Name: ARTMAJEUR
Brand: ARTMAJEUR
Rating: 4.9 (12664 reviews)

Emily Coubard (Mil.), Gaze , 2022. Collage auf Leinwand, 30 x 30 cm.

**Flämische Malerei, die von Jan Van Eycks Madonna des Kanzlers Rolin enthüllt wurde**

Um zu erzählen, wie die Kunst Belgiens ihren Einfluss auf die Geschichte der westlichen Kunst ausgeübt hat, die Beschreibung ihrer bekanntesten Meisterwerke, die jene revolutionären Stilmerkmale veranschaulichen, die die Besonderheiten der beliebtesten Formen des figurativen Ausdrucks aller Zeiten unauslöschlich geprägt haben, könnte genügen. Nach dieser Einsicht ist es unmöglich, auf Jan Van Eycks Madonna des Kanzlers Rolin zu verweisen, ein ikonisches Werk der flämischen Malerei aus dem Jahr 1436, das im Louvre in Paris aufbewahrt wird. Das Gemälde wurde für den Kanzler von Burgund und Brabant Nicolas Rolin angefertigt, der auf der linken Seite der Tafel vor der Jungfrau kniet, die mit dem Kind auf den Knien dargestellt ist, wie sie sie einem fliegenden Engel mit Absicht zurückgibt darauf, das Gewicht einer kunstvollen Krone zu tragen. Diese Szene findet ihren Schauplatz in einem Raum, der gekonnt nach den Prinzipien der linearen Perspektive konstruiert wurde, reich verziert und von einer eleganten klassischen Kolonnade umgeben ist, die einen umzäunten Garten überblickt, der wahrscheinlich das Konzept des Hortus conclusus oder diese typische Form des Mittelalters symbolisieren sollte Grünfläche, in der Heil- oder Nahrungspflanzen und Bäume untergebracht waren, die in Klöstern und Klöstern angebaut wurden.

Jan Van Eyck, Madonna des Kanzlers Rolin , 1435 ca. Öl auf Holz, 66 x 62 cm. Louvre-Museum, Paris.

Jenseits dieses „idyllischen“ Raums erstreckt sich eine schwierig zu identifizierende Stadtlandschaft, die von Historikern oft mit einer Art himmlischem Jerusalem in Verbindung gebracht wird, einem heiligen Ort, an dem sich der Herr manifestiert, sobald die schändlichen Ereignisse der von Johannes erzählten Apokalypse vorüber sind. Der Reichtum an verborgenen Bedeutungen des Werks setzt sich fort durch die Anordnung zahlreicher Details auf der Leinwand, die hauptsächlich auf religiöse Symbole und Attribute anspielen sollen. Zu dieser subtilen Erzählung gesellen sich auch die beiden profanen Rückenfiguren, die, im Hintergrund und im Zentrum des Werkes angeordnet, von der Tribüne aus in einer Art „Anbetung“ auf die Stadt des „lebendigen Gottes“ blicken (Hebr. 12:22). Wenn man sich nur auf die letztgenannten Figuren konzentriert, zeigt sich deutlich, dass die mit dem Turban eine Art Leitmotiv von Jan Van Eycks künstlerischem Schaffen darstellt, das sich auch in dem Mann findet, der sich im Spiegel des Arnolfini-Porträts (1434) widerspiegelt, im Protagonisten von das Porträt eines Mannes mit Turban (1433) und in der Figur, die sich in der Rüstung des heiligen Georg in der Jungfrau und dem Kind mit Canon van der Paele (1436) widerspiegelt. Gerade im Hinblick auf diese Wiederkehr lässt sich ein Zusammenhang herstellen, da viele Gelehrte in dem Meisterwerk von 1433 ein mögliches Selbstporträt des Künstlers erkannt haben, was folglich auf das Madonnenbildnis des Kanzlers Rolin hindeuten würde könnte ebenso Jan Van Eyck selbst sein. Für den Fall, dass diese Vermutung plausibel ist, können wir uns den Maler vorstellen, der im Hintergrund der Hauptszene von Nicolas Rolin und der Madonna völlig unbeteiligt an dem mystischen Geschehen zu sein scheint, da er darauf bedacht ist, wie aufmerksam er seine ist Nachbar bewundert die Stadtlandschaft und verfolgt wohl das Ziel, dort eine konkrete Gottesspur zu finden.

Serge Broeders, Der Stuhl mit dem Tuch , 2020. Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm. Mc_garbage, Nathanstraße . Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm.

Kurze Geschichte der flämischen Malerei

Das oben erwähnte Meisterwerk von Jan Van Eyck führt uns in das Herz der flämischen Malerei ein, einer Schule mit Ursprung im 15. Jahrhundert, die im 15., 16. und 17. Jahrhundert eine grundlegende Rolle in der europäischen Kunstgeschichte einnahm. Innerhalb dieser langen Zeitspanne lassen sich drei grundlegende Phasen der genannten Art der künstlerischen Auseinandersetzung unterscheiden: die der flämischen Primitiven (15. Jh.), die Hochrenaissance und der Barock. Ersteres, das unauslöschlich mit den Namen großer Meister wie Jan Van Eyck, Rogier van der Weyden und Robert Campin verbunden ist, wurde hauptsächlich durch die Produktion von Gemälden mit religiösen Themen expliziert, begleitet von einem starken Interesse am Genre der Porträt- und Landschaftsmalerei Hintergründe. Eine solche Herangehensweise an die Kunst beeinflusste stark die europäische Malerei derselben Jahre, die, die Flamen "nachäffend", ähnliche stilistische Tendenzen annahm, sowie die Verwendung von Ölmalerei anstelle der Temperamalerei. Apropos flämische Renaissance (15.-16. Jahrhundert): Die künstlerische Produktion dieser Zeit erweist sich als überwiegend von der italienischen Kunst und Kultur beeinflusst, die durch gemalte Gobelin-Karikaturen, Stiche und Drucke nach Flandern gelangte, die von Meistern nach Nordeuropa geschickt wurden aus dem Bel Paese. Trotz des starken italischen Einflusses gab es in denselben Jahren auch flämische Meister, die weiterhin der lokalen figurativen Tradition und in größerem Umfang auch der nordeuropäischen folgten und sich ebenso wie das Werk durch ziemlich originelle und innovative Stilmerkmale ausdrückten von Hieronymus Bosch und Pieter Brueghel dem Älteren demonstriert. In Bezug auf die Barockzeit (16.-17. Jahrhundert) war es der flämische Rubens, der einflussreichste Maler des frühen 17. Jahrhunderts, der die Tendenzen dieser Bewegung am besten zum Ausdruck brachte, deren Entwicklung er als einer der ersten Meister förderte , Popularität und Verbreitung. Abschließend ist darauf hinzuweisen, dass der Begriff Flämisch nicht auf eine bildliche Kultur beschränkt ist, die ausschließlich aus dem heutigen Belgien stammt, da dieser Ausdruck untrennbar mit der historischen Region Flandern verbunden ist, einem Gebiet, das zur Zeit des oben Genannten existierte Masters, umfasste auch Regionen in den Niederlanden und Nordfrankreich.

Michel Leclercq, Opaline Nr. 2 , 2016. Öl auf Leinwand, 100 x 80 cm.

Régis Gomez., Paradise , 2020. Skulptur, Harz/Holz/Draht/Metalle/Plastik/Sand auf Holz, 21,5 x 23 x 23 cm.

Belgische Kunst: ein Fokus auf Zeitgenossenschaft

Obwohl die flämische Schule einen zeitlosen Klassiker darstellt, der oft mit der höchsten Ausdrucksform der belgischen Kunst in Verbindung gebracht wird, sollte expliziter erwähnt werden, wie dieses kleine Land die Kunstwelt danach weiterhin beeinflusst hat, indem es die Ansichten großer Meister bietet, wie z. zum Beispiel James Ensor (1860-1949), Paul Delvaux (1897-1989) und René Magritte (1898-1967). Darüber hinaus setzt sich diese kreative Erzählung bis in die Gegenwart fort, wie die Standpunkte von Dirk Braeckman, Pierre Alechinsky, Michael Borremans und Ann Veronica Janssens sowie die von Artmajeur-Künstlern wie Anne Platbroot, Katya M und Le Closier zeigen.

Anne Platbroot, Katze Serena , 2021. Skulptur, Keramik auf anderem Untergrund, 26 x 13 x 1 / 1,90 kg.

Anne Platbroot: Serena-Katze

Die elegante und raffinierte Miss Serena, eine anthropomorphe Katze, die die Kleidung der luxuriösesten Renaissance-Tradition trägt, drängt sich im Raum mit einem offensichtlichen Ausdruck von Gelassenheit, Unbeschwertheit, Selbstvertrauen und Lässigkeit auf, der durch ihr dunkles Gesicht im krassen "Kontrast" scheint mit der Erhabenheit und Ernsthaftigkeit ihres langen und voluminösen Rocks aus weißer Keramik. Dieses majestätische Bild, das uns an eine Adlige vergangener Tage erinnert, die in einem Moment des verspielten Spaziergangs gefangen ist, wurde jedoch durch ein akkurates zeitgenössisches Detail bereichert: die Taschen des Kleides, in denen das Tier teilweise seine Identität verbergen kann Irgendwo zwischen Frau und Katze. Nach Angaben des Künstlers wäre dieses besondere Modell, dessen Kleidung der Zeit von Pieter Brueghel dem Älteren würdig ist, jedoch von Jacques Demys Film The Wonderful Tale of Donkey Skin inspiriert worden, in dem eine atemberaubende Catherine Deneuve ein Eselsfell trägt sich eine neue Identität zu schaffen, um einer inzestuösen Ehe mit ihrem Vater zu entgehen. Folglich ist es plausibel zu glauben, dass die Katze Serena wie Donkey Skin auf eine Figur anspielen soll, die der Welt der Märchen würdig ist, einem Ort, an dem Erwartungen nie enttäuscht werden.

Katya M, Tischlampe - Katya M. , 2021. Design, 23,5 x 25 cm.

Katya M: Tischlampe – Katya M.

Mit der Welt der Märchen verwandt erweist sich auch die Realität, die irgendwo zwischen Naivität und Surrealismus liegt, gut ausgedrückt durch das Designobjekt Katya M, das auf eine große figurative Tradition Belgiens zurückgeht, konkretisiert durch die Arbeit von Ikonen der Kaliber von Magritte und Mesens. Tatsächlich ist die belgische surrealistische Bewegung, die im Vergleich zu ihrem französischen Gegenstück oft "marginalisiert" wird, das Ergebnis einer äußerst überzeugenden Geschichte, da sie komplex, widersprüchlich und problematisch ist. Der belgische Surrealismus entstand aus einem starken Dissens, der zum Ausdruck kam, als Camille Goemans, Marcel Lecomte und Paul Nougé 1924 durch die Veröffentlichung der Zeitschrift Correspondance energisch gegen die aus Paris kommenden „Cousin“-Ideologien Stellung bezogen. Den „Protesten“ dieser drei Literaten schlossen sich bald andere Künstler an, wie ELT Mesens, Marcel Mariën und der ikonische René Magritte, dessen Produktion, vereint durch eine Verschmelzung von Realität und Unbewusstem, sich auszeichnete, um das Ziel zu verfolgen exzentrisch aussehende Kreaturen und Visionen sowie unlogische Szenen zu erzeugen, die den Betrachter destabilisieren sollen. In diesem Zusammenhang neigen die "pro-französischen" Standpunkte dazu, nur die Figur von Magritte zu berücksichtigen, und behaupten, dass letzterer erst zu einem führenden Mitglied der Bewegung wurde, nachdem er Brüssel nach Paris verlassen hatte. Tatsächlich malte der Künstler, als er 1930 in sein Heimatland zurückkehrte, fast die Hälfte seiner Werke. Daher findet Artmajeurs künstlerisches Remake seinen Platz in einer großen Tradition, die es verdient, besser untersucht, verbreitet, bekannt gemacht und hervorgehoben zu werden, um das Ziel zu verfolgen, alle möglichen Vorurteile abzubauen.

Le Closier, Lovers , 2021. Acryl auf Leinwand, 76,2 x 76,2 cm.

Le Closier: Liebhaber

Lovers , ein farbenfrohes Acryl auf Leinwand, scheint sich grelle Farben und Pop-Poetik zu leihen, um ein bekanntes Meisterwerk der Kunstgeschichte in ein attraktives künstlerisches "Produkt" zu verwandeln, das darauf abzielt, die Massen auf Augenhöhe mit den berühmtesten Medienphänomenen zu verzaubern . Magrittes Werk ist in jeder Hinsicht ein „Muss“ der westlichen figurativen Produktion, das kein Kunstliebhaber es sich leisten kann, es nicht zu kennen, zu betrachten und folglich als Ikone zu vergöttern. Diese Hingabe ist nicht nur auf das exzentrische Bild der beiden bedeckten Gesichter beim Küssen zurückzuführen, sondern auch auf die Bedeutung von The Lovers selbst, die sowohl auf die Geschichte einer zweideutigen Liebesgeschichte als auch auf die eines Unglücks zurückgeführt werden kann . Tatsächlich könnten die Besonderheiten dieser Leinwand auch eine Art Anspielung auf das jugendliche Trauma der Künstlerin darstellen, die im Alter von nur vierzehn Jahren ihre Mutter verlor. Letztere, die sich in einen Fluss stürzte, wurde später mit einem Nachthemd über dem Kopf gefunden. Trotz der Tatsache, dass die oben genannte Assoziation mehr oder weniger plausibel ist, bleibt die dem Werk innewohnende Unmöglichkeit der Liebe jedenfalls gewiss, da weiße Laken das eigentliche Treffen zwischen den beiden Liebenden verhindern, die für immer in der Schwebe bleiben und in der Erregung bleiben werden Betrachter einen Konflikt zwischen dem Sichtbaren und dem Verborgenen sowie zwischen dem Möglichen und dem Unmöglichen.