Si bien estaremos como todos los años invitados a retrasar nuestros relojes una hora este sábado, el arte mayor la oportunidad de r ofrece un retorno a estas obras que lograron representar el tiempo transcurrido de manera impalpable e inexorable.
Memento mori, mosaico de Pompeya, siglo I a.C.
Memento mori, mosaico policromado de Pompeya, siglo I, Museo Arqueológico Nacional de Nápoles © Superintendente especial de Archivos Beni y archologici Nápoles y Pompeya
Entre los Memento mori más antiguos, estas representaciones que nos recuerdan que todo hombre debe morir un día, sin duda debemos mencionar este famoso mosaico encontrado en Pompeya y que ahora se conserva en el Museo Arqueológico de Nápoles. Este tipo de composición se retomará tanto en la Edad Media como, de forma más refinada, en el Barroco con la pintura de "vanidades" . La obra es de fácil lectura porque los símbolos se han mantenido en muy buen estado de conservación durante unos dos milenios gracias a la recuperación arqueológica. La rueda aquí simboliza la suerte. Gira mientras los humanos estén vivos y puedan interactuar con él, ya sea por casualidad o mediante sus propias acciones. Dirige el curso de la existencia hacia la riqueza representada por el hermoso abrigo de la izquierda, o hacia la pobreza con un traje de vagabundo a la derecha. Cuando llega la muerte (aquí simbolizada por la calavera), la rueda se detiene y entonces nada tiene más valor. Las nociones de riqueza y pobreza pierden entonces todo sentido. El mosaico proviene de un triclinio romano (un comedor) de una casa pompeyana, donde se tomaban las comidas. Una forma de recordar al propietario y a los invitados que se mantengan humildes como simples mortales y no dejen su destino al azar.
Philippe de Champaigne (1602-1674), Vanidad.
Philippe de Champaigne Vanité, óleo sobre madera, 28 cm x 37 cm, museo Tessé, Le Mans
A principios del siglo XVII aparecieron pinturas de un nuevo género, las Vanidades . Este nombre tiene su raíz en el término "vano", que se refiere a lo vacío, lo ilusorio. Se trata de pinturas clasificadas en el género de naturalezas muertas, y contienen un conjunto de emblemas y objetos cuya posesión parece inútil, irrisoria como en la obra mostrada arriba de Philippe de Champaigne (1602-1674), Vanité . Entre los elementos definitorios de carácter más comunes se encuentran la calavera, la vela apagada o el silencio de los instrumentos musicales como símbolo de la muerte. El reloj de arena o el reloj, como símbolo del paso del tiempo, pero también pompas de jabón que simbolizan tanto la fugacidad de la vida como los bienes terrenales. Una flor marchita , como un tulipán o una rosa, que refleja la imagen de la vida que tarde o temprano terminará.
Las tres edades del hombre - Giorgione
Las tres edades del hombre, c.1500-01 (panel) - Giorgione da Castelfranco, Palazzo Pitti, Florencia, Italia.
El tema del tiempo también se ha abordado a menudo en la pintura desde el ángulo de las diferentes edades del hombre, al que se dedican muchas pinturas. Tomemos el ejemplo del cuadro del pintor italiano Giorgione : “ Las tres edades del hombre ”. Esta obra representa tres figuras masculinas. En el centro un joven sosteniendo una partitura, a la derecha un adulto que le habla mientras le muestra la partitura, a la izquierda un anciano que, de espaldas, se vuelve para mirar al espectador. Las figuras emergen lentamente del fondo, resaltadas en colores sombreados. Hoy en día el tema de la pintura sigue siendo muy debatido. Todos los lienzos de Giorgione esconden un segundo nivel de significado, a menudo oscuro: esta lección de canto es probablemente una alegoría y una reflexión íntima sobre el fluir de la existencia, en la que es importante pasar el testigo a las generaciones futuras antes de que no sea demasiado tarde. , como confirma la mirada melancólica del anciano, atrayendo la atención del espectador.
“La persistencia de la memoria” de Salvador Dalí
“La persistencia de la memoria” de Salvador Dalí The Museum of Modern Art, Nueva York
La persistencia de la memoria es una de las pinturas más memorables de Salvador Dalí. Como elemento característico de la obra encontramos los famosos relojes fundidos. Dalí explicó cómo obtuvo esta inspiración. El artista se encontró viendo una rebanada de queso derretirse al sol. Esta visión le inspiró la idea de los relojes que inmediatamente pintó en el lienzo. La imagen que pintó era de un paisaje en Port Lligat , España, donde vivía con su esposa Gala en el momento de la obra. Algunos objetos irreales están dispuestos en un paisaje fantástico. Algunos relojes con textura distorsionada dominan la escena. Muestran lunares que aún marcan el paso del tiempo, pero que parecen haber perdido su solidez. Uno puede imaginar que los relojes fundidos representan la relatividad de la percepción temporal. Cada uno de nosotros, de hecho, tiene su propia sensación temporal en relación con las mismas situaciones. Además, cada reloj muestra diferentes horas. Nótese también la presencia de hormigas negras en un reloj en primer plano, una imagen común que significa la descomposición ligada al tiempo y que evoca el miedo a la muerte.
OPALKA romana: OPALKA 1965/1 - ∞
OPALKA Roman (1931-2011), OPALKA 1965/1-∞, Detalle 1-35327 , detalle, 1965, - acrílico sobre lienzo, 196x135 cm.
En 1965, mientras esperaba a su esposa, Roman Opalka tuvo una idea que guiaría su creación durante cuarenta y seis años. Sobre lienzos de 196x135 cm, se agota sin descanso inscribiendo la progresión digital. Los números son de unos 5 mm de alto, pintados con un pincel de tamaño 0. Empezó a pintar de blanco sobre un fondo negro y desde 1972 añadió un 1% de blanco a cada fondo de los nuevos lienzos. En 2008 llegó el momento en que lógicamente acabó pintando de blanco sobre blanco. Lo llamó el " blanco merecido " ... Esta obra es el resultado de una energía artística dedicada a la búsqueda de la representación más fiel del concepto de tiempo, en el arte. El pintor polaco estaba profundamente preocupado por la captura material de lo intangible. Su trabajo refleja toda una vida de reflexión sobre la mejor manera de destilar el "tiempo" en forma física. OPALKA 1965/1 - ∞, constituye por tanto una propuesta innovadora para la representación de cuestiones temporales y estéticas.
Melting Men: Néle Azevedo
"Monumento Mínimo" también más conocido con el nombre de " Melting Men ", es una idea que nació en 2002 en la mente de la artista brasileña Néle Azevedo . Una instalación artística itinerante y efímera formada por miles de pequeñas esculturas de hielo. Una representación de hombres de hielo derritiéndose al sol, sentados en las escalinatas de los monumentos de las ciudades más bellas del mundo. De hecho, la instalación se presentó en Brasilia , en Tokio , luego en Belfast y también en Florencia en 2008 con 1200 esculturas de hielo dispuestas en los escalones del Spedale degli Innocenti . Melting Men es una obra cuyas intenciones originales eran representar un contraste entre la eternidad del arte oficial representada por los monumentos sobre los que se dispusieron las esculturas, en relación con el aspecto efímero del arte contemporáneo. Una obra que juega con distintos niveles de contrastes como el diminuto tamaño de las esculturas, o sus materiales de composición: el hielo. Sin embargo, el trabajo fue inmediatamente retomado por asociaciones medioambientales que lo convirtieron en su símbolo, asociándolo con una reflexión crítica sobre el cambio climático y el deshielo en el Ártico.
El paso del tiempo, ¿un tema que te habla? Encuentra nuestra selección de obras que evocan este concepto en Artmajeur.
Thomas Laugier