Mimi Eres, Rayas 22/27 , 2022. Acrílico sobre lienzo, 98 x 113 cm.
Haciendo referencia a la definición del diccionario de Google proporcionada por Oxford Languages, el término raya significa "la región del plano entre dos líneas paralelas", es decir, ese tema alargado, que a menudo ha reclamado su presencia predominante predominantemente en obras abstractas o minimalistas. De hecho, la popularidad de las rayas, cuya presencia ya se puede encontrar en la arquitectura y los motivos decorativos de las civilizaciones más antiguas, no se extendió como tema autónomo de composición hasta el siglo XX, época en la que las representaciones de cuadrículas y los monocromos también tuvieron un gran éxito. Esta recurrencia se encuentra, de hecho, en la obra de una serie de maestros, exponentes del abstraccionismo y el minimalismo, que han practicado, o siguen practicando, entre el siglo XX y la actualidad, como Barnett Newman, Sean Scully o Agnes Martin. , de cuyo análisis de la obra surgirá su personal interpretación del uso de este elemento lineal. Hablando de Barnett Newman, el escultor y pintor estadounidense nacido en 1905 fue uno de los principales exponentes de la Color Field Painting, una de las corrientes del Expresionismo Abstracto, a través de la cual investigó predominantemente abigarradas áreas de color separadas por líneas verticales, con el fin de generar armonías relaciones de sutil equilibrio, que tienden a dilatar el espacio. Lo anterior está bien ejemplificado por la obra maestra fechada en 1967, a saber, el acrílico sobre lienzo Voice of Fire , una obra abstracta en la que el estadounidense realizó tres franjas verticales de igual tamaño, en las que las dos exteriores están pintadas de azul y la del medio de rojo. Este tipo de investigación artística se encuadra de lleno en el marco estilístico de los más célebres maestros del expresionismo abstracto, quienes, como Jackson Pollock, Mark Rothko y tantos otros, cuestionaron qué era realmente la pintura, tratando de despertar emociones e ideas con exclusión de la tridimensionalidad típica del medio artístico, con el fin de promover reacciones suscitadas únicamente por el color, la pincelada y la textura. En cuanto a Sean Scully, por otro lado, el pintor estadounidense de origen irlandés, nacido en 1945, es conocido por sus pinturas abstractas caracterizadas muchas veces por una estructura rítmica de rectángulos de colores, en los que toma el control una decoración estampada de rayas o cuadros. Un ejemplo de este acercamiento al abstraccionismo es el óleo de 1999 titulado Wall of Light Desert Night , que, como parte de la serie Wall of Light , se inspiró en un viaje nocturno que tuvo lugar en el desierto de Nevada, destino elegido por Scully en para escapar del caos de la cercana Las Vegas, donde se alojaba. Son precisamente los colores admirados en este árido ecosistema observado al atardecer los que subyacen en la cromática elegida para la mencionada pintura, donde rectángulos rayados en azul, gris y negro aluden al avance de la oscuridad de la noche sobre la superficie de la arena, finamente representada por tres “ladrillos”. de un suave rosa claro. En este contexto, el espectador bien puede imaginar el triunfo paulatino de la oscuridad sobre la luz, pasando a contemplar, junto al artista, el patetismo que envuelve la oscuridad, entendida como esos misterios más íntimos de lo incognoscible, destinados a hacer que el hombre se cuestione a sí mismo desde hace siglos. Muy lejos. En conclusión, la tercera "maestra de las rayas" es Agnes Martin, pintora minimalista estadounidense, cuya experimentación artística, desde 1974 hasta su muerte, se centró principalmente en la investigación del potencial creativo de una sola forma, que, como por ejemplo con verticales y líneas horizontales, insertó dentro de un lienzo cuadrado de siempre el mismo tamaño. Lo recién descrito puede verse en la pintura de 1999 titulada Felices vacaciones , obra abstracta que se distingue por un campo pictórico cuadrado dividido en catorce franjas horizontales de igual anchura, donde el color blanco alterna con el rosa melocotón, en un patrón de bandas delimitado por lineas ondulantes realizadas en lápiz de grafito. Esta pintura, como las demás de la misma época, se inició imprimando toda la superficie del lienzo con una capa de yeso acrílico blanco, que, nunca recubierta por completo con sucesivos estados de color, confiere a la obra una amplia espacialidad visual y un singular , luminosidad vibrante. Además, la propia combinación del uso de la pintura con una delimitación imprecisa de las líneas del lápiz parece recordar al espectador, así como al propio artista, cómo en realidad la perfección geométrica no puede existir en la naturaleza, abriendo una larga reflexión sobre el matrimonio del arte y la conciencia de nuestro entorno.
Nataliia Sydorova, Dos tiras rojas , 2019. Óleo sobre lienzo, 100 x 80 cm.
Thomas Kausel, Geometrische abstraktion blue and blue , 2022. Óleo/acrílico sobre madera, 40 x 40 cm.
La tira: la línea en el Abstraccionismo y el Minimalismo
Haciendo una segunda referencia a la mencionada definición de la raya, es posible ver que contiene la palabra recta, término destinado a indicar una línea particular que se distingue por la peculiaridad de no cambiar nunca de dirección. En consecuencia, la historia de la raya en el arte también puede trazarse refiriéndose explícitamente a la de la línea, su elemento constitutivo por excelencia, que desde el siglo XX ha gozado de bastante éxito en el mundo creativo, como muestran los ejemplos Muestra de Abstraccionismo Lírico, Abstraccionismo Geométrico y Minimalismo. Respecto al primer movimiento, este lenguaje abstracto, desarrollado por el pintor y músico ruso Vasily Kandinsky y otros artistas, incluido el suizo Paul Klee, identifica la línea como uno de los elementos esenciales de la forma, así como la única entidad capaz de generar una superficie como función de su engrosamiento. Una obra que demuestra lo anterior es Línea transversal de Wassily Kandinsky, en la que es precisamente la orientación de las líneas lo que determina el título de la obra maestra, en la que la disposición de formas y colores evoca sentimientos de optimismo y felicidad. En cuanto al ejemplo del abstraccionismo geométrico, por otro lado, es imposible no referirse a la obra de Piet Mondrian, cuyos rasgos estilísticos implican el uso de unos simples elementos del lenguaje visual, como líneas verticales y horizontales entrelazadas ortogonalmente. , que se disponen sobre un fondo blanco marcado por el uso de los colores primarios amarillo, rojo y azul. Finalmente, en lo que respecta al minimalismo, la línea vuelve a ser protagonista de un lenguaje destinado a representar un cambio radical en el clima artístico, caracterizado por un proceso de simplificación de la realidad, basado en su reducción a las estructuras geométricas más elementales. A estos modos de interpretación de la línea, la "madre" de las rayas, puramente del siglo XX, se suman los puntos de vista rayados de los artistas de Artmajeur, como, por ejemplo, los de Carla Sá Fernandes, Robert Van Den Herik y Natalie Levkovska.
Tehos, Tehos - hojas de otoño, 2021. Collage sobre lienzo, 100 x 100 cm.
Ronald Hunter, Paneles amarillos , 2022. Acrílico sobre lienzo, 60 x 150 cm.
Carla Sá Fernandes, La creación emocional #364 , 2022. Acrílico sobre lienzo, 90 x 180 cm.
Carla Sá Fernandes: La creación emocional #364
Las franjas de colores realizadas en acrílico sobre lienzo por Carla Sá Fernandes persiguen la intención, como dice el título, de aludir a la esfera emocional, sacando a la luz todas aquellas sensaciones intuitivas, viscerales, espontáneas, intensas y explosivas que muchas veces nos vemos obligados a ocultar. detrás de un sentido del deber más práctico y razonable. Además, tal interpretación de la obra podría verse enriquecida por el cuidadoso estudio de la historia del arte, que hace posible la asociación de La creación emocional #364 con Aqueo , la obra maestra de Bridget Louise Riley fechada en 1981. Se trata precisamente de la obra de esta última británica. pintor, uno de los máximos exponentes del Op art, que representa, al igual que el acrílico del artista de Artmajeur, una composición de rayas, que ayudan a definir la estructura del cuadro. En el caso de 1981, sin embargo, Riley desarrolló su propia paleta cromática, totalmente inspirada en los colores de las pinturas de las tumbas del antiguo Egipto, que visitó en un viaje fechado en 1979. Finalmente, demostrando nuevamente la relevancia de las rayas en la obra de la artista británica. , es importante mencionar la exposición de 2014 titulada Bridget Riley: The Stripe Paintings, evento que, teniendo lugar en la galería David Zwirner (Londres), fue concebido precisamente con la intención de resaltar la dedicación de Riley a la interacción entre forma y color. , precisamente mediante el uso de líneas elementales.
Robert Van Den Herik, De camino a casa , 2022. Óleo sobre tabla, 80 x 80 cm.
Robert Van Den Herik: De camino a casa
Columnas de diferentes alturas, decoradas con franjas blancas y negras y dispuestas con fines puramente ornamentales en el paisaje desértico de un misterioso planeta del sistema solar, representan, junto con la ausencia de formas de vida humana, el símbolo de un mundo primero colonizado y luego abandonado por el hombre, que ha traído al universo rasgos estilísticos claramente atribuibles a la obra de Daniel Buren, artista conceptual, pintor y escultor francés nacido en 1938. Me refiero en particular a la obra de este último Las dos mesetas , que, más comúnmente conocida como Columnas de Buren , es una instalación de arte de 1985-1986, dispuesta en el patio interior del Palais Royal en París, Francia. Esta "ampliación" a este último edificio, construido en 1624 a instancias del cardenal Richelieu, se debió a los deseos del ex ministro de Cultura francés Jack Lang, quien decidió embellecer el patio del palacio, que anteriormente había sido utilizado como estacionamiento, con un trabajo por encargo de Buren. Fue precisamente la realización de este último lo que generó un acalorado debate sobre la integración del arte antiguo y moderno, reflexión que, en el caso de la obra de Robert Van Den Herik, podría incluso extenderse a la "fusión" del arte antiguo, moderno arte y paisaje, invitando al espectador a imaginar la relación entre el estilo creativo y los nuevos mundos a ser "colonizados".
Natalie Levkovska, ¡A bailar! , 2022. Dibujo / gouache / lápiz sobre papel, 72 x 52 cm.
Natalie Levkovska: ¡Vamos a bailar!
La obra de Levkovska incluye, en el lenguaje de las artes figurativas, un imprescindible del mundo de la moda, ¡como es el vestido de rayas! Precisamente este tipo de ropa es capaz de contar una rica historia llena de contrastes, en la que las rayas asumen un papel tanto positivo como negativo. De hecho, durante la Edad Media se asociaron puramente con las características de los uniformes de los prisioneros, lo que hizo que la opinión pública los percibiera como signos evidentes de transgresión. Más tarde, y más concretamente durante la Revolución Francesa, los vestidos de rayas, que llevaban los Sanculot, se convirtieron en el símbolo más puro de la convulsión política. De manera "similar", la asociación de las rayas con un mensaje político se repitió en 1777, cuando las rayas de la recién creada bandera estadounidense representaban la idea de libertad. Sin embargo, a partir de 1858, las rayas también se hicieron extremadamente populares en la marina, ya que, en el mismo año, fueron elegidas como patrón del uniforme oficial de los marineros franceses. Sin embargo, no fue hasta el siglo XX que las rayas se volvieron más puramente decorativas y menos "simbólicas", gracias al trabajo de Coco Chanel, Adidas, Sonia Rykiel, Tommy Hilfiger, Jean Paul Gaultier y muchos otros, quienes las convirtieron en un clásico de la ropa, adaptable a cualquier tipo de ocasión.
Olimpia Gaia Martinelli
