Los maestros de la luz: Turner y Monet

Comienzo con una pregunta que es poco explotada, pasada por alto y muchas veces dada por sentada, tanto en términos generales como dentro del análisis de muchas obras maestras de la historia del arte, donde los títulos de las obras por sí mismos suelen resolver dilemas en grados, impidiendo a los críticos seguir investigando. la naturaleza, así como la identidad, de lo que se representa. En este caso específico quiero referirme a las obras que, en caso de no llevar una titulación explícita referente al tema, podrían inmortalizar, ya sea el fenómeno de la salida del sol, o el relacionado fenómeno de la puesta del sol. Este problema de identificación, que se planteará aquí sólo para algunas de las obras que se investigarán, me lleva a enseñarles una especie de truco, mediante el cual podría ser posible distinguir las dos manifestaciones dentro de una composición. De hecho, la salida del sol parecería traer cielos más brillantes y azulados, mientras que la puesta del sol, por el contrario, traería consigo la llegada de una mayor oscuridad, marcada principalmente por tonalidades rojizas. A pesar de esta aclaración, sigue siendo difícil, en algunos casos, distinguir con certeza entre las dos fases relacionadas del día, tanto que no me queda más remedio que dejar de lado el problema de identificar el tema para dedicarme al relato de vistas y paisajes de los dos maestros de la luz más conocidos, a saber, Turner y Monet, artistas cuyo trabajo, centrado principalmente en la representación de la luz y los datos atmosféricos, a menudo se dedicó a inmortalizar la manifestación o desaparición de la sol. Comenzando por el mayor de los dos, Turner, conocido por llevar la pintura de paisaje a nuevas e inéditas cotas, se distinguió por su magistral uso de la luz, entendida como un medio para cargar las escenas de una intensa emotividad, capaz de atribuir a la pintura una mayor nivel de expresión, destinado a aludir directamente a las manifestaciones de lo divino, dispuesto a calmar, o saptar, a los seres humanos. Lo que acabamos de describir encuentra manifestación, precisamente en esta última acepción negativa del miedo, en la obra maestra titulada The Slave Ship (1840), que, quizás ambientada al atardecer, inmortaliza una barca presa de la fuerza destructora de las aguas, como tiene la intención de huir del área en cuestión, pero pierde en su camino una multitud de hombres que intentan resistir la embestida de peces hambrientos y criaturas monstruosas. Dando voz a sus gritos de dolor, sin embargo, están los marcados colores de la paleta, dispuestos a enfatizar tanto el poder devastador de la naturaleza como la triste impotencia humana. Además de El barco de los negros existen otras obras maestras del maestro en cuestión, destinadas a representar los momentos del día de nuestro interés, como, por ejemplo, Amanecer con monstruos marinos (1845), Atardecer (1830), El valiente temerario (1839), etc., aunque la culminación de la experimentación al respecto se alcanza del artista en La luz y el color (La teoría de Goethe) (1843), pintura en la que también se realiza el ápice de sus estudios sobre la luz y el color. . Estos últimos se realizan dentro de un sujeto indeterminado, tal vez atrapado en la puesta del sol, en el que las formas, ahora desmaterializadas, son sustituidas por la presencia del color, la luz y la materia pictórica, marcadas por un movimiento centrífugo, destinado a contener, en parte, a los sujetos. al borde de la identificación. En todo caso, tal triunfo "abstracto" fue concebido para dar forma al conocido y "concreto" evento del Diluvio Universal, un cataclismo que, tomado del Génesis y capaz de sumergir el globo entero, pone de relieve la ambivalencia más querida de Turner. , a saber, esa peculiar concepción de una naturaleza "bipolar", a ser entendida como una fuerza creadora y destructiva al mismo tiempo. Finalmente, en cuanto a los experimentos sobre la luz antes mencionados, la obra surge de la asimilación de las investigaciones científicas de Goethe, en particular de la Teoría del Color, según la cual es la luz la que genera cromatismos, hecho que impulsó al artista a buscar los efectos lumínicos más exuberantes. lograr mediante el uso del color.

BLOCK ISLAND SUNRISE (2019) Pintura de Roy Wrenn.

BLISS (2023) Pintura de Eva Volf.

Llegados a este punto, ¿cómo es posible pasar de Turner a Monet? ¡Fácil! Simplemente necesitamos vincular algunos rasgos del romanticismo del primero con las peculiaridades impresionistas del segundo, acción que nos brinda el hecho de que Turner, al igual que el impresionismo posterior, prestó una atención innovadora a la pintura al aire libre, inmortalizando sus paisajes en cuadernos, como además de poner el color en el centro de su búsqueda artística. En todo caso, cabe destacar que, a diferencia de los impresionistas, el pintor inglés no quiso devolver al espectador una visión fiel de la naturaleza, sino plasmar las emociones que suscita el espectáculo de los increíbles acontecimientos de la creación. Hablando de Monet, es imposible no hacer referencia a Impression, Sunrise (1874), una obra maestra que representa el amanecer naranja en el puerto de Le Havre, donde la niebla y la atmósfera opaca del crepúsculo sugieren una sugerencia, o más bien una impresión, de la realidad, que sustituye a la descripción más tradicional y minuciosa de la naturaleza. Precisamente tales peculiaridades, pueden volver a encapsularse y reconocerse en el mismo término impresión, que, tras dar título a la obra en cuestión, también amplió su significado al movimiento del mismo nombre, del que también forman parte otros atardeceres de Monet, como , por ejemplo: San Giorgio Maggiore al anochecer. Este último óleo de 1908, que captura la isla de San Giorgio Maggiore en Venecia, forma parte de una serie de obras del mismo tema, destinadas a capturarla en varios momentos del día y, en consecuencia, desde diferentes puntos de vista cromático-atmosféricos. . Una vez terminada la historia romántico-impresionista, mi narración histórico-artística, sobre el atardecer o el amanecer, continúa a través del trabajo de algunos de los artistas de Artmajeur, como: Bozhena Fuchs, Otto Frühwach y Svetlana Kostina.

HERMOSO AMANECER (2023) Pintura de Tanja Frost.

AMANECER. ALBA. (2020) Pintura de Achille Chiarello.

Bozhena Fuchs: encuentro con el sol

La primera interpretación de la marina de Fuchs nos la proporciona la propia artista, afirmando cómo este óleo es capaz de captar y sintetizar la esencia del navegar de un barco, que es propulsado por la brisa del amanecer, capaz de teñir de rojo sus velas, un cromatismo destinado a recortase contra un cielo dividido entre naranja y azul, que intenta reflejarse en un mar, que vuelve a proponer las mismas tonalidades. Además, según el artista de Artmajeur, la visión de la mencionada embarcación en movimiento sería capaz de estimular, en el más receptivo de los espectadores, una sensación de anticipación y excitación, como si estuviera sintetizando el movimiento de un nuevo comienzo vital. De hecho, el espectador del cuadro también podría captar la energía de un medio de locomoción que, decidido a atravesar el agua, se dirige con vitalidad y optimismo hacia el sol naciente, símbolo por excelencia del milagro de la naturaleza y el infinito. posibilidades de nuestro viaje en la tierra. Sin embargo, desde una perspectiva histórico-artística, la asociación barco-puesta del sol recuerda inmediatamente el Fuego del atardecer (1880) de Winslow Homer, una pintura en la que los dos elementos principales son, una vez más, el barco y la puesta del sol, temas que anticipan el interés de Homero, que maduró en la década de 1880, por las marinas, tema que definitivamente sustituyó a otros dibujados en décadas anteriores por el artista.

SITUACIÓN GANAR GANAR (2023)Artes digitales por Otto Frühwach.

Otto Frühwach: situación de ganar ganar

Un atardecer de llamas encuentra su lugar en el fondo de una pintura que tiene como tema principal un encuentro entre dos hombres, lo que parece evocar la portada del álbum de Pink Floyd titulado Wish you were here, una obra de arte gráfico conocida por su poderosa influencia social. crítica, que, tomando forma en un nefasto apretón de manos, y a altísimas temperaturas, se erige como símbolo de la hipocresía de la industria musical, es decir, de esa extendida capacidad de ocultar las verdaderas intenciones, para evitar lo que le ocurre a la efigie de la derecha : prenderse fuego, es decir, quemarse por exponerse emocionalmente, dentro de un mundo en el que las estrategias siempre son necesarias. Abandonando las casas discográficas, buscando dentro de la narrativa de la historia del arte cuadros célebres, en los que se hace evidente la presencia de dos figuras al atardecer, es obligado hacer referencia a la obra de Caspar David Friedrich y, en particular, a la lienzo La puesta del sol (1830-35), pintura que muestra a dos hombres de espaldas atentos, como el propio espectador, a observar desde lo alto una marina en el momento de la puesta del sol. Los protagonistas de la obra, dos caminantes, visten un traje tradicional alemán, destinado a revelar su experiencia vital común, lo que les lleva a observar al unísono un mismo espectáculo, que, en sus mismas figuras, parece reunir, es decir, poner en contacto, el cielo y el mar. A pesar de esta "comunicación", el óleo está impregnado de una gran melancolía, ya que las efigies dirigen su atención a un paisaje al que, como muestra el camino interrumpido, no pueden acceder.

GONE WITH SUNSET (2023) Pintura de Svetlana Kostina.

Svetlana Kostina: Lo que se fue con el atardecer

Un perro corre por un camino rural, parece casi decidido a perseguir la puesta de sol, recorriendo un camino que lo lleva al borde del mundo, y probablemente, incluso de la existencia. Otro tipo de escena campestre, nuevamente marcada por una atmósfera de ensueño, mística y visionaria, se puede encontrar en una conocida obra maestra paisajística de la historia del arte, a saber, Atardecer en Eragny (1890) de Camille Pissarro, un óleo sobre lienzo que representa una puesta de sol naturalista en colores violeta y amarillo, con el objetivo de contarnos la historia de cómo el pintor se trasladó al pueblo de Eragny (Francia) en 1884, lugar donde alquiló una casa que luego compraría con la ayuda de Monet. Este emplazamiento, que siguió siendo durante las dos últimas décadas de la vida del maestro su casa-taller, permitió al pintor entrar en contacto con un entorno rural poco marcado por el desarrollo industrial, donde los principales temas de interés en la obra del artista eran sin duda la tranquila , campos ascéticos y contemplativos dominados por árboles mudos. Sin embargo, desde un punto de vista estilístico, la obra pertenece al período en que el maestro, habiendo entrado en contacto con Paul Signac y descontento con los rasgos estilísticos impresionistas, se acercó al enfoque "científico", así como a la técnica neoimpresionista. .