Retrato de Daniele da Volterra, c. 1545
¿Quién fue Miguel Ángel?
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni , comúnmente conocido como Michelangelo, fue un artista italiano que vivió durante el Alto Renacimiento. Nació en la República de Florencia el 6 de marzo de 1475 y murió el 18 de febrero de 1564. Miguel Ángel fue escultor, pintor, arquitecto y poeta, y su obra estuvo fuertemente influenciada por la antigüedad clásica. Tuvo un impacto significativo en el arte occidental y es considerado un hombre renacentista ejemplar, al igual que su contemporáneo Leonardo da Vinci. Miguel Ángel está bien documentado debido a la gran cantidad de correspondencia, bocetos y reminiscencias que se conservan. Fue aclamado por sus contemporáneos como el artista más consumado de su tiempo.
Miguel Ángel se hizo un nombre a una edad muy temprana con dos de sus esculturas más famosas, la Piedad y el David, que creó antes de cumplir los treinta años. Aunque no se consideraba pintor, sus frescos en la Capilla Sixtina, en particular las escenas del Génesis en el techo y el Juicio Final en la pared del altar, se consideran muy influyentes en la historia del arte occidental. También desempeñó un papel clave en el desarrollo de la arquitectura manierista con su diseño de la Biblioteca Laurentiana. Más adelante en su vida, a la edad de 71 años, Miguel Ángel se convirtió en el arquitecto de la Basílica de San Pedro, sucediendo a Antonio da Sangallo el Joven. Completó el extremo oeste de la basílica y diseñó la cúpula, que fue modificada después de su muerte.
Miguel Ángel fue el primer artista occidental en publicar su biografía durante su vida. Se publicaron tres biografías durante su vida, y la biografía de Giorgio Vasari lo elogió por superar a cualquier artista, pasado o presente, en las tres disciplinas artísticas. Durante su vida, a menudo se hacía referencia a Miguel Ángel como Il Divino, que significa "el divino". Sus contemporáneos admiraron su habilidad para asombrar a los espectadores con su arte, una cualidad conocida como terribilità. Otros artistas intentaron imitar su estilo expresivo, lo que condujo al surgimiento del manierismo, un movimiento de corta duración posterior al Alto Renacimiento.
Miguel Ángel, David, c. 1501-1504. Escultura de mármol, 517 cm × 199 cm. Galleria dell'Accademia, Florencia, Italia.
Miguel Ángel y el Renacimiento
Durante el Renacimiento, Miguel Ángel fue muy buscado por encargos lucrativos, lo que lo llevó a su extenso trabajo en la Capilla Sixtina. El proyecto involucró una decoración intrincada del techo de la capilla y se completó en el siglo XVI. Entre las diversas secciones del vasto fresco, la Creación de Adán se destaca como una de las partes más significativas y artísticamente impresionantes. Esta pintura representa un momento religioso de renombre en la enseñanza cristiana, que tiene una gran importancia en Italia, un país profundamente arraigado en el cristianismo. La escena captura a Dios insuflando vida a Adán, quien se convertiría en el primer hombre, y más tarde se uniría a Eva, marcando el comienzo de la raza humana. El tema de Adán y Eva ha sido un tema popular en innumerables pinturas, especialmente durante el Renacimiento, cuando la religión tuvo una influencia significativa en la sociedad.
La representación icónica de la conexión entre los dedos de Adán y Dios, que simboliza la creación de la vida, ha ganado su propia fama. Muchas personas prefieren esta versión recortada de la obra de arte más grande y la adquieren como una impresión artística, un póster o un lienzo estirado para adornar sus hogares. El panel que representa la Creación de Adán fue una de las últimas adiciones al techo de la Capilla Sixtina, que ha atraído a innumerables visitantes durante los últimos 500 años. Se llevan a cabo trabajos de mantenimiento regulares para preservar este extraordinario fresco y evitar cualquier daño.
El legado perdurable de la creación de Adam ha inspirado y cautivado a innumerables personas, ganándose el respeto y la admiración de los estudiosos del arte y del público en general.
Miguel Ángel creó cuatro paneles en la Capilla Sixtina, que representan episodios del Libro del Génesis, que aún son bien conocidos entre la gran población cristiana de Europa y muchos otros continentes. El arte italiano, en general, desempeñó un papel destacado en la vanguardia del movimiento renacentista en Europa, influyendo en los desarrollos artísticos contemporáneos que disfrutamos hoy. La Creación de Adán se ha convertido en una imagen icónica reconocida por casi todo el mundo, independientemente de su conocimiento del artista o del significado pretendido de la pintura.
Esta renombrada obra de arte fácilmente puede considerarse tan famosa como otras obras importantes, como la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. Miguel Ángel, al igual que su contemporáneo da Vinci, exhibió una impresionante variedad de habilidades, como lo demuestra su creación de la escultura de David. Hoy en día, las impresiones de la Creación de Adán se compran con regularidad en todo el mundo, lo que refleja la perdurable popularidad del arte italiano de los siglos XV y XVI. El arte italiano desempeñó un papel fundamental en la introducción de nuevas ideas y técnicas en el arte europeo, dando nueva vida a un panorama artístico que se había estancado relativamente en la Edad Media.
Michelangelo Buonaorroti, La creación de Adán , 1508-12. Fresco, 280×570 cm. Ciudad del Vaticano, Museos Vaticanos, Capilla Sixtina.
La Creación de Adán (c. 1511)
En el lado derecho se representa a Dios suspendido en el aire, rodeado de una aureola sostenida por ángeles y querubines. En el lado izquierdo, vemos a Adán tumbado en un prado, dominando una ladera cubierta de hierba. Adán, el primer ser humano, está en posición semirreclinada, completamente desnudo, con el brazo apoyado en la rodilla derecha. Su brazo derecho está apoyado en el suelo, sosteniendo su torso. Parece joven, con rasgos fuertes y musculosos. Su pierna derecha está estirada a lo largo de la pendiente, mientras que la izquierda está doblada. Adán está representado de perfil y parece cobrar vida cuando mira hacia Dios y levanta el brazo izquierdo en su dirección.
Dios está ataviado con una túnica rosada y se le representa estirado hacia la izquierda, sostenido por ángeles. Su larga barba y sus cabellos grises son movidos suavemente por el viento. Los ángeles y Dios están rodeados por un amplio velo púrpura en forma de riñón. Bajo ellos, una fina tela verde transparente cuelga y ondea bajo el ángel que sostiene a Dios. El encuentro entre Dios y Adán tiene lugar sobre un fondo que carece de detalles concretos.
En la escena, vislumbramos la mano de un joven Ignudo bajo el cuerpo de Adán. El Ignudo hace referencia a las figuras humanas masculinas situadas en las esquinas de los paneles narrativos.
En contraste con las anteriores representaciones de Dios realizadas por otros artistas, la de Miguel Ángel en esta obra supone un atrevido cambio. Tradicionalmente, Dios ha sido representado como un gobernante majestuoso y todopoderoso de la humanidad. Cabría esperar que una figura divina así fuera pintada con atuendos regios y exudando una sensación de grandeza. Sin embargo, Miguel Ángel adopta un enfoque diferente al presentar a Dios como un hombre sencillo, de edad avanzada, vestido con una túnica ligera y sin adornos, con gran parte de su cuerpo al descubierto. Esta representación plantea una pregunta intrigante: ¿Y si este rostro humilde y anciano es el verdadero rostro de Dios? Ofrece un retrato íntimo de su esencia. Dios se muestra accesible, tangible e íntimamente ligado a su creación, ya que su figura adopta una forma curva que se extiende hacia Adán.
Color y textura
La Creación de Adán de Miguel Ángel es un ejemplo de pintura al fresco, en la que el artista aplicó pintura sobre yeso húmedo. La paleta de colores utilizada en la pintura parece clara, y consiste principalmente en tonos carne, como varios tonos de marrón y colores cremosos. Además, hay toques de amarillo en el pelo de algunas figuras, mientras que el pelo de Dios está representado en un color azul grisáceo más frío y el de Adán aparece como un marrón más oscuro con reflejos más claros.
El artista empleó hábilmente zonas más oscuras de sombreado en las figuras, acentuando eficazmente sus formas y anatomía para crear una sensación de profundidad. Aunque hay otros colores presentes en la composición, no son excesivamente vibrantes. Entre ellos están los verdes que representan la hierba a la izquierda y el pañuelo a la derecha, así como los tonos azul-grisáceos que representan la formación rocosa o el cielo detrás de Adán. Estos colores más fríos contrastan con el rojo más intenso de la tela detrás de Dios, que es más cálido.
En general, la composición presenta un uso armonioso del color, debido sobre todo a la similitud de los tonos de piel empleados. El telón de fondo presenta colores contrastados como el verde, el azul y el rojo, que aportan un valor cromático diferente en comparación con los tonos más claros utilizados para las figuras. El resto del fondo del fresco es de un color blanco-gris neutro, que resalta aún más las figuras principales de Dios y Adán en primer plano. Este fondo podría interpretarse como nubes blancas contra el cielo. Los ropajes tienen una textura implícita, parecen ligeros y translúcidos. Además, las figuras se representan con pieles suaves, algunas regordetas y otras más musculosas.
Merece la pena destacar el aspecto fluido y suave del cabello de las figuras, en particular el de Dios, que parece ondear a la derecha de la composición, aparentemente influenciado por un viento o una brisa invisibles.
Líneas
La posición de Dios y Adán en la composición crea una sensación de equilibrio. Están colocados estratégicamente para dividir la obra en dos partes distintas. La forma de Adán suele describirse como "cóncava", mientras que la de Dios se ve como "convexa". Este marcado contraste entre las dos figuras no sólo añade interés visual, sino que también insinúa un significado más profundo y la relación entre Dios y Adán.
Además, los fondos detrás de cada figura presentan predominantemente formas curvas, que contrastan con la fuerte línea horizontal formada por los brazos extendidos y las manos unidas de Dios y Adán. Esta línea horizontal sirve para conectar las dos partes de la composición mencionadas anteriormente.
Lado este de la Capilla Sixtina, desde el final del altar.
Simbología
El trasfondo de la escena de la creación de Adán no contiene detalles intrincados, que simbolizan el nacimiento de la humanidad. Este telón de fondo minimalista permite que los personajes se destaquen de forma destacada sobre el fondo claro, transmitiendo un mensaje claro e icónico. Según la tradición, Dios está sostenido por ángeles y querubines, que curiosamente toman la apariencia de figuras humanas, especialmente adolescentes y niños. Estos seres angélicos están representados con cuerpos sustanciales y realistas, enfatizando su presencia física y sus esfuerzos por apoyar a Dios. Además, sus rostros son muy distintivos, cada uno con diferentes expresiones.
La representación de la Creación de Adán es la escena más famosa de la bóveda de la Capilla Sixtina. Su fama se atribuye en gran parte a la icónica imagen de dos dedos casi tocándose. En esta imagen, Dios Padre extiende su brazo hacia Adán, colocado abajo, mientras Adán levanta su propia mano arriba. Ambas figuras tienen los brazos extendidos, con los dedos índices representados momentos después del contacto. Miguel Ángel pretendía capturar el momento preciso en que el Creador está a punto de hacer contacto físico con su creación, infundiendo a Adán la chispa de la vida. El poder de esta imagen, convertida en emblema de la creación, se ve potenciado también por la elegancia de los gestos y posturas de los dos personajes. Además, la figura de Adam tiene una fuerza visual cautivadora debido a la minuciosa escultura que acentúa los volúmenes de su cuerpo desnudo. Algunos historiadores notan un gesto similar en la Anunciación de Cestello de Sandro Botticelli, enfatizando aún más la importancia de este gesto en la historia del arte.
Volvamos ahora nuestra atención al fondo rojo detrás de la imagen de Dios. Algunos creen que este telón de fondo se asemeja a un cerebro. Esto llevó a la conclusión de que Dios retuvo intencionalmente la inteligencia de Adán, manteniéndolo ajeno al conocimiento del bien y del mal. Fue solo después de que Adán pecó que Dios le permitió poseer este conocimiento. Sin embargo, si algo nos ha enseñado el análisis de este cuadro es que la creación del hombre por Dios no consistió sólo en hacerlo existir; se trataba de forjar una relación profunda con él. Mirando más de cerca la pintura, uno puede apreciar verdaderamente la audacia con la que fue creada. Las pinceladas de Miguel Ángel son seguras y enérgicas, sin dejar lugar al azar. Se han escrito muchos libros y se han hecho reinterpretaciones, pero la verdadera belleza de la Creación de Adán no radica en su condición de obra maestra atemporal, sino en su capacidad para resonar con cada persona en esta tierra. Representa el comienzo de todos nosotros, independientemente de nuestras diferencias. Esta pintura ha sido interpretada innumerables veces, pero aún elude la comprensión. Hay algo en su contemplación que desafía la expresión verbal, por poética que sea. En estas más de cien pinceladas, Miguel Ángel pintó la vida misma. Representaba la fuente de la vida, el comienzo de la vida, y al incluir la imagen del niño Jesús, capturó el concepto de la vida eterna. Nos transporta a ese momento por encima de todo, llevándonos de regreso a la génesis de la humanidad, cuando la raza humana era solo un vago concepto en el aire. La increíble atención al detalle en esta pieza es encantadora y su perfecta integración con los otros elementos del techo es impresionante.
Es notable cuántos artistas han intentado, sin éxito, capturar verdaderamente el momento de la creación de Adam. Miguel Ángel, sin embargo, capta con éxito todo el proceso, sin dejar nada fuera. Este fresco perdura como uno de los logros artísticos más notables. Cuando Adán se acuesta en suelo terrenal, su fuerza física es evidente para cualquier observador. Encarna la figura idealizada de un hombre griego o romano, con su gracia y músculos ondulantes. Sin embargo, a pesar de su perfección física, esta creación permanece incompleta. Adán siempre se acerca a Dios, demostrando su confianza en el Creador. Dios lo sostiene, y aunque Adán parece completo, se estira para recibir el simple toque de Dios. La imagen de Dios refleja la imagen de Adán, y cuando se miran a los ojos, se establece entre ellos una conexión intensa y hermosa. Adán mira con añoranza a su creador, y en ese momento Miguel Ángel capta la esencia de lo que significa ser humano. La pintura representa el umbral de la creación cuando Adán se estira para recibir el alimento necesario para la supervivencia de su forma física. Mientras tanto, Dios se está acercando para dar a Su creación espíritu y alma. Al capturar este momento singular, la creación del yo físico y espiritual de Adán queda grabada para siempre en la memoria de cada generación.
Michelangelo Buonarroti, Cumaean Sibyl , c. 1511. Fresco, 375×380 cm. Ciudad del Vaticano, Museos Vaticanos, Capilla Sixtina.
Significado
La interpretación principal de esta pintura gira en torno a la creación de la humanidad y el comienzo de la raza humana. Sin embargo, tras un examen más detenido, la obra de arte ahonda en la profunda relación forjada entre el Creador y su creación. Con una simple extensión de sus brazos, Dios da a luz a Adán y dirige su atención al niño Jesús, que sirve como salvador de Adán. En esta representación, el Creador demuestra omnisciencia, previendo la caída de la humanidad tras sucumbir a la tentación del demonio. Así, Dios anticipa esta caída y ofrece una pronta solución a través de Cristo.
Sin embargo, sigue existiendo una ambigüedad significativa dentro de la tabla. ¿Están Adán y Dios soltándose o se están acercando? La representación de sus dedos hace difícil discernir si Dios y el hombre están satisfaciendo su deseo común de coexistir, o si van por caminos separados, y el hombre se embarca en una vida independiente. Al observar la postura de Adam, notamos una sensación de relajación. Esto puede interpretarse en el sentido de que, aunque está vivo, todavía le falta algo vital. Por lo tanto, Adán se acerca a Dios, anhelando recibir el elemento que lo distingue de otras criaturas que vagan por la tierra. Por otro lado, la apariencia concentrada de Dios sugiere un compromiso activo, como si trabajara diligentemente para perfeccionar su creación. Por lo tanto, es razonable concluir que las figuras se dan la mano en una unión en lugar de separarse.
Curiosamente, incluso los geógrafos han interpretado esta pintura como la representación de dos masas de tierra unidas por una banda estrecha pero separadas por un canal ancho. Asimismo, los científicos han analizado la imagen como símbolo del nacimiento de la humanidad. Extraen su hipótesis del fondo rojo, que interpretan como la representación de una túnica uterina humana, mientras que el pañuelo verde simboliza un cordón umbilical recién cortado.
Todas estas interpretaciones, en cierta medida, convergen en una misma idea. Sin embargo, la pregunta sigue siendo: ¿por qué Miguel Ángel representó las manos de esta manera particular? ¿Por qué no tocarlos? Contemplar este detalle puede ser frustrante. Sin embargo, es este aspecto único lo que ha hecho famosa a la pintura. El pequeño espacio entre los dos dedos, que mide poco menos de una pulgada, obliga a los espectadores a echar un segundo y tercer vistazo a la imagen completa. A pesar de las conclusiones extraídas sobre el significado de la pintura, sigue siendo enigmática. Mirando más de cerca, uno tiende a percibir lo que falta, a sentir una fuerza que parece existir entre los dos dedos. Es como una carga eléctrica y, a medida que la imagen se hunde en la mente, surge una comprensión que hace que el espectador se dé cuenta del significado más profundo de la pintura. Este es el principio; un paso en falso, y la humanidad habría tomado un camino completamente diferente. La delicadeza está involucrada, y al observar el enfoque inquebrantable de Dios en la tarea en cuestión, uno puede sentir su búsqueda de nada menos que la perfección.
Se vuelve aún más intrigante cuando imaginas los dos dedos tocándose. Oh, la sensación que Adán debe haber sentido cuando el toque de la inmortalidad impregnó su alma. Miguel Ángel captura lo que la iglesia se ha esforzado por explicar a sus seguidores durante siglos: la chispa divina de la vida. Presenta prueba de que Dios y el hombre no son más que el reflejo perfecto el uno del otro. A través de la Creación de Adán, Miguel Ángel engloba silenciosamente el pasado, el presente y el futuro de la humanidad en un solo marco. Podríamos decir que esta imagen se formó en los albores de los tiempos, porque su representación es realmente increíble. Para el ojo inexperto, puede parecer una simple representación de dos figuras que se acercan. Sin embargo, tras un examen más detenido, ese momento fugaz antes de que el dedo de Dios infundiera vida en el dedo de Adán se convierte en la esencia de todo lo que entendemos y creemos.
La pintura exalta a Dios de varias maneras. El mero hecho de que inicie a toda una raza de personas con el toque de un dedo debería ser suficiente para establecer su posición como Todopoderoso. Sin embargo, Miguel Ángel va aún más allá. Dios no necesita tocar físicamente a Adán para que un observador sienta el poder, la fuerza y la vida transferidos de un dedo, a través del espacio y al otro dedo. Es este elemento el que con razón merece el reconocimiento de la pintura. Sin embargo, hay otra perspectiva a considerar. Para aquellos que no están familiarizados con Miguel Ángel o su obra, y que no conocen el título de la pintura o la historia de la creación, puede ser difícil comprender la esencia de la Creación de Adán. Desde este punto de vista, sin conocimiento de la chispa entre los dedos, la presencia del niño Jesús o cualquier asociación con el nacimiento de la humanidad, la pintura simplemente representa dos figuras inclinadas una hacia la otra. .
La delicada conexión entre el creador y la creación solo se hace evidente una vez que el espectador comprende el tema de la pintura. Sin embargo, hay otro aspecto a considerar. La noción de poder retratada en este trabajo no es el resultado de la imagen en sí. La mayoría de la gente conoce la historia detrás de la pintura, lo que puede cegarlos ante el hecho de que simplemente representa dos figuras que se acercan delicadamente, ambas llenas de deseo y moderación. Sus dedos están extendidos, casi tocándose, pero sus manos se extienden hacia un vacío de vacío. Además, los ángeles que sostienen la forma de Dios parecen luchar en su tarea. Cuando se separa de la influencia de la historia de la creación, la pintura se transforma en una representación de amor y amistad. Trasciende el estar ligado de manera única a la creación de Dios de Adán y, en cambio, transmite el deseo universal de conexión humana. Este aspecto de la obra evoca tanto consuelo como dolor. Es difícil imaginar a la humanidad sin la presencia de Dios, pero ver la relación entre estos dos personajes como estrictamente unilateral tampoco es del todo reconfortante.
Michelangelo Buonarroti, Sibila délfica , c. 1508-10. Fresco, 350×380 cm. Ciudad del Vaticano, Museos Vaticanos, Capilla Sixtina.
Contexto de creación
En 1505, Miguel Ángel fue llamado a Roma por el nuevo Papa Julio II. El Papa le encargó la construcción de una gran tumba, que debía tener cuarenta estatuas y estar terminada en cinco años.
Sin embargo, debido a varias interrupciones y demandas competitivas que se le hicieron a Miguel Ángel bajo el patrocinio del Papa, la tumba nunca se completó a satisfacción del artista a pesar de haber dedicado 40 años al proyecto. La tumba, ubicada en la Iglesia de S. Pietro in Vincoli en Roma, es famosa por su figura central de Moisés, terminada en 1516. Otras dos estatuas originalmente destinadas a la tumba, conocidas como el Esclavo Rebelde y el Esclavo agonizante, ahora están conservado en el Museo del Louvre.
Durante este período, Miguel Ángel emprendió la monumental tarea de pintar el techo de la Capilla Sixtina, un proyecto que tomó alrededor de cuatro años desde 1508 hasta 1512. Según el relato del biógrafo de Miguel Ángel Condivi, Bramante, quien participó en la construcción de la Iglesia de San Pedro. la basílica de San Pedro, albergaba resentimiento hacia el encargo de Miguel Ángel e incitó al Papa a asignarle un médium desconocido con la esperanza de que fracasara.
Inicialmente encargado de pintar a los Doce Apóstoles en las pechinas triangulares que sostienen el techo, Miguel Ángel logró convencer al Papa Julio para que le otorgara libertad artística y presentara un esquema más ambicioso y complejo. La composición final representa varias escenas, incluida la creación, la caída del hombre, la promesa de salvación de los profetas y la genealogía de Cristo. La obra de arte formaba parte de un esquema decorativo más grande dentro de la capilla que transmitía las principales doctrinas de la Iglesia Católica.
La vasta composición cubría un área de más de 500 metros cuadrados y presentaba más de 300 figuras. La sección central presentó nueve episodios del libro de Génesis, que abarcan la creación de la Tierra por parte de Dios, la creación de la humanidad y su caída en desgracia, y la representación de Noé y su familia como representantes de la humanidad. Adornando las pechinas que sostienen el techo había doce figuras que profetizaban la venida de Jesús, incluidos siete profetas de Israel y cinco sibilas, profetisas del mundo clásico. Las pinturas notables del techo incluyeron La creación de Adán, Adán y Eva en el Jardín del Edén, El diluvio, El profeta Jeremías y La sibila de Cumas.
La Capilla Sixtina como pudo haber aparecido en el siglo XV (dibujo del siglo XIX).
Miguel Ángel y la Capilla Sixtina
A pesar de sus reticencias iniciales, Miguel Ángel Buonarroti aceptó el encargo en 1508 de pintar nueve escenas del Génesis en la bóveda de la Capilla Sixtina, que también incluía figuras de profetas, sibilas y antepasados de Cristo.
El proyecto planteó muchos desafíos. La gran superficie de la bóveda, combinada con la negativa de Miguel Ángel a pedir ayudantes, hizo que la tarea fuera aún más exigente. La forma curva de la bóveda presentaba problemas de distorsión óptica y la altura del techo requería costosos andamios. Además, el Papa quería que la obra se completara rápidamente.
Sin embargo, a pesar de estos obstáculos, Miguel Ángel demostró su extraordinario genio y logró completar los frescos en 1511, en menos de cuatro años.
Inicialmente, Miguel Ángel comenzó con las últimas escenas del orden narrativo, con muchas figuras pequeñas. A medida que avanza, simplifica las composiciones, representando figuras más grandes y menos. Se sintió más cómodo trabajando a gran escala y se basó menos en las caricaturas preparatorias. Para acelerar el proceso y reducir costos, incluso diseñó un andamio móvil innovador.
Metafóricamente, toda la bóveda puede verse como una celebración del cuerpo humano, enfatizando su fuerza, belleza y potencial expresivo. Miguel Ángel exploró varias poses, resaltando cada músculo como si esculpiera en pintura. La forma desnuda fue ampliamente considerada en todas sus variantes, mientras que los paisajes naturales y los elementos arquitectónicos jugaron un papel secundario en la composición.
Los colores empleados por Miguel Ángel eran vibrantes, brillantes y resplandecientes, lo que se sumó al impacto visual general de los frescos.
Una sección del techo de la Capilla Sixtina.
Aquí está la lista de temas representados por Miguel Ángel en la bóveda de la Capilla Sixtina.
Banda en el centro de la bóveda, desde el altar hasta la pared del fondo: Escenas del Génesis.
Dios separa la luz de las tinieblas
Dios crea el sol y la luna
Dios separa la tierra de las aguas
La creación de Adán
Dios crea a Eva
El pecado original
el sacrificio de noe
El Diluvio Universal
La embriaguez de Noé
Bandas de arco exterior:
profeta Jonás
Profeta Jeremías
sibila libia
sibila persa
profeta daniel
Profeta Ezequiel
Sibila de Cumas
sibila eritrea
profeta Isaías
profeta joel
Sibila de Delfos
Profeta Zacarías
En los triángulos de las ventanas: Ancestros de Cristo.
En las cuatro esquinas de la bóveda:
Castigo de Aman
La serpiente de bronce
David y Goliath
Judit y Holofernes
Datos interesantes
También encontrándose pintando bóvedas y cúpulas con figuras y figuras sobre su cabeza, Miguel Ángel a menudo se encontró trabajando en posiciones incómodas. Le dio dolor de espalda y graves problemas de visión.
Selena Mattei