Introducción a la comparación
Los colores cálidos y fríos se mostrarán dentro de la narrativa de la historia del arte, siguiendo dos intenciones básicas: la primera es yuxtaponer obras maestras clásicas con obras contemporáneas de Artmajeur, mientras que la otra consiste en comparar dos tipos de escritura, una simple y descriptiva, la otra más lírico, creativo, imaginativo y emocional. Para ayudarle a comprender: comenzaré tomando el ejemplo del rojo, analizando "La habitación roja" de Matisse a través de una descripción clara, fluida y obvia, para luego contrastarlo, más adelante, con un texto sobre una obra contemporánea de tema similar. materia pero con un carácter textual más complejo y articulado. De esta manera, mientras continuamos con otros colores, no solo te pido que elijas entre temas artísticos nuevos y antiguos, sino también que te imagines expresando tus preferencias respecto a las diferentes formas en que se puede abordar la interpretación. ¡Empecemos!
50 SOMBRAS DE ROJO (2021)Pintura de Ditim
Colores cálidos
Rojo
Colores cálidos rojo "Armonía en rojo" (1908) de Matisse
"Harmony in Red" de Henri Matisse captura una atmósfera emocional y personal distintiva al desafiar las representaciones figurativas tradicionales. Dentro de la pintura, una empleada doméstica coloca cuidadosamente la fruta en un pedestal colocado sobre una mesa grande. Junto a esta escena, una silla rústica de paja se enfrenta a un lienzo de gran tamaño que muestra un paisaje simplificado. En primer plano, un arbusto llama la atención, mientras que al fondo se despliega un prado adornado con flores violetas y doradas. Delicados e imponentes árboles adornados con flores blancas marcan el paisaje. El horizonte, muy alto, delinea el cielo azul y escaso. Cerca de la sección superior, casi tocando la esquina izquierda, una elegante cabaña rosa completa la composición.
"50 sombras de rojo" de Ditim
Nos encontramos de nuevo en el interior, pero aquí el acto de disponer la fruta sustituye a la tranquilidad del descanso, incluso de naturaleza observacional. De hecho, no hay muchos elementos en la obra que muevan la mirada del espectador, ya que toda la atención es captada por la sensualidad de la protagonista de piel rojiza. Este apasionante color cálido, que también cubre el suelo visto desde arriba, sólo se ve interrumpido por el negro del sillón y algunos detalles más. Es en este ambiente descrito anteriormente donde la modelo queda dormida, adoptando una pose sensual y estudiada, probablemente para llamar la atención, invitando a quienes cruzan el umbral de su casa. Los rasgos estilísticos realistas refuerzan lo que acabamos de señalar, junto con el respeto a las leyes de la perspectiva, que faltaban en la narrativa del maestro francés, donde todo aparecía rojo y casi en el mismo plano. Sin embargo, Matisse perseguía una intención clara: distanciar al espectador del espacio real y conducirlo a su propia dimensión interior y emocional. Los espacios recién mencionados, en cambio, están estrechamente vinculados al mundo real por el erotismo concreto de Ditim, quien admite: la sensualidad "se extiende como hierro fundido sobre el cuadro, realizado en tonos rojos ardientes. Las manos que descansan con gracia sobre el reposabrazos y las elegantes piernas largas evocan elocuentemente gracia, sensualidad y feminidad. La mujer es definitivamente consciente de su magnetismo natural y sabe cómo enfatizarlo, provocando hábilmente sin cruzar la línea. Un atributo mortal en el arsenal de una mujer es un vestido negro que deja al descubierto un elegante cuello bajo el cual Aparecen clavículas frágiles. Las zonas expuestas de la piel arden bajo miradas ardientes pero aún dejan espacio para el vuelo de la imaginación. El rojo es el color de la atracción ferviente, el color de la vida vibrante y palpitante. Es la encarnación de la pasión desnuda, sinónimo de aceleración. Latidos del corazón y anticipación agonizante. Puede encender un fuego con una mirada, calentar el corazón. La pintura sorprende con su aura que encaja armoniosamente en los interiores, atrayendo indiscretamente la atención gracias a su romanticismo picante y su nitidez." Finalmente, tras asociar el rojo con la vida de los ambientes interiores, pasamos al que involucra el naranja y la figura femenina observada más de cerca.
MÚSICO, 2020 (2020)Pintura de Natasha Kiryushkina
Naranja
"Junio llameante" (1895) de Frederic Leighton
En la obra, vemos a una mujer durmiendo plácidamente en un banco de mármol, con el mar de fondo reflejando la puesta de sol. Lleva un vestido naranja semitransparente, que revela los contornos de su cuerpo al observador. Un leve rubor en sus mejillas sugiere una conciencia subconsciente de ser observada, incluso mientras duerme. Quizás la rama de adelfa tóxica situada en la esquina superior derecha simbolice el delicado vínculo entre el sueño y la mortalidad.
"Músico" de Natasha Kiryushkina
El naranja trasciende los límites de la ropa para desbordarse en el fondo de la obra y en parte en los matices de la piel de la mujer retratada, en este caso despierta pero quizás inconsciente de ser observada, mientras el peso de sus pensamientos lleva su mirada a otra parte, lejos. del espectador y quizás aún más lejos de ser comprendido o intuido. La melancolía, sin embargo, se puede compartir con el modelo, simplemente recordando por un momento lo que normalmente nos impulsa a sentir ese sentimiento, convocándolo para que nos cante una inquietante canción de cuna de angustia reprimida en nuestras mentes. A todo esto se le puede asociar una melodía lenta, como tal vez sugiere el título del cuadro realista del artista de Artmajeur, que también puede alternarse con el silencio que trae la trágica llegada de pensamientos desagradables no resueltos o el sonido compulsivo y palpitante del flujo. de continuos tormentos. Finalmente, en cuanto al contexto en el que se ejecutó "Musician", parece un interior, donde, a diferencia de "Flaming June", no se puede mirar a horizontes lejanos, por lo que nuestros ojos quedarán atrapados en la melancólica sonata de un monocromático naranja. Ahora, después de la asociación naranja-figura femenina, ¡pasemos al surrealismo amarillo-abstracto!
2011-AMARILLO-2-ACRYLIQUE SUR TOILE-130 CM X 130 CM (2011)Pintura de Corine Sylvia Congiu
Amarillo
"El oro del azur" (1967) de Joan Miró
La obra de arte de Miró se compone de una combinación de formas y símbolos orgánicos. Varias zonas de forma ovalada, tanto en negro como en colores, adornan el lienzo. Estos elementos están colocados sobre un fondo de color amarillo vibrante, con algunos símbolos superpuestos tanto con el fondo como con la región ovalada azul.
"Amarillo 2" de Corine Sylvia Congiu
Dejando de lado la discusión sobre las formas ovaladas para centrarnos en el color de fondo, así como la presencia de formas o símbolos orgánicos, podemos describir la obra de Corine Sylvia Congiu de manera similar, alineándola con la vena surrealista que va desde la abstracción hasta el figurativismo. Al igual que Miró, ofrece una herramienta dispuesta a evocar el inconsciente, así como el deseo y la libertad de expresión. En el universo fantástico donde se encuentran los estilos del artista catalán y el artista Artmajeur, se puede leer la figura de formas híbridas, a veces diseñadas para recordar vagamente algún aspecto realmente encontrado en la tierra. Todo está cuidadosamente elaborado sobre el soporte pictórico, evitando la aleatoriedad para organizarse en un cuidadoso equilibrio compositivo, donde fondo, formas, símbolos, alusiones a la realidad y colores se expresan armoniosamente. Finalmente, otros aspectos que unen las dos obras es la capacidad del fondo amarillo de condicionar toda la composición, sobre la que se superponen los signos, respetando una concepción espacial bidimensional organizada por los mismos elementos que la componen. ¡Ahora llega el turno de los colores fríos, donde el azul destaca en trabajos donde aparece como complemento fundamental!
“VIRGINIDAD” (2016) Fotografía de Diako Art
Colores fríos
Azul
"Virgen Anunciada" (1475) de Antonello da Messina
En el cuadro, María aparece representada en el momento en que se enfrenta a un interlocutor imaginario y su mano derecha parece retenerlo; la silueta de su manto revela el óvalo impecable del rostro de la Virgen. La composición encuentra un punto focal en el pliegue del manto azul, que va desde la frente hasta la esquina del atril, quizás colocado arbitrariamente, mientras que el giro sutil de la figura de María y el gesto de su mano dan una sensación de naturalidad a la escena. Algunas interpretaciones disciernen varios momentos narrativos dentro de los detalles expresivos de las manos, la mirada y los labios de María.
"Virginidad" de Diako art
Podemos imaginar una nueva obra de Antonello, en la que el manto azul se extiende exageradamente, cubriendo el fondo y a la protagonista, dejando al descubierto solo una parte de su busto y su mirada, que siguen siendo misteriosas en postura e intención. Sin embargo, los ojos, en la parte visible, parecen escrutar algo o alguien con recelo, probablemente cualquier figura que está por llegar, cuya presencia es decididamente desagradable. Este detalle nos devuelve a lo descrito en la obra maestra anterior, donde, con similar intención de repeler, incluso se había levantado una mano, pero ¿quién puede decir entonces que no ocurre lo mismo en “Virginity”? De hecho, parece posible, aunque atribuible a expedientes narrativos decididamente diferentes, ya que la artista de Artmajeur se inspira no en el recuento de textos sagrados sino en las múltiples dificultades que enfrentan las mujeres en sus vidas, enfrentando interdicciones, represiones, limitaciones y violencia, que Condenarlos a manifestar su presencia sólo en la parte donde les está permitido, y en este caso, sólo con una mirada. ¡Pasemos ahora al verde y morado de la vestimenta de algunos personajes en retratos, escenas religiosas y escenas de género!
SERIE CONEXIONES "NORTE Y SUR. NUEVA REALIDAD" (2015)Pintura de Yaroslav Kurbanov
Verde
"Retrato de Arnolfini" (1434) de Jan van Eyck
La escena representada se desarrolla dentro de la cámara nupcial: una pareja, ataviada con opulentos atuendos, se encuentra ante nosotros. El hombre de aspecto severo hace un gesto que puede interpretarse como una bendición o un saludo, mientras la mujer, visiblemente embarazada, extiende la mano a su marido y con la otra acaricia tiernamente su vientre hinchado. Los esposos Arnolfini adoptan una postura solemne y digna, probablemente reflejando la gravedad de la ocasión: este retrato fue probablemente encargado para conmemorar su matrimonio, exigiendo cierta seriedad en sus expresiones. Jan van Eyck captura meticulosamente los detalles del entorno, representando con precisión cada objeto dentro de la habitación.
"Norte y Sur: nueva realidad" de Yaroslav Kurbanov
El verde es el protagonista de la obra maestra descrita anteriormente, el cual, junto con su complementario rojo, logra avivar, aumentando el impacto compositivo, tanto de los volúmenes como de la profundidad de los espacios de la obra. Al hacerlo, naturalmente dirige nuestra atención más hacia el lado derecho del soporte pictórico, donde se coloca precisamente sobre las prendas de la mujer embarazada. Podemos tomar lo descrito hasta ahora y compararlo con la obra del artista Artmajeur: también un doble retrato. "Norte y Sur", utilizando la perspectiva del primer plano, enmarca sólo los rostros de dos figuras, nuevamente animadas por la presencia del verde y su complementario. El primero de ellos reaparece en lo que es la vestimenta, tomando forma en el colorido sombrero dispuesto a animar el lado derecho de la composición, que nuevamente aparece cromáticamente más cautivador, vivaz, rico y más captado por la mirada del observador.
HOLA ¿CÓMO PUEDO AYUDAR? (2024)Pintura de Ta Byrne
Púrpura
"La resurrección de Cristo" de Rafael (1501-2)
Jesús, saliendo de una tumba de estilo clásico, asciende. Está de pie sobre una nube ligera, sosteniendo una bandera cruzada en su mano izquierda mientras extiende una bendición con su mano derecha, formando el signo trinitario. Su figura, desnuda salvo por un gran manto rojo que envuelve su cuerpo, deja el pecho al descubierto. Sobre su cabeza descansa un delicado halo, y su rostro no tiene barba y su cabello ondea a lo largo. En la periferia, los soldados yacen boca abajo a ambos lados. Uno descansa sobre un escudo, con la cabeza adornada con un turbante ajustado, mientras que su homólogo empuña una espada suspendida a la cadera y levanta el brazo hacia Cristo resucitado. Al fondo, otra figura mira hacia arriba, vestida con armadura, casco y prendas ajustadas, armada con escudo y lanza. Las escenas en primer plano muestran una serpiente deslizándose hacia un soldado a la izquierda, mientras que una garza revolotea cerca de la orilla del agua a la derecha. La Virgen y dos mujeres devotas recorren un camino que desciende de una colina, flanqueado por un río sinuoso y enmarcado por esbeltos árboles. La luz del sol emerge detrás de la colina central, proyectando un resplandor luminoso. Flanqueando a Cristo hay dos ángeles flotando, envueltos en túnicas ondulantes, una de las cuales es de color púrpura.
"Hola, ¿cómo puedo ayudar?" de Ta Byrne
Del púrpura sagrado pasamos al púrpura secular, destinado a animar el color de la parte superior de una lámpara antropomorfa que, similar a un ángel, está colocada al lado del tema principal de la narrativa pictórica: una mujer rubia representada en un interior. "El otro ángel", esta vez vestido de amarillo, sería la segunda luz luminosa, situada en el lado derecho del soporte de Ta Byrne. Los dos seres alados de los Evangelios y del Nuevo Testamento acompañan la revelación de la inmortalidad de Cristo, mientras que la luz de las lámparas en "Hola, ¿cómo puedo ayudar" resalta la danza a veces abrumadora de la vida cotidiana, llevándonos a reflexionar tanto sobre el potencial de esa energía frenética y de los momentos más tranquilos, de carácter reflexivo, introspectivo y revelador que le son inherentes también. Finalmente, con respecto a su pintura, la propia Ta Byrne agrega: "Traté de capturar la belleza caótica de la multitarea moderna, el juego de manos de la tecnología, la indulgencia y el constante llamado del deber". Así que concluyo pensando en cómo la omnipresencia de la narrativa divina de la época de Rafael ahora es reemplazada por referencias frecuentes a nuestro sistema compulsivo, devorador, rápido y omnipresente, iluminado, y así hecho comprensible, por la lámpara púrpura de Ta, una vez un ángel revelador. de la palabra divina.
Olimpia Gaia Martinelli
