AMANECER VIBRANTE (ESTIRADO) (2024)Pintura de Nadiia Antoniuk
¿Por qué expresionismo? Un puente entre las culturas artísticas de Alemania y Austria
Entre los movimientos artísticos que se desarrollaron con fuerza tanto en Alemania como en Austria, algunos de los más importantes incluyen el expresionismo, la Bauhaus y la Secesión de Viena. Comparar el expresionismo alemán y austriaco es más fácil que comparar la Bauhaus y la Secesión de Viena. De hecho, el expresionismo tuvo una amplia difusión y profunda impronta tanto en Alemania como en Austria, con un importante número de artistas y obras que pueden analizarse en paralelo. Este movimiento se expresó a través de diversas formas de arte, como la pintura, la escultura y el arte gráfico, y en ambos países los artistas expresionistas compartían objetivos similares, como explorar la condición humana y expresar emociones internas, aunque con matices locales y personales. Entonces, se hace evidente cómo el expresionismo ofrece un terreno común más amplio para la comparación entre Alemania y Austria, mientras que la Bauhaus y la Secesión de Viena, más diferenciadas en intención, contextos históricos y filosofías subyacentes, harían la tarea más ardua y compleja.
MISIFUX (2024)Dipinto de Eva Hidalgo
Colores cargados de sentimiento: entendiendo el expresionismo
El expresionismo, un movimiento artístico que se originó en varias ciudades de Alemania, surgió como reacción a la creciente ansiedad por la relación cada vez más discordante de la humanidad con el mundo y la pérdida de sentimientos de autenticidad y espiritualidad. El expresionismo, que surgió en parte como reacción contra el impresionismo y el arte académico, se inspiró en gran medida en las corrientes simbolistas de finales del siglo XIX. Artistas como Vincent van Gogh, Edvard Munch y James Ensor, con su inclinación por distorsionar las formas y utilizar colores intensos, influyeron profundamente en los expresionistas, permitiéndoles expresar una variedad de ansiedades y deseos.
Fue precisamente el advenimiento del expresionismo el que anunció nuevos estándares en la creación y valoración del arte. Este último surgiría del interior del artista, más que de la representación del mundo visual externo, y el criterio para evaluar la calidad de una obra de arte se convirtió en el carácter de los sentimientos del artista, más que en un análisis de la composición. Los artistas expresionistas a menudo empleaban pinceladas arremolinadas, onduladas y ejecutadas "exageradamente" en la representación de sus sujetos. Estas técnicas estaban destinadas a transmitir su turbulento estado emocional como reacción a las ansiedades del mundo moderno.
El enfoque del arte antes mencionado también debe entenderse como una poderosa herramienta de crítica social, en la que las representaciones de la ciudad moderna a menudo incluyen individuos alienados o angustiados -un subproducto psicológico de la urbanización reciente- que se utilizaron para comentar sobre el papel del capitalismo en la sociedad. el distanciamiento emocional de los individuos dentro de contextos urbanos.
El expresionismo, entonces, no sólo revolucionó los enfoques artísticos y visuales, sino que también ofreció un profundo alimento para el pensamiento sobre el mundo, haciendo evidentes las tensiones y contradicciones de la vida moderna.
Finalmente, desde un punto de vista cronológico, es importante destacar cómo la fase clásica del movimiento expresionista, que duró aproximadamente de 1905 a 1920, se extendió por toda Europa y posteriormente influyó en muchos individuos y grupos, entre ellos el expresionismo abstracto, el neoexpresionismo y el la Escuela de Londres. Hablando del mundo contemporáneo, a través de su intenso lenguaje visual y su capacidad de expresión emocional, el expresionismo sigue siendo una voz poderosa en el diálogo figurativo actual.
KAZUMI TAUPE - FRAU IN GRÜN, OCKER, SCHWARZ ERNST (2022)Pintura de Carolyn Mielke (carográfica)
Expresionismo Alemán: Orígenes, desarrollo y características de un movimiento revolucionario
El expresionismo alemán tuvo sus raíces a principios del siglo XX, marcando profundamente el panorama artístico con dos de sus principales grupos, "Die Brücke" (El Puente) y "Der Blaue Reiter" (El Jinete Azul).
Fundado en 1905 en Dresde, el grupo Die Brücke tenía como objetivo vincular la pintura neorromántica clásica con nuevas formas de expresión que luego se identificarían con el expresionismo. Los miembros de Die Brücke buscaron un arte más auténtico e intenso, reflexionando sobre la soledad, la alienación y las tensiones de la vida moderna. Utilizaron líneas gráficas contundentes y colores vivos y saturados para expresar sus visiones internas, y a menudo centraron sus obras en escenas urbanas dinámicas y cargadas de emociones. Los principales exponentes de Die Brücke fueron Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Fritz Bleyl, Emil Nolde y Max Pechstein.
En 1911 nació en Múnich Der Blaue Reiter, fundada por Vasily Kandinsky y Franz Marc. Este grupo se distinguió por un enfoque más abstracto y espiritual del arte. Der Blaue Reiter se centró menos en la representación de la realidad externa y más en la expresión de la dinámica espiritual e interna. Este movimiento puso menos énfasis en las tensiones sociales y más en la armonía universal, explorando el uso del color y la forma para expresar emociones puras y profundas.
Mientras Die Brücke enfatizaba una descripción cruda y directa de la experiencia humana, caracterizada por una crítica social incisiva y a veces brutal, Der Blaue Reiter se inclinaba hacia una visión más lírica y abstracta de la existencia, a menudo desconectada de la representación directa del mundo material. El enfoque de Der Blaue Reiter hacia el abstraccionismo sentó las bases para futuras corrientes artísticas que se desarrollaron después de la Primera Guerra Mundial.
¿Crees que me he olvidado de maestros como Otto Dix? Después de la guerra, el expresionismo evolucionó hacia un estilo extremadamente realista, caracterizado por una dureza sin precedentes, acompañada de brutalidad y representaciones impactantes. Estas cualidades se encuentran precisamente en el arte de Otto Dix, así como en las obras de Max Beckmann y George Grosz.
BODEGÓN (2018)Pintura de Borys Buryak
Expresionismo Austriaco: Historia, Características y Exponentes
El expresionismo austriaco cobró vida alrededor de 1909-1910 en Viena, con figuras clave como Oskar Kokoschka y Egon Schiele llevando la pintura a nuevas fronteras emocionales, logradas a través de retratos intensamente personales. El movimiento terminó trágicamente debido a los estragos de la Primera Guerra Mundial y la epidemia de gripe española que azotó Europa, provocando la muerte prematura de maestros como Gustav Klimt y el propio Schiele. Este período de intensa creatividad artística estuvo marcado además por el colapso del Imperio austrohúngaro y las profundas incertidumbres políticas de la época.
El expresionismo vienés se distingue por su intensa exploración de la figura humana, utilizando el cuerpo como vehículo para una representación emocional extrema, a menudo anclada en sentimientos y estados de ánimo específicos. En un contexto donde los movimientos abstractos dominaban la escena artística, estos artistas redescubrieron la importancia de los temas, utilizando pinceladas vigorosas y formas dinámicas para infundir "expresión" en sus obras.
Ernst Ludwig Kirchner, Marzella, 1909 - 1910. Óleo sobre lienzo, 76×60 cm. Museo, Estocolmo.
Egon Schiele, Dos niñas, 1911.
Comparación entre "Marzella" de Ernst Ludwig Kirchner y "Dos niñas" de Egon Schiele
Las obras "Marzella" de Ernst Ludwig Kirchner y "Dos niñas" de Egon Schiele, a pesar de tener sus raíces en el expresionismo, ilustran enfoques distintos y personales de la representación de la juventud.
Pintada entre 1909 y 1910, "Marzella" muestra una audaz exploración del retrato femenino. Kirchner utiliza colores ácidos como el verde y el naranja, creando un contraste visual que se aleja marcadamente de la serenidad propia de los retratos de juventud. La protagonista, una chica desnuda, está sentada con las manos cruzadas sobre el pubis, en un gesto que recuerda a "Pubertad" de Edvard Munch, pero con una actitud mucho más traviesa y cohibida. El entorno, realzado por cojines y objetos decorativos, junto con el uso de colores brillantes y formas "distorsionadas", contribuye a una atmósfera de lujo decadente. Kirchner expresa en este lienzo una crítica a la hipocresía y corrupción de la sociedad contemporánea, reflejando la inquietud del hombre moderno.
Por otro lado, "Two Little Girls" de 1911 expresa el profundo interés de Schiele por la psique infantil y la inocencia, tratando a sus sujetos con un sentido de realismo introspectivo y vulnerabilidad. Schiele, que se describió a sí mismo como un "niño eterno", capta la complejidad emocional del crecimiento a través de sus jóvenes modelos, a quienes retrata con un figurativismo austero pero a menudo casto. Las dos chicas, representadas en poses naturales y relajadas, expresan una tranquilidad y una espontaneidad que contrastan con la intensidad emocional más típica de las obras de Schiele, así como con la desinhibición parcialmente perceptible en "Marzella".
2 (2019)Pintura de Ramadan Hussien
SITZENDE IM GRÜNEN KLEID (2020)Dibujo de Barbara Kroll
Expresionismo alemán y austriaco contemporáneo: sujetos femeninos comparados
"2" de Ramadan Hussien y "Sitzende im grünen kleid" de Barbara Kroll son dos obras de arte de artistas que trabajan en Austria y Alemania, diseñadas para ofrecer perspectivas únicas y profundamente personales sobre la figura femenina, manteniendo al mismo tiempo una profunda conexión con la tradición expresionista.
La obra de Ramadan Hussien, un artista sirio que vive en Austria, fue creada mediante el uso de acrílico y carboncillo sobre lienzo para crear una imagen "policromática" diseñada para capturar la esencia emocional y la complejidad del sujeto femenino. Los colores brillantes y las formas "distorsionadas" se utilizan precisamente para expresar sentimientos intensos, probablemente en alusión al estado mental de tormento interior de la efigie. Nuevamente para representar este último aspecto, Hussien también combinó detalles parcialmente abstractos con elementos figurativos, destripando así una interioridad profunda, que va más allá de la mera representación visual. Finalmente, aportando energía y movimiento a la composición introspectiva son los tonos predominantes de verde, azul y rosa, que se mezclan de manera fluida y dinámica.
Por otro lado, la artista alemana Barbara Kroll adopta un enfoque más "desnudo" y "minimalista" en la obra "Sitzende im grünen Kleid", donde el soporte blanco emerge de debajo del trazo grueso, destinado a generar otra forma femenina. . Este último fue creado a través de una combinación de conté, acrílico sobre papel y técnica mixta, a través de la cual Kroll exploró la vulnerabilidad y la reflexividad de su sujeto, a veces plagado de líneas borrosas. En cuanto al uso de los colores, sin embargo, la alemana vuelve a resultar más sobria y sintética que su colega austriaca, ya que sólo utiliza el azul, el verde y el rojo, que se distribuyen, ya sea en líneas o en fondos.
Luego, se hace evidente cómo, aunque ambas obras demuestran una intensa exploración de la expresión humana y el lenguaje visual, Hussien emplea colores brillantes y formas atrevidas para comunicar un mayor movimiento emocional, mientras que Kroll utiliza una paleta más estrecha y líneas fluidas para evocar una introspectiva predominante. quietud.
DESNUDO 2 (2019)Pintura de Borys Buryak
LA FLOR AMARILLA (2022)Pintura de Victoria Cozmolici
Otras dos obras expresionistas, de tema femenino, son "Desnudo 2" de Borys Buryak y "La flor amarilla" de Victoria Cozmolici. A partir de Borys Buryak, el artista afincado en Austria ha creado una figura femenina desnuda de pie, con el objetivo de dar vida a un lirismo sensual, que se combina con una atmósfera íntima y de sabor muy introspectivo. De hecho, es precisamente en la sensualidad de un interior poco iluminado que la bella mujer desnuda casi nos da la espalda, para levantar las manos como si hubiera visto algo interesante frente a la ventana, probablemente parecido o curativo, los dramas de su corazón solitario.
En cuanto a Victoria Cozmolici, la pintora residente en Alemania ha creado "La flor amarilla", una obra que representa una figura femenina desnuda sentada. La intensidad emocional del tema no se plasma ahora en la penumbra, sino, por el contrario, en una paleta vivaz y en unas pinceladas enérgicas. Son estos últimos los que dan forma a una figura rodeada de azules, amarillos, verdes y marrones, tonalidades que se combinan para forjar elementos tanto figurativos como abstractos como los pensamientos.
Finalmente, se hace evidente cómo los movimientos afines del alma se representan de manera diferente en las dos pinturas, que se vuelven capaces de hacernos reflexionar sobre cómo el flujo del pensamiento puede llegar hasta nosotros en cualquier contexto...
Olimpia Gaia Martinelli
