El autorretrato como alegoría de la pintura

Artemisia Gentileschi, Autorretrato como laúd , 1615-1617. Óleo sobre lienzo, 71,4×79 cm. Minneapolis: Galerías Curtis.

¿Quién fue Artemisia Gentileschi?

Artemisia Gentileschi fue una de las primeras y únicas artistas femeninas exitosas en el siglo XVII. Siguiendo los pasos de Caravaggio, sus pinturas barrocas fueron algunas de las más dramáticas y animadas de su tiempo. Se hizo conocida por su realismo, su hábil uso del claroscuro y la forma en que puso a las mujeres y sus historias en el centro de todas sus imágenes. Sus obras sobrevivientes muestran una visión personal única de las normas culturales y sociales de la época. A menudo le daba la vuelta a estas normas a propósito, utilizando su posición como artista para demostrar cómo los hombres dominaban la sociedad y poner un enfoque diferente en el poder de las mujeres.

Artemisia Gentileschi, Autorretrato como alegoría de la pintura , 1638-1639. Óleo sobre lienzo, 98,6×75,2 cm. Londres: Palacio de Kensington.

El autorretrato como alegoría de la pintura

La forma de armar el cuadro es similar a otras obras de arte de la época. Utiliza líneas diagonales para mostrar a la mujer y mostrar cómo se mueve tanto hacia el lienzo como alejándose de él. La habilidad de Gentileschi como artista se muestra en su uso del escorzo y otras técnicas tridimensionales. Estas técnicas también acercan al espectador a la pintura, tanto física como emocionalmente.

La luz viene de la izquierda, pero no puedes ver de dónde viene y es mucho más brillante de lo que esperas. Gentileschi está bien iluminada desde el frente, pero su espalda es difícil de ver. Una línea clara atraviesa la frente y las mejillas, baja por el costado del cuello y cruza el hombro izquierdo. Esta es una técnica de claroscuro que se usó mucho durante la era barroca para agregar dramatismo. La textura es una parte muy importante de las pinturas barrocas, y se puede ver en el cabello desordenado, las arrugas en la manga donde se derramó la pintura y las manos sucias, que hacen que la pintura parezca más real.

Por último, los colores del retrato son interesantes, en parte por la iluminación y en parte por las diferencias naturales en los tonos. A pesar de que la ropa y el fondo son oscuros, la piel pálida de la cara y el brazo derecho se destacan de inmediato. Cerca del cuello, la cadena de oro brilla, mientras que la cadena cerca del pecho, que termina en un colgante de máscara, se desvanece lentamente a un marrón opaco. La delgadez de la pintura en el fondo hace que parezca que no está terminada, pero una limpieza en 1972 eliminó la pintura posterior para devolverla a como se veía cuando se hizo por primera vez. Las iniciales del artista están escritas en la parte inferior de la paleta.

Breve interpretación

Debido a que "Painting" parecía una mujer en la mente de Ripa, Gentileschi podría usar esto a su favor para mostrarse como la mejor artista que podría ser. En términos de derechos y forma de vida, ser mujer durante la era barroca era mayormente malo, pero Gentileschi encontró esta joya en Iconologia para impulsar su reputación. Además, muchas de las figuras idealizadas de mujeres durante este tiempo hicieron que la gente pensara en cosas sexuales o sugerentes, pero Gentileschi pudo usar "Pintura" de una manera que hizo que las mujeres se sintieran poderosas.

Algunos críticos han dicho que la representación de Gentileschi de sí misma como la Alegoría de la Pintura la hace parecer un poco "arrogante". Además, la historiadora del arte Mary Garrard dice que esta es la única forma en que una mujer artista podría mostrarse porque las personificaciones alegóricas solo se usaban para mujeres.

Contexto histórico y aportes innovadores

Carlos I invitó a Artemisia Gentileschi a Londres en 1638, donde probablemente realizó este sofisticado y hábil autorretrato. Tiene un pincel en una mano y una paleta en la otra. Al hacer esto, muestra hábilmente que ella es la versión femenina de la pintura, algo que ninguno de sus contemporáneos masculinos podría hacer.

Esta pintura probablemente fue realizada por Artemisia Gentileschi durante su breve estancia en Inglaterra (1638-1641). Carlos I le pidió que viniera a Londres en 1638 para poder estar con su padre, Orazio Gentilieschi, que trabajaba allí desde 1626. En un nivel, el cuadro muestra una alegoría de la Pintura. Así se describe en el inventario de Carlos I. Artemisia utiliza el manual emblemático estándar de la época, la Iconología de Cesare Ripa, que describe la Pintura como "una bella mujer con abundante cabello negro, despeinado y torcido de diferentes maneras, con cejas arqueadas que muestran un pensamiento imaginativo, la boca cubierta con una tela atada detrás de las orejas y una cadena de oro en la garganta de la que cuelga una máscara con la palabra "imitación" escrita delante de ella".

Artemisia entiende bien las partes principales de esta descripción, pero omite la escritura en la máscara y la boca que está cerrada con cinta adhesiva para mostrar que Painting es tonto. Viste ropa que cambia de color rápidamente y sostiene un pincel y una paleta en sus manos. La obra es también un autorretrato, ya que Artemisia, como mujer artista, se ve a sí misma como la personificación de la Pintura. Hay otros ejemplos de cómo se han mezclado las identidades de las mujeres artistas en el pasado. Felice Antonio Casoni realizó una medalla de retrato en honor a la pintora cremonesa Lavinia Fontana. En el anverso hay un retrato de perfil del artista y en el reverso una alegoría de la pintura. En esta imagen, Artemisia combina dos estilos de arte muy conocidos en uno.

Pocos de los autorretratos de Artemisia han sobrevivido, y las cartas del artista sobre ellos solo dan pistas sobre cómo podrían haber sido otros. El parecido de Artemisia también se puede ver en un grabado de un autorretrato que pintó Jerome David, una medalla de bronce de 1625 a 1628, y un retrato suyo de Simon Vouet, que se encuentra en una colección privada en Bérgamo. Su autorretrato se ha encontrado en muchas de sus otras pinturas, como Mujer con laúd (Curtis Galleries, Minneapolis) y el recientemente atribuido Autorretrato como mujer mártir (colección privada), así como en muchas de sus pinturas religiosas. , que muestran cómo se retrató a sí misma.

Está claro que la imagen de Artemisia fue muy solicitada entre los coleccionistas del siglo XVII, quienes se sintieron atraídos por sus destacadas habilidades artísticas y su condición inusual como artista femenina. Cassiano dal Pozzo, un romano que coleccionaba y estudiaba cosas antiguas, era uno de sus mayores admiradores. En una carta que le envió desde 1630, ella dice: "He pintado mi retrato con sumo cuidado". Más tarde, promete enviar "mi retrato, que una vez me pediste". Algunos estudiosos piensan que estas dos cartas se refieren a la pintura de la Colección Real, que Artemisia nunca envió a Dal Pozzo sino que se llevó a Inglaterra. En 1630 tendría treinta y tantos años, lo que corresponde a la edad aparente de la imagen actual. Sin embargo, habría sido extraño que Artemisia rompiera su promesa de enviar el autorretrato mencionado en su carta a Cassiano dal Pozzo, uno de sus mecenas más prestigiosos. Algunos estudiosos piensan que el autorretrato de Cassiano ya no está y que este es otro que hizo Artemisia después de mudarse a Londres en 1638 (cuando tenía 46 años).

Artemisia usa un delantal marrón sobre su vestido verde y parece estar apoyada en una losa de piedra utilizada para moler pigmentos en la que se ve el reflejo de su brazo izquierdo. El dibujo subyacente a lo largo de su brazo izquierdo puede mostrar dónde dibujó una línea para mostrar dónde quería que estuviera su brazo. La forma en que apenas dibujó este brazo muestra una pincelada rápida y hábil. La gente ha pensado que el área marrón detrás de ella es el fondo o un lienzo en blanco sobre el que está a punto de pintar. Parece un lienzo preparado y siempre estuvo muy poco pintado, pero está desgastado y puede tener un parecido más cercano de lo que era la intención del artista. Dejó partes del suelo al descubierto para mostrar áreas de sombra. Destaca la parte de su manga derecha enrollada donde la sombra marrón del suelo expuesto se encuentra con los trazos blancos que definen el borde de su manga. La reflectografía infrarroja y la radiografía muestran que los dedos de su mano derecha están en diferentes lugares. Esto sugiere que la artista estaba trabajando en esta área mientras trabajaba, eventualmente alargando el dedo índice.

Como autorretrato, la pintura es particularmente sofisticada y lograda. La posición en la que Artemisia se ha retratado a sí misma habría sido extremadamente difícil de captar para el artista, sin embargo, la obra está pintada con muy pocos penitencias. Es posible que haya puesto dos espejos a cada lado de ella, uno frente al otro, para poder verse a sí misma. En esta pose difícil, que muestra su pintura, habría sido más difícil acertar con el ángulo y la posición de su cabeza. Esto habría requerido una visualización hábil. Con esta interesante pieza, Artemisia Gentileschi se sumó a los argumentos visuales del siglo XVII sobre el alto estatus del artista.

Contexto de preservación

La pintura fue realizada por Artemisia mientras estaba en Inglaterra. El rey Carlos I lo compró más tarde. Un registro de octubre de 1651 dice que cuando se dividió la colección real, pasó a manos de John Jackson, un abogado que trabajaba para acreedores parlamentarios. El coronel William Hawley, un monárquico, recuperó la pintura para el rey Carlos II durante su campaña posterior a la Restauración, que recibió el visto bueno del rey en agosto de 1660.

Frases célebres de Artemisia Gentileschi

• “Mientras viva tendré dominio sobre mi ser”.
• "Mi ilustre señoría, le mostraré lo que una mujer puede hacer".
• "Encontrarás el espíritu de César en esta alma de mujer".

dicen de ella

• "La única mujer en Italia que ha sabido lo que es la pintura, el color, el empaste y cosas esenciales similares". Roberto Longhi
• "Artemisia Gentileschi convirtió los horrores de su propia vida (represión, injusticia, violación) en pinturas bíblicas brutales que también fueron un grito de guerra para las mujeres oprimidas". El guardián
• "Artemisia Gentileschi fue una de las primeras pintoras del barroco italiano y la única mujer seguidora de Caravaggio, con quien trabajó en Italia a principios del siglo XVII. Sus composiciones innovadoras y su enfoque en las heroínas bíblicas la distinguen de sus contemporáneos masculinos y la han llevado a la celebración de Gentileschi como pintora con una perspectiva exclusivamente femenina". Museo de Brooklyn, Estados Unidos