Ralph Hackeland, Narciso , 2022. Acrílico sobre lienzo, 100 x 80 cm.
"[...] Aquí el muchacho, exhausto por los esfuerzos de la caza y el calor, vino a acostarse, atraído por la belleza del lugar y el manantial, pero, al tratar de saciar su sed, surge otra sed : extasiado en posar para beber de la imagen que ve reflejada, se enamora de una quimera: el cuerpo cree lo que sólo es sombra, asombrado se mira a sí mismo y sin poder apartar los ojos se queda petrificado como una estatua tallada en Mármol de Paro".
Con suprema sabiduría, Ovidio (c. 43 a. C.-17 d. C.), poeta romano entre los principales exponentes de la literatura latina, mencionado anteriormente en sus célebres Metamorfosis, un poema épico-mitológico destinado a transmitir a la posteridad numerosas historias y cuentos mitológicos del griego. y el clasicismo romano, narra el encuentro "amoroso" de Narciso. De hecho, de los 413 a los 467 versos de la obra, el joven de 16 años, acostumbrado a rechazar con orgullo a todos los pretendientes, se enamora perdidamente de un apuesto chico que, de manera "emulativa", le corresponde apasionadamente la mirada. . Desafortunadamente, Narciso pronto se dio cuenta de que había sentido atracción por su propia imagen reflejada en un charco, que conoció por primera vez y se perdió para siempre, ya que: es imposible, aunque a muchos les gustaría, multiplicar nuestra persona, para encontrar el dulce mitad. Precisamente por este drama, que termina con un Narciso destrozado, destinado a dejarse morir de dolor, el reflejo del cuerpo humano sobre superficies líquidas comienza a insinuarse con frecuencia en temas histórico-artísticos, re-presentando, en diversas versiones, esta desgarradora historia de amor perdido. Para plasmar la popularidad de Narciso en la historia del arte, podría ser suficiente hacer referencia a una de las mayores obras maestras de las artes figurativas, creada por el atormentado Caravaggio, cuya "enfermedad de vivir" probablemente se debió a su propio temperamento. , más que a motivos derivados narcisísticamente. La obra en cuestión es el Narciso, un óleo sobre lienzo realizado por el pintor milanés entre 1597 y 1599, conservado en la Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma, en el que la yuxtaposición entre la imagen del joven embelesado por su propia belleza y los nefastos hechos ocurridos poco después, debido precisamente a ese exceso de amor propio, se concretan a nivel inconsciente. De hecho, el maestro italiano elige representar el momento en que el joven, ataviado con ropaje del siglo XVII, descubre su imagen reflejada dentro de un lugar en penumbra, en el que su postura y expresión delatan todo su deseo de proyectarse hacia la imagen reflejada. en el agua. Esta narración figurativa, salvo en lo que se refiere a la vestimenta del joven, se hace fiel eco del relato de Ovidio, que Caravaggio tuvo ocasión de consultar, probablemente refiriéndose a vulgarizaciones renacentistas. El enfoque naturalista del artista italiano, revelado en particular por la postura espontánea y natural de la efigie, así como por su expresión absorta, se aparta drásticamente de interpretaciones anteriores, como la del fresco en la Casa de Marcos y Lucrecio Frontone (siglo I d. C.) en Pompeya o el punto de vista legado por los códices iluminados, resultando más "afín" a la investigación artística de Benvenuto Cellini, Dirck van Baburen y Francesco Curradi, hasta el punto de desligarse con fuerza de los más modernos, caricaturizados , puntos de vista victorianos e innovadores de Honoré Daumier, John William Waterhouse y Salvator Dali. Concluyendo el paréntesis de Narciso, es bueno destacar cómo, además de este tema milenario y de culto, en el que se realizaba el dúo arte-refracción, las extensiones de agua reflejantes también fueron objeto de interés en el género paisajístico, en especial, el impresionista. género, conocido por su atención dirigida a los efectos ópticos de la luz, que irradiando sobre diversos soportes naturalistas, supo dar voz a la fugacidad, así como a la singularidad, del momento presente.
Caravaggio, Narciso , 1597-1599.Óleo sobre lienzo, 112 x 92 cm. Roma: Galleria Nazionale d'arte Antica - Palacio Barberini
Claude Monet, La Grenouillère , 1869. Óleo sobre lienzo, 74 x 99,7 cm. Nueva York: El Museo Metropolitano de Arte.
El ejemplo de estas intenciones nos lo ofrece la investigación artística del más famoso maestro impresionista, Claude Monet, un pintor sumamente fascinado por el juego de luces creado por el agua, tanto que este elemento, omnipresente en su pintura, se convierte en, en algunas ocasiones, como las de los veinte lienzos sobre nenúfares, auténtico protagonista de la obra. Al fin y al cabo, como él mismo tuvo ocasión de desvelar, “el elemento básico es el espejo de agua, cuyo aspecto cambia a cada instante según se reflejan en él los jirones de cielo que le dan vida y movimiento. Para captar el momento fugaz, o al menos la sensación que deja tras de sí, es bastante difícil cuando el juego de luces y colores se concentra en un punto fijo, pero el agua, al ser un tema tan móvil y en constante cambio, es un verdadero problema... un hombre puede dedicarse toda su vida a tal trabajo". Para dar elementos de reflexión más concretos, es posible remitirse a La Grenouillère, un óleo sobre lienzo de Monet fechado en 1869, destinado a representar, en su "centro", una pequeña isla con un árbol y unos bañistas, una visión eso nos da una idea satisfactoria de cómo los parisinos de la época pasaban sus cálidas tardes de domingo bañándose o hospedándose en la orilla del río. En realidad, sin embargo, el centro de atención de la obra reside por completo en el Sena, más dinámico, un río destinado a rodear el balneario, haciéndolo atractivo a través de la interacción de su superficie de agua con los rayos del sol, los reflejos de la realidad circundante, y las hojas flotantes. Si bien este modo de representar la refracción tuvo un gran éxito dentro del impresionismo, el posimpresionismo "exacerbó" esta tendencia, dando lugar a reflejos poderosos, exagerados y extremadamente irreales, destinados a convertirse en rayos de luz "fluorescentes", que concurren con el sol. la luna y las estrellas para iluminar el paisaje, tal como lo demuestra la obra maestra de Van Gogh fechada en 1888 y titulada Noche estrellada sobre el Ródano. Finalmente, persiguiendo la intención de "asombrar", es decir, de ofrecer una imagen aún más original del fenómeno mencionado, apelo al genio excéntrico de Dalí y, en particular, a la obra maestra de 1937, Cisnes que reflejan elefantes, una obra en cuyos reflejos se convierten en una oportunidad para generar formas de vida adicionales a las de la realidad comúnmente percibida, tal como si Narciso llegara a poder besar su propia imagen reflejada con todo ese ardor, que le fue trágicamente negado. Hablando de arte contemporáneo, por otra parte, algunas de las miradas más actuales e innovadoras sobre el reflejo del agua nos las proporciona la investigación artística de los artistas de Artmajeur, entre los que destacan las interpretaciones de: Alexandra Djokic, Eva Volf y Dmitry Oleyn .
Alina Sunny, Espejo de agua , 2021. Óleo sobre lienzo, 70 x 50 cm.
Dita Lūse, Fuera de temporada , 2022. Óleo sobre lienzo, 70 x 80 cm.
Alexandra Djokic, Reflejo de agua nº2 , 2022. Acrílico sobre papel, 100 x 70 cm.
Alexandra Djokic: Reflejo de agua No. 2
Pensé en hacer que el espectador se acercara a la pintura acrílica de Djokic, imaginando que lo acompañaba dentro del estudio del artista, manteniéndolo en la oscuridad sobre el título y el tema que representaba. En un segundo momento, le pregunté a mi "experimentador social", a quien imagino de formación académica media, qué reconocía en aquella colorida composición. A esa pregunta, él, algo vacilante al principio, simplemente me describió lo que vio: un "entrelazado" armonioso y sinuoso de líneas serpenteantes, cuyas tonalidades varían del azul oscuro al celeste más claro, ahondando, por momentos, en amarillo, verde y marrón. Tras esta descripción puramente formal, mi "asistente" se animó, revelando, con extrema convicción, que tales rasgos estilísticos sólo podían representar, aunque de manera "sintética", y muy personal, los reflejos del sol, etc., plasmados en una superficie de agua indefinida. Todo este razonamiento conduce a un maestro de la historia del arte, cuya investigación artística se dirige a mostrar cómo, ya en la época del romanticismo, el realismo fue superado en cuanto a una comprensión inmediata de la realidad, pues su obra inequívoca representa incluso la forma más temprana de "abstraccionismo". El pintor al que me refiero es William Turner, cuya síntesis narrativa, registrada en obras como Tormenta en el mar (1831-32) y Acantilado del mar (1825), demostró cómo la idea del mar se remonta incluso a unos pocos pinceladas efectivas y estratégicas. A medio camino entre el "postimpresionismo" del artista de Artmajeur y el pseudoabstraccionismo de Turner, por otro lado, se encuentra la visión más realista de Väinö Hämäläinen, un conocido pintor finlandés, que inmortalizó el mismo tema en 1911, demostrando un carácter más " enfoque realista" con una clara derivación impresionista.
Eva Volf, Sun catcher , 2022. Óleo sobre lienzo, 91,4 x 91,4 cm.
Eva Volf: atrapasoles
El óleo de Volf se aleja de las interpretaciones más personales de la realidad, manteniéndose fiel, a través de una representación puramente realista, a la representación pictórica del juego de luces que alberga la superficie del agua, cada vez que se refleja el sol, como un vanidoso Narciso. en el mar. Esta última estrella bondadosa, que, a diferencia del personaje que acabamos de mencionar, se muestra muy útil a los demás, besa, con sus generosos rayos, toda la superficie de la tierra, convirtiéndose en el componente indefectible de los luminosos paisajes marinos de Macchiaioli. En este punto surge una pregunta: ¿los reflejos del mar, o la espuma que se balancea, también fueron realzados por pinturas menos luminosas? La respuesta, seguramente afirmativa, nos la ofrece la obra maestra de Caspar David Friedrich, Múnich junto al mar (1808-10), un cuadro en el que, dentro de una playa oscura y desierta, sólo aparece la figura de un monje, colocado frente a de la inmensidad del mar apenas iluminada por algún resplandor salvador, que proviene de un cielo tacaño espeso de nubes oscuras. Si esta visión fue sugerida al artista desde una perspectiva puramente romántica, encaminada a situar al protagonista, en toda su pequeñez, ante la majestuosidad de la naturaleza, existe también una segunda interpretación, mucho menos "filosófica", de este conocido paisaje con figura. De hecho, refiriéndonos a un punto de vista puramente científico, los reflejos luminosos del mar, a pesar del cielo oscuro, podrían estar justificados por la presencia "fluorescente" de plactones, microorganismos animales y vegetales, que, especialmente de noche, emiten luz cuando estimulado por barcos u otros animales. En consecuencia, ¡podríamos desearle al monje de Friedrich una buena pesca!
Dmitry Oleyn, Rainbow sea , 2022. Óleo sobre lienzo, 50 x 40 cm.
Dmitry Oleyn: Mar del arco iris
La pintura impresionista de Oleyn está influenciada por el punto de vista de dos maestros icónicos de la historia del arte, como Maximilien Luce y Claude Monet, en términos de tema, estilo y tratamiento de las fuentes de luz. No obstante, antes de pasar a desvelar cómo estos dos últimos aportaron perspicacia al artista de Artmajeur, conviene dar a conocer las peculiaridades de Rainbow sea, cuyo mismo título anticipa al espectador la presencia de un arcoíris, cuyas reducidas y delicadas luces de colores son revelado dentro de una amplia vista del paisaje marino, en la que un solo y pequeño bote flota en la distancia. Dejando de lado este último pequeño detalle blanco, es el lado izquierdo del óleo el que se impone como centro de interés de la narración figurativa, pues, iluminado como por un intenso relámpago, resplandece en el cielo y el mar, para interrumpir su resplandor detrás de la majestuosidad de una roca pesada y robusta. Esta visión, casi animada por formas de vida celestiales, culmina en la parte superior del cuadro, donde se materializa el milagro del mencionado "boceto" del arcoíris. Volviendo ahora a los dos maestros mencionados anteriormente, el diseño en perspectiva de la costa del mar en Normandía (1893) de Maximilien Luce está diseñado, de manera similar a la del artista de Artmajeur, para maximizar la difusión de la luz solar sobre la extensión de cielo y agua. Hablando de Monet, por otro lado, Oleyn hereda del maestro francés la pincelada ligeramente "textural" y el gusto por plasmar las rocas mirando al mar, como lo demuestran numerosas obras maestras del impresionista más conocido, como, por ejemplo, Mar agitado en Etretat (1883) y Acantilados de Belle-Île (1886).
Olimpia Gaia Martinelli
