Desde el siglo XIX, la escultura ha sufrido importantes transformaciones, en particular con la introducción de nuevos materiales y técnicas que han ampliado los límites de esta forma de arte. El siglo siguiente marcó un punto de inflexión, ya que los movimientos modernistas desafiaron los enfoques convencionales de la escultura. Los artistas comenzaron a experimentar con materiales no tradicionales, como el hierro, el acero y el yeso, inspirados por la industrialización y los avances tecnológicos.
Además, la aparición de materiales sintéticos como la resina, el plástico y la fibra de vidrio abrió nuevas posibilidades para los escultores. Estos materiales livianos y sumamente adaptables permitieron la creación de diseños intrincados, colores llamativos y técnicas experimentales.
Entre finales del siglo XX y principios del XXI, materiales como el cemento, el hormigón y el aluminio ganaron protagonismo, lo que refleja un cambio hacia influencias arquitectónicas e instalaciones públicas a gran escala. Los artistas contemporáneos suelen combinar materiales tradicionales y modernos, explorando temas relacionados con la identidad, la ecología y el comentario social.
Se hace evidente, por tanto, que desde el siglo XIX hasta hoy, la escultura ha evolucionado desde sus raíces clásicas hasta convertirse en una forma de arte dinámica y multifacética. Cada material introducido a lo largo del tiempo, ya sea tradicional o moderno, ha contribuido a redefinir las posibilidades de expresión artística, reflejando los cambios culturales, tecnológicos y filosóficos de cada época.
CABEZA BRUTALISTA ZOE (2024) Escultura de Paolo Castagna (Diseño Brutalista)
El hormigón y el brutalismo italiano
El hormigón, que a menudo se pasa por alto en las narrativas artísticas y arquitectónicas en favor de materiales más "nobles" como el mármol o la madera, ha desempeñado un papel fundamental en una revolución audaz y decisiva. En Italia, su adopción marcó un punto de inflexión significativo en la arquitectura moderna y de posguerra, introduciendo innovaciones radicales que remodelaron el paisaje urbano. En el corazón de este movimiento se encuentra el brutalismo, un enfoque que celebra el béton brut , o hormigón en bruto, no solo como base estructural sino también como un poderoso medio de expresión estética y filosófica. El brutalismo transforma el hormigón en un símbolo de fuerza y sinceridad arquitectónica, revelando la energía intrínseca de una era que se atrevió a romper con el pasado para dar forma al futuro.
Pero demos un paso atrás: ¿cómo y dónde surgió el brutalismo?
Este atrevido estilo arquitectónico, que recibe su nombre de la frase francesa béton brut (que significa "hormigón crudo"), surgió con fuerza en las décadas de 1950 y 1960. Caracterizado por el uso deliberado de hormigón armado a la vista, el brutalismo enfatiza la funcionalidad y la geometría de una manera claramente visible. Maestros como Le Corbusier sentaron las bases de este movimiento con obras que celebraban la materialidad cruda y el esencialismo estructural. El brutalismo, que se extendió por todo el mundo, adoptó diversas formas, desde la estricta estética europea hasta el dinamismo de sus manifestaciones en Brasil y la India. Entre los ejemplos icónicos de este movimiento se incluyen el Centro Barbican de Londres, el Ayuntamiento de Boston y el Centro Pompidou de París, todos ellos con una estética imponente pero funcionalista.
¿Pero no se suponía que debíamos estar hablando de Italia?
Exactamente, no me he olvidado del Bel Paese . En Italia, el brutalismo ha dejado una huella indeleble gracias al ingenio de maestros como Pier Luigi Nervi y Giuseppe Perugini. Pensemos, por ejemplo, en el Palazzo del Lavoro de Turín y el Palazzo dello Sport de Roma: estos monumentos no son solo soportes para estructuras complejas y dinámicas, sino verdaderos narradores visuales. Rompen con la tradición y adoptan una visión en la que el hormigón ya no es solo un material, sino un símbolo de modernidad y resiliencia.
Al mismo tiempo, las creaciones brutalistas italianas, aunque desafían las convenciones estéticas, a menudo se destacan con cierta disonancia en su entorno, diferenciándose audazmente y a veces de manera controvertida dentro del tejido urbano y cultural. Estas estructuras, a menudo percibidas como frías o ajenas, encarnan un capítulo crítico en la historia arquitectónica de Italia, elevando el hormigón de un mero elemento estructural a una poderosa herramienta de expresión artística y arquitectónica. Sus formas imponentes y superficies de hormigón en bruto invitan a la reflexión sobre su impacto visual y su capacidad para influir y transformar radicalmente el paisaje urbano, lo que genera debates en curso sobre su integración o contraste con el entorno existente.
El brutalismo contemporáneo de Paolo Castagna
La escultura Zoe Brutalist Head de 2024 de Paolo Castagna representa un ejemplo notable de cómo el brutalismo, originalmente arraigado en la arquitectura, ha encontrado expresión en el arte y el diseño.
La obra de Castagna construye un puente elocuente entre el brutalismo arquitectónico y el escultórico, demostrando poderosamente cómo los principios inicialmente concebidos para estructuras imponentes pueden reinterpretarse en obras de arte más personales e íntimas. En esta transición de lo macro a lo micro, Castagna preserva la esencia de solidez y autenticidad que hace del brutalismo un movimiento tan provocador y fascinante.
Su elección de utilizar el hormigón, símbolo y pilar del brutalismo, no es casualidad: a través de este material, el artista explora y comunica una sensación de fuerza y pureza, transformando cada escultura en un diálogo tangible entre el creador y el observador. Castagna celebra con audacia la belleza de las imperfecciones y el poder expresivo de los materiales industriales, invitando a los espectadores a redescubrir el encanto único de las irregularidades de la superficie.
Entrada al templo (2023) Escultura de Emmanuel Passeleu
Hormigón: de la arquitectura romana a la escultura contemporánea
De repente, nos encontramos bajo el sol abrasador de Roma, en medio de un grupo de turistas cautivados por la historia y la belleza de los monumentos que rodean la Ciudad Eterna. Nuestro guía, con tono entusiasta, nos conduce hacia uno de los edificios más emblemáticos y comienza a hablar:
"El Panteón, una auténtica joya arquitectónica de la antigua Roma, se encuentra en el barrio de Pigna, en el corazón del centro histórico. Construido originalmente como un templo dedicado a todas las deidades, su historia comienza en el año 27 a. C. cuando Marco Vipsanio Agripa, yerno del emperador Augusto, lo hizo erigir en honor a la diosa Cibeles y a otros dioses."
"Bla, bla, bla..."
"¿Pero sabéis de qué está hecho el Panteón? ¡Está construido principalmente de hormigón!"
Sin embargo, el hormigón utilizado por los antiguos romanos, incluido el del Panteón, posee características únicas que lo diferencian significativamente del hormigón moderno. Uno de sus ingredientes clave es la puzolana , una ceniza volcánica que, al mezclarse con cal y agua, crea un mortero extremadamente duradero. La puzolana contiene sílice y alúmina, que reaccionan con la cal en presencia de agua, formando compuestos cementicios hidráulicos que pueden endurecerse incluso bajo el agua, otorgando una durabilidad y resistencia notables a las estructuras.
En la actualidad, el hormigón suele ser una mezcla de cemento Portland, arena, grava y agua. A diferencia de la puzolana, el cemento moderno requiere una cocción a temperaturas extremadamente altas y carece de las propiedades hidráulicas y autocurativas del hormigón romano.
Si bien el hormigón, el material más duradero del pasado, se utilizaba casi exclusivamente con fines arquitectónicos, el hormigón contemporáneo ha asumido un nuevo papel y se ha convertido en un lenguaje artístico más joven y expresivo. A diferencia de materiales tradicionales como el mármol o el bronce, solo en las últimas décadas muchos artistas lo han elegido como material, atraídos por su plasticidad y materialidad.
Pasado y presente en la obra escultórica de Emmanuel Passeleu
Una obra escultórica contemporánea que también recuerda la conexión histórica entre el hormigón y la arquitectura es “Entrada al templo” (2023) de Emmanuel Passeleu. Esta escultura combina elementos arquitectónicos esenciales con una estética minimalista y visionaria, su forma representa una sección de un templo imaginario donde escaleras, arcos y aberturas evocan las geometrías puras y funcionales de la arquitectura clásica. El hormigón, con su textura cruda y natural, se convierte no solo en un medio expresivo sino también en un puente conceptual entre el pasado y el presente, evocando la solidez y la atemporalidad de las construcciones antiguas.
Planeta stroemender (2022) Escultura de Nikolaus Weiler
El aluminio entre el modernismo, el pop art y el reciclaje
El aluminio es un material relativamente nuevo en el arte. Si bien los artistas han utilizado metales desde la antigüedad, el que nos interesa recién estuvo disponible después de que Hans Christian Ørsted lo aislara por primera vez en la década de 1820. Sin embargo, no fue hasta el desarrollo del proceso Hall-Héroult en 1886, que redujo drásticamente los costos de producción, que el aluminio se volvió ampliamente accesible para aplicaciones más amplias.
¿Cuál fue uno de los primeros usos del aluminio en el arte?
El primer uso artístico conocido del aluminio se remonta a 1893 con Anteros , una escultura de Alfred Gilbert hecha íntegramente de aluminio. Ubicada en lo alto de la fuente conmemorativa Shaftesbury en Piccadilly Circus, Londres, la obra conmemoraba al conde de Shaftesbury, un filántropo victoriano, y se convirtió en un símbolo de la innovación tecnológica.
Con su creciente accesibilidad a principios del siglo XX, el aluminio se convirtió en un material favorito del modernismo. En la década de 1930, Alexander Calder comenzó a utilizar láminas delgadas de aluminio para sus famosos móviles , esculturas cinéticas ligeras que se mueven con las corrientes de aire. Explotó la ligereza y flexibilidad del material para crear obras que parecían desafiar la gravedad, introduciendo una nueva forma de concebir la relación entre el arte y el espacio.
En la década de 1960, el escultor abstracto Bill Barrett comenzó a utilizar aluminio para obras de gran formato. Su escultura Hari IV , de más de 10 metros de altura, da la bienvenida a los estudiantes en la entrada de la New Dorp High School en Staten Island, demostrando cómo se puede utilizar el aluminio para crear obras monumentales que siguen siendo ligeras y elegantes.
Más tarde, el aluminio dejó de ser considerado solo un material para convertirse en un símbolo de modernidad, producción en masa y consumismo. Esto lo hizo irresistible para los artistas pop, entre ellos James Rosenquist, quien incorporó el aluminio a su obra The F-111 .
Por último, es fundamental destacar cómo el aluminio, con su infinita reciclabilidad, sigue inspirando a muchos artistas que experimentan con la reutilización de objetos desechados para crear obras de arte siempre nuevas.
Escultura contemporánea: aluminio y geometrías abstractas de Nikolaus Weiler
La escultura Stroemender Planet (2022) de Nikolaus Weiler es una obra de aluminio que se distingue por su fuerte impacto visual y conceptual, caracterizado por una interacción armoniosa entre forma, material y dinamismo.
El título sugiere una idea de movimiento continuo, dinamismo y transformación, temas centrales en la práctica artística de Weiler. La escultura explora el concepto de flujo y cambio, posiblemente representando el ciclo de vida, la evolución constante de la energía o la interconexión entre elementos naturales y artificiales.
La obra combina aluminio y madera, dos materiales con características contrastantes que dialogan armoniosamente. El aluminio, con su acabado pulido y color plata, evoca modernidad, ligereza y tecnología. En contraste, la madera, con su textura cálida y orgánica, evoca naturaleza y tradición. La elección de los materiales subraya la tensión entre lo artificial y lo natural, lo rígido y lo fluido, elementos fundamentales en el concepto artístico de Weiler.
¡Buona'Pop-Art! : L'imperatore Pop (2024) Escultura de Achab
El plástico: un «nuevo» material para el arte
Imagina caminar por un museo, rodeado de esculturas contemporáneas. Una de ellas capta tu atención: una figura sinuosa con formas fluidas y colores vibrantes que casi parecen antinaturales. Te acercas, tratando de adivinar de qué material está hecha. ¿Mármol? ¿Vidrio? ¿Resina? Entonces lees la etiqueta: plástico.
Un material que a menudo se considera mundano y ordinario, pero que, en manos de artistas visionarios, se ha convertido en una herramienta de creatividad extraordinaria. El plástico se ha consolidado como una presencia fundamental en el arte contemporáneo, abriendo nuevas posibilidades expresivas y cambiando la forma en que percibimos la relación entre el arte, los materiales y nuestro mundo.
Introducido en la segunda mitad del siglo XIX con la invención del celuloide, el plástico experimentó un auge de producción durante el siglo XX, gracias al descubrimiento de materiales sintéticos como el PVC, el polietileno y el plexiglás. Su ligereza, maleabilidad y capacidad para adoptar prácticamente cualquier forma y color lo convierten en un material extraordinariamente versátil, apto tanto para obras monumentales como para intrincados detalles escultóricos.
A diferencia de los materiales tradicionales como el mármol o el bronce, el plástico representa una ruptura con el pasado. Es un símbolo del progreso tecnológico y de la era contemporánea, pero también conlleva un aspecto crítico: su impacto medioambiental. Este doble significado (innovación y preocupación ecológica) lo convierte en el material perfecto para los artistas que buscan reflexionar sobre nuestro tiempo.
La reinvención de Napoleón en el arte pop de Achab
"Buona'Pop-Art! The Pop Emperor" , la escultura de Achab, es un homenaje audaz y contemporáneo que reinterpreta una de las figuras más emblemáticas de la historia de una manera minimalista, simbólica y muy inspirada en el pop. ¿Quién?
¡Napoleón Bonaparte!
La escultura destaca por su diseño geométrico y estilizado. El rostro de Napoleón se reduce a una esencia casi abstracta, con formas angulosas que recuerdan a los bustos clásicos, pero radicalmente simplificadas. La cabeza está rematada por su icónico bicornio negro, símbolo inmediatamente reconocible del emperador, representado aquí de forma esencial y modernizada.
En el centro de la pieza, un enorme corazón rojo domina la composición, ubicado en el lugar donde se ubicaría un busto tradicional. Esta elección de forma y color sugiere pasión, poder y humanidad, y resalta la dimensión emocional y simbólica de la figura histórica. La escultura se completa con una base azul oscuro, que brinda estabilidad visual y agrega profundidad al diseño general.
Los colores (negro, blanco, rojo y azul) no son aleatorios. Reflejan una combinación de fuerza, audacia y modernidad, utilizando un lenguaje cromático universal que evoca la bandera francesa y al mismo tiempo resuena con el arte pop a través de su vitalidad y simplicidad.
Edad de hierro (2024) Escultura de Roman Rabyk
Los efectos extraordinarios de la resina
Al final del mencionado recorrido museístico, ante la última obra expuesta, la mirada se posa en una escultura inusual. Su superficie parece brillante, casi líquida, con formas que parecen flotar en el espacio. Su transparencia y matices cromáticos la vuelven ambigua: ¿podría ser vidrio o cerámica, tal vez incluso metal? Luego, al leer la etiqueta, se descubre que está hecha de resina, un material que cada vez tiene más cabida en el arte contemporáneo.
La resina es una sustancia orgánica, natural o sintética, que puede solidificarse mediante procesos químicos específicos y convertirse en un material duradero y resistente. Si bien en el pasado se utilizaba principalmente en la industria o la artesanía, hoy ha conquistado el mundo del arte por su versatilidad. Las resinas sintéticas, como la epoxi, el poliuretano o el poliéster, ofrecen posibilidades ilimitadas de experimentación.
Los artistas contemporáneos han elegido la resina precisamente por su capacidad para crear efectos extraordinarios. Con ella se pueden realizar obras translúcidas y luminosas que refractan la luz como el cristal o superficies lisas y reflectantes que recuerdan a los metales pulidos. La posibilidad de mezclar pigmentos y materiales diferentes proporciona una gama infinita de matices y juegos cromáticos. Además, la ligereza y resistencia de la resina la hacen ideal para crear obras de gran formato sin el peso y la fragilidad asociados a los materiales más tradicionales.
¿Y qué pasa con la sostenibilidad?
Dado que la resina es predominantemente sintética, las versiones tradicionales pueden no ser respetuosas con el medio ambiente. Sin embargo, en los últimos años, la investigación ha desarrollado nuevas alternativas, como resinas de origen biológico o materiales reciclados, capaces de reducir el impacto ambiental sin comprometer la calidad artística. Cada vez más artistas adoptan soluciones ecológicas, experimentando con nuevas técnicas para fusionar la innovación con la sostenibilidad.
Busto de resina de Roman Rabyk
La escultura Iron Age de Roman Rabyk representa un viaje emocional y simbólico a través de los dramáticos acontecimientos que han dado forma a la Ucrania contemporánea. Creada con una combinación de resina de poliéster, metal, acrílico y barniz, la escultura encarna una profunda reflexión sobre el conflicto, la resiliencia y la identidad nacional.
El busto representa un rostro humano marcado por una red de texturas e incisiones que evocan heridas, cicatrices y fragmentos de la historia reciente. El aspecto crudo y metálico de la superficie se entrelaza con la transparencia y la superposición de la resina, sugiriendo una sensación de transformación y resiliencia. La elección de los materiales —un diálogo entre el peso y la solidez del metal y la flexibilidad de la resina— simboliza tanto la fuerza interior como la fragilidad humana frente a la violencia y el cambio.
Finalmente, la escultura parece encarnar la transición de una metafórica Edad de Hierro a una era de renovación y reflexión. La dureza del metal representa la brutalidad y la tensión de la realidad, mientras que el uso de resina y barniz sugiere la posibilidad de curación y transformación. Los detalles del rostro, que emergen como reliquias de emociones profundas, invitan al espectador a contemplar la experiencia humana en tiempos de crisis.
Olimpia Gaia Martinelli
