¿Cómo definir el arte pop ? Este movimiento internacional, que apareció a mediados de la década de 1950 en Inglaterra , aún brilla considerablemente en nuestra sociedad moderna. A veces considerada como descendiente directa del dadaísmo, esta corriente se burla del mundo silencioso del arte, al apropiarse de los códigos de la cultura pop , el consumo masivo, la publicidad, la industria de Hollywood y los principales medios de comunicación. El arte pop ofrece al espectador una mirada nueva, accesible, divertida y, en ocasiones, crítica sobre los fallos de nuestra sociedad de consumo. Con obras coloridas y comprensibles, difumina así los límites y jerarquías entre las artes superiores e inferiores, entre las Bellas Artes y el arte popular.
5. ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?, Richard Hamilton
Esta obra se considera, con razón, la primera verdadera obra de arte pop . Realizado en 1956 por el artista inglés Richard Hamilton , este pequeño collage ( solo 26x25cm ), consta de imágenes de revistas americanas . Por otra parte, el título de esta obra, en francés " ¿Qué es exactamente lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?" Está inspirado en un eslogan que se encuentra en una de estas revistas, haciendo que el revestimiento promueva el suelo y el diseño colorido.
La escalera del lado izquierdo es de un anuncio de una aspiradora, el culturista del medio es el ganador del concurso Mister Los Angeles (Mr.LA) de 1955, la mujer en el sofá de la derecha es de una revista erótica ... La obra abunda en símbolos de la sociedad de consumo y la cultura popular , que agrupados así forman un atrevido panfleto crítico contra los fallos de una sociedad estereotipada y egocéntrica .
Richard Hamilton , consciente de haber abierto la brecha de un potencial nuevo movimiento artístico , comenzará el año siguiente a teorizar el Pop Art : para él, debe ser " un arte popular destinado a las masas, efímero, a corto plazo, consumible". , fácilmente olvidable, de producción masiva, barata, joven, ingeniosa y sexy ” . Algunas de estas características, evidentemente, desaparecerán con el tiempo (especialmente en lo que respecta al precio de estas obras, que ahora están alcanzando sumas estratosféricas), pero otras seguirán siendo, aún hoy, perfectamente adecuadas a esta original definición.
4. Mira Mickey , Roy Lichtenstein
Después de Inglaterra, cambiemos de continente para interesarnos por los inicios del arte pop estadounidense. Roy Lichtenstein , el pícaro artista que produjo esta obra en 1961 , no estaba predestinado a convertirse en el ícono del Pop Art que hoy conocemos. Antes de este logro, expresó más bien su ardor artístico a través del expresionismo abstracto , un movimiento artístico dominado en gran medida por sus contemporáneos Jackson Pollock y Willem de Kooning .
En 1961, uno de sus hijos lo provocó: mostrándole uno de sus cómics, le dijo " ¡Apuesto a que no puedes pintar tan bien!" " . Desafío aceptado para Roy Lichtenstein, que trabaja en la creación de una obra monumental ( 122x175cm ) inspirada en una burbuja de cómic (Donald Duck Lost and Found ). Esta obra, además de divertida y estéticamente agradable de contemplar, constituye la vanguardia de muchas cosas: es la primera obra de arte real que se inspira abiertamente en el mundo del cómic , y esta es la primera obra donde el artista utiliza la técnica de los puntos Benday ( puntos dispuestos simétricamente y en gran número, que dan la ilusión de un color sólido con la distancia ). Hoy en día, tendemos a ver a Mickey en todas partes en el arte contemporáneo: bueno, es esta obra la que representa la primera intrusión del famoso ratón en el mundo del arte .
3. Bandera , Jasper Johns
Esta impresionante obra por sus dimensiones ( 107x153cm ) fue realizada por Jasper Johns en 1954 . Representa la bandera estadounidense , con sus 48 estrellas correspondientes a los distintos estados confederados en ese momento, que por lo tanto aún no incluye Hawai y Alaska. Cuando produjo este trabajo, Jasper Johns tenía solo 24 años y acababa de ser liberado de sus obligaciones militares en el Ejército de los Estados Unidos. Por lo tanto, la bandera estadounidense fue de gran importancia en su vida, pero también fue el centro de las noticias en ese momento.
La obra es ante todo revolucionaria por las sutilezas de su realización . Empleando diferentes técnicas como la encáustica , el collage de periódicos antiguos y la pintura al óleo , la obra se sitúa en la frontera entre el arte abstracto , todavía muy influyente en Estados Unidos, y el arte figurativo , ya que el motivo representado es eminentemente comprensible. Al adoptar este motivo conocido por todos, puede concentrarse en la ejecución plástica de su lienzo , más que en el simbolismo del conjunto. Desdibuja así las divisiones clásicas de la lectura de obras: los críticos ya no pueden saber si se trata de una bandera pintada o de una pintura de bandera . Para Johns, son ambos. Está inscrito así en el corazón del neo-dadaísmo , pero también en los cimientos del Pop Art , el arte minimalista y el arte conceptual .
2. Díptico de Marilyn , Andy Warhol
Esta monumental serigrafía ( 205x290cm ) del famoso Andy Warhol fue realizada en 1962 , justo después de la muerte de Marilyn Monroe . Consta de 50 fotografías de la actriz , capturadas en 1953 durante la promoción de la película Niágara. En la mitad izquierda, las imágenes son súper coloridas, pero en la mitad derecha, todas las fotografías están en blanco y negro. Esta elección representa la relación de Marilyn Monroe entre la vida y la muerte , y también simboliza los dos temas favoritos del artista estadounidense: la muerte y el culto a la celebridad . La abundancia de imágenes recuerda la omnipresencia del icono en los medios , pero el lado derecho del panel, en blanco y negro, nos confirma que la estrella sigue siendo mortal , al tiempo que la hace eterna para siempre a través de 'una obra hoy considerada por el diario británico El Gardian como una de las 3 obras de arte moderno más influyentes del mundo .
1. Un chapoteo más grande , David Hockney
Para el último trabajo en esta clasificación, volvamos a Inglaterra . David Hockney tenía 30 años cuando realizó esta obra luminosa y frívola . Sobre este lienzo monumental, como sus compañeros ( 2,42 x 2,43 m ), descubrimos un trampolín en primer plano, una piscina, luego una villa. Las proyecciones en la superficie del agua nos hacen comprender sutilmente que una persona acaba de bucear allí.
Aparte de un análisis estrictamente pictórico, la obra nos lleva a un viaje a una California hedonista y fantasmagórica , donde se mezclan la celebridad, el exceso, la seducción, la impertinencia y la exaltación de los sentidos. Este cuadro, tercero de una serie dedicada a las piscinas (elemento pictórico que ama a David Hockney), ha tenido un gran éxito, sobre todo gracias al carácter obsesivo y metódico de su autor : aunque muy minimalista, este cuadro revela una simetría perfecta : Ve muchas líneas, limpias y rectas, que estructuran la composición para darle ese pequeño lado estricto que la hace tan agradable de contemplar. Las salpicaduras empujan la cuadrícula implícita de esta escena, lo que permite al espectador concentrarse en la acción. Aunque la obra está desprovista de figuras humanas (lo que rara vez es el hábito de Hockney), todavía sentimos una fuerte presencia, incluso fuera del agua que salpica: la silla plegable ( típicamente hollywoodense ), las cortinas corridas o el borde de césped bien cuidado nos recuerda que una aparición humana es inminente , ¡y nos encanta el sentimiento!
Esperamos que esta clasificación le haya resultado agradable de leer y contemplar . Para los amantes del género, recomendamos nuestra colección dedicada al Pop Art , que reúne la flor y nata de la creación contemporánea.
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Bastien Alleaume (Crapsule Project)