Die Farbe Silber in der Kunst: von Verrocchio bis Jeff Koons

Irina Goldfisch, Silbermond , 2021. Öl auf Leinwand, 60 x 118 cm.

Silber: die Farbe des Mondes

Aus rein chromatischer Sicht stellt Silber eine glänzende grau-metallische Farbe dar, die in der Natur durch die Beobachtung von Silberfischen, Silberbirken und dem Metall gefunden wurde, von dem es seinen Namen geerbt hat. Ein solcher Farbton, der gerade wegen seiner Helligkeit sowie seiner modernen, eleganten und raffinierten Erscheinung in der Innenarchitektur äußerst beliebt ist, ist bekanntermaßen der Farbton, der mit dem Mond verbunden ist, dh mit dieser ausschließlich weiblichen Energie, die untrennbar verbunden ist zu Emotionen und Trieben, die sich auf der tiefsten Ebene in uns bewegen. Tatsächlich scheint der natürliche Satellit der Erde, der in der Lage ist, das Wasser der Erdoberfläche, das ihm am nächsten ist, an sich zu ziehen und den Gezeitenstrom zu verursachen, auf ganz ähnliche Weise die Emotionen, die Kreativität und die Sinnlichkeit in uns hervorzurufen. Tatsächlich glaubt man, dass sich gerade im vom Mond beherrschten Wasser das ganze innere Leben des Menschen konzentriert, das seinen Ursprung zusammen mit unbewussten Kräften im erzeugenden Prinzip der Gebärmutter hat, einem weiblichen Ort, der auf unsere anspielt entferntesten Ursprungs. In diesem Sinne symbolisiert ein solcher Farbton das Bewusstsein unserer Innerlichkeit, das wir auf diesem Weg erreichen müssen, um uns selbst, unsere innere Welt und unsere Emotionalität zu erkennen, um später auch andere „identifizieren“ zu können .

Isabelle Pelletane, Love Love 15 , 2022. Acryl / Sprühfarbe auf Papier, 70 x 50 cm.

Ilgvars Zalans, Silber und Schwarz Nr. 6, 2019. Acryl auf Leinwand, 90 x 60 cm.

Silber in der Kunst: von Verrocchio bis Jeff Koons

Aus rein kunsthistorischer Sicht leitet die Farbe Silber ihren Namen erwartungsgemäß vom gleichnamigen Metall ab, das seit den frühesten Jahrhunderten in der Kreativ- und Goldschmiedewelt äußerst beliebt ist und sicherlich zur Verbreitung beigetragen hat Veredelung der vorgenannten Farbe. Tatsächlich ist es wichtig, bekannt zu machen, dass seit der Zeit der alten Ägypter Silber, ein Metall, das damals seltener als Gold war und zur Herstellung wertvoller religiöser Artefakte und auffälliger Schmuckstücke verwendet wurde, verwendet werden kann gefunden. Auch von den Griechen geschätzt, erfreute sich Silber im Italien des 15. Jahrhunderts großer Beliebtheit, als dank der künstlerischen Erforschung großer Meister wie Lorenzo Ghiberti, Andrea del Verrocchio, Antonio del Pollaiolo und Domenico Ghirlandaio die Goldschmiedekunst entstand den Höhepunkt der Perfektion erreicht. Darüber hinaus zeichnete sich in derselben Zeit der florentinische Kupferstecher Maso Finiguerra, der in Benvenuto Cellinis Trattato dell'Oreficeria als „der Mann, der in diesem Beruf seinesgleichen sucht“, in der Kunst des Niello, einer speziellen Technik zur Dekoration von Metalloberflächen, aus in Silber. Der Renaissancestil, der ausschließlich von klassischen Vorbildern geprägt war, kann jedoch durch die Analyse eines Meisterwerks dieser Zeit wie Andrea del Verrocchios Enthauptung des Täufers , dh einer der zwölf Tafeln, die einen Teil von The Silver bilden, erschöpfend beschrieben werden Altar des Hl. Johannes des Täufers , ein toreutisches Werk verschiedener Künstler zwischen 1367 und 1483 für die Taufkapelle von San Giovanni (Florenz), heute im Museo dell'Opera del Duomo (Florenz) aufbewahrt. Der Altar stellt eine außergewöhnliche Synthese der wichtigsten Trends in der Goldschmiede- und Bildhauerkunst der Zeit dar, ausgedrückt durch eine Struktur in spätgotischer Matrix mit acht Vorder- und vier Seitenwänden, die auf zwei Registern angeordnet und durch polygonale Säulen geteilt sind, die durch die Präsenz bereichert wurden von kleinen Statuen und Nischen. Im Zentrum dieser gegliederten Komposition steht die Ädikula mit der Statue des Heiligen, die zusammen mit dem Rest des Artefakts das Vorhandensein von Silber-, Email-, Vergoldungs- und Holzkomponenten dokumentiert. Apropos zwölf Tafeln, die letzte ist diejenige, auf der die oben erwähnte Enthauptung des Täufers dargestellt ist, die, obwohl sie allgemein als Werk von Verrocchio anerkannt ist, auch dem Werk von Leonardo da Vinci zugeschrieben werden könnte. Tatsächlich war letzterer ein Schüler von Verrocchio in derselben Zeit, in der seine stilistischen Merkmale von einer besonderen perspektivischen Konstruktion, klassischer Architektur und dramatischen emotionalen Reaktionen geprägt waren, die in der allerletzten Tafel des Altars zu sehen sind. Mit einem zeitlichen Sprung von etwa sieben Jahrhunderten lässt sich feststellen, dass sich die Wiederkehr des Silbers in der zeitgenössischen Kunst als etwas „unverändert“ herausstellt, obwohl dies hauptsächlich mit der Popularität der schimmernden Farbe zusammenhängt, weniger mit der Verwendung des Silbers Metall selbst, das oft durch die Verwendung verwandter, aber billigerer und leichter verfügbarer Materialien, wie beispielsweise Edelstahl und Aluminium, "simuliert" wird. Eine Demonstration dessen, was gerade gesagt wurde, ist Jeff Koons' berühmter Louis XIV, eine glitzernde Skulptur, die 1986 aus Edelstahl gefertigt wurde und den amerikanischen Meister in den Schuhen des ehemaligen Herrschers von Frankreich darstellt, der den Zweck verfolgt, sowohl die extreme Sinnlichkeit der barocken Formen und der Kult der eigenen Persönlichkeit des Künstlers. Genau das erwähnte Metall wurde bei der Schaffung der Skulpturenserie, zu der Ludwig XIV . gehört, verwendet, die unter dem Titel Statuary die Besonderheiten der Farbe Silber in barocken, nostalgischen und zeitgenössischen Kitschkreationen zelebrieren soll mit der Absicht, sich von ewigen Themen zu entschieden vergänglicheren Themen zu erstrecken. Nach dem Standpunkt von Jeff Koons ist es wichtig hervorzuheben, wie die Erzählung der silbernen Farbe durch beispiellose Standpunkte bereichert werden kann, die durch die Originalarbeiten von Artmajeur-Künstlern wie Ricky Reese, Richard Orlinski und Alan Lawrence ausgedrückt werden.

Laurent Fauchoix, Delfinschwanz , 2018. Metall, 37 x 12 / 2,00 kg.

Pablo Alfredo De La Peña, Beginn des Countdowns , 2022. Holz auf Holz, 38,1 x 40,6 x 45,7 / 4,00 kg.

Ricky Reese, Silver Flower, 2022. Edelstahlskulptur, 65 x 44 x 30 cm / 23,00 kg.

Ricky Reese : Silberne Blume

Die künstlerische Auseinandersetzung des 1956 geborenen spanischen Bildhauers Ricky Reese experimentiert oft mit der Verwendung von versilberten Metallen, die eingesetzt werden, um minimalistische Erzählungen zu schaffen, die darauf abzielen, die Merkmale der Realität synthetisch und teilweise sogar geometrisch zu beschreiben . Ein Beispiel für das eben Gesagte ist der Fall von Silver Flower , einer Edelstahlskulptur, deren Eleganz, Nüchternheit und Bewegungsidee eher an die Arbeit von Rosette Bir erinnert, einer französischen Künstlerin, die für ihre abstrakten Arbeiten aus poliertem Edelstahl bekannt ist. Apropos Metall, das die "Material"-Auswahl der beiden Bildhauer vereinte, Edelstahl erweist sich als äußerst beliebt in der zeitgenössischen Kunst, insbesondere im Hinblick auf die künstlerische Produktion, die für den öffentlichen Gebrauch im Freien verwendet wird, wo solche Eisenlegierungen dazu neigen, perfekt zu sein, da es nicht rostet und den Angriffen von Flüssigkeiten, Gasen und Chemikalien widersteht. Das oben Gesagte zeigt sich in der Arbeit eines der bekanntesten zeitgenössischen Künstler wie des Bildhauers Anish Kapoor, der 2006 aus reflektierendem Edelstahl eine der beliebtesten monumentalen Attraktionen in Chicago (USA) schuf, nämlich das Cloud Gate , eine Skulptur, deren „Physiognomie“ von den Besonderheiten des flüssigen Quecksilbers inspiriert wurde.

Richard Orlinski, Silver Bull, 2015. Aluminium, 69 x 122 x 43 cm.

Richard Orlinsk : Silberbulle

Silver Bull ist eine schimmernde Aluminiumskulptur des bekannten französischen Künstlers Richard Orlinski, dessen Arbeit stark von Pop-Art-Stilen sowie den Merkmalen beliebter Alltagsgegenstände beeinflusst wurde. Trotz dieser scheinbaren „Oberflächlichkeit“ und „Leichtigkeit“ verbergen die Arbeiten des Artmajeur-Künstlers hinter einer rein konsumorientierten Fassade tiefe Inhalte, die auf wichtige Werte anspielen, wie zum Beispiel Freiheit, Macht und Leidenschaft. Diese Ideale werden überwiegend durch die Verwendung von reflektierenden und "schillernden" Materialien ausgedrückt, die wahrscheinlich einen Pseudo-"Schrei" symbolisieren sollen, der es ermöglicht, Konzepte von solcher Tiefe leichter zu verbreiten. Folglich könnte Silver Bull auf die oben genannten Konzepte anspielen, aber auch auf andere, die in bekannten Meisterwerken der Kunstgeschichte mit demselben Thema zu finden sind, wie zum Beispiel der berühmte Bull of Wall Street , ein Denkmal, das von geschaffen wurde Arturo Di Modica im Jahr 1987 und im Financial District von Manhattan (New York) aufgestellt, steht dafür, den männlichen Mut derer zu feiern, die in der Lage sind, gegen jede widrige Situation anzukämpfen.

Alan Lawrence, Weightless , 2021. Skulptur aus Harz, Glas und Metall, 33 x 15,2 x 6,4 cm / 2,00 Ib.

Alan Lawrence: Schwerelos

Der Surrealismus, mit dem in Alan Lawrences Werk ein einfacher „hängender“ Löffel wohl in ein elegantes Symbol des Gleichgewichts verwandelt wurde, erinnert mich an eine vergangene Zeit, als kostbares und stattliches Silberbesteck während der Mahlzeiten verwendet wurde. Tatsächlich wurde das letztgenannte Metall verwendet, um Gegenstände herzustellen, die für den Tafelservice bestimmt waren, zumindest seit der Zeit der alten Phönizier, die bis in die römische und spätere Zeit hinein Bestand. Nach der mittelalterlichen „Pause“ kehrte das Silberbesteck während der Renaissance mit Nachdruck zurück, obwohl ein Höhepunkt seiner Verwendung ab der Entdeckung Amerikas zu verzeichnen war, das heißt, als dank der Verbreitung von Metallen aus der Neuen Welt Silber zugänglich wurde sogar für die Bourgeoisie. Diese „Leidenschaft“ für das erwähnte Tafelsilber ist neben der Darstellung einer Art Statussymbol auch auf tatsächliche praktische Vorteile zurückzuführen, die dem Silber innewohnen, da es sich als äußerst hygienisch, antibakteriell und desinfizierend erweist. Um auf Artmajeurs Künstler zurückzukommen, argumentiert der 1965 geborene amerikanische Bildhauer, dass die Grenze zwischen einem Kunstwerk und seinem Publikum so kurz wie möglich sein sollte. Folglich könnte die Verwendung von Besteck innerhalb seiner künstlerischen Auseinandersetzung den Zweck verfolgen, den Betrachter in eine ihm bereits sehr vertraute Realität zu begleiten, in der es möglich ist, die Einfachheit alltäglicher Gesten zu erkennen.