de la vida, permitiéndoles convivir en el lienzo.
Olimpia Gaia Martinelli