Diego Velázquez: Top 10 Kunstwerke

ARTEMISAS MENINAS (2021)Gemälde von Rai Escale.

Die Top Ten als Unterrichtsmethode für Kunstgeschichte...

Wenn sich ein Kunsthistoriker dem Studium des Werks eines großen Künstlers nähert, wie in diesem speziellen Fall von Diego Velázquez, analysiert er oder sie sowohl seine oder ihre Biografie als auch sein Bildwerk und nähert sich letzterem, indem er es in chronologischer Reihenfolge untersucht. um den Fortschritt und die Entwicklung des Standpunkts des betreffenden Meisters aufzuzeichnen. An dem Punkt jedoch, an dem sich der Experte der Amateurdarstellung seines Studienfachs nähern muss, ist es ratsam, nur die wichtigsten und hervorstechendsten Punkte des oben Erklärten preiszugeben, um das betreffende Thema für die breite Masse attraktiv zu machen langwierige Recherche, manchmal inklusive kritischer Standpunkte und Vergleiche zwischen Künstlern, die recht komplex, spezifisch und detailliert sind. Vor diesem Hintergrund erweist sich die Popularisierungsstrategie der Top 10 als äußerst effektiv, da der Leser sicherlich an der bloßen und vereinfachten Entdeckung der bekanntesten Werke des Künstlers interessiert ist, obwohl man von der Lektüre der letzteren nicht erwarten kann, umfassendes Fachwissen darüber zu erwerben zum Thema, da sie von der notwendigen biografischen und chronologisch gesehen stilistischen Einleitung befreit sind. Deshalb werden meine Top 10, wie auch viele andere im Umlauf, zwangsläufig durch eine kurze Vorstellung des spanischen Meisters eingeleitet, die seine stilistischen Besonderheiten usw. herausstellt, die anschließend durch die Betrachtung der zehn Werke erkennbar werden Ich habe die figurativen Untersuchungen von Diego Velázquez als progressive Manifeste ausgewählt.

Ein VELAZQUEZ (2020)Gemälde von Felipe Achondo.

Diego Velázquez: 5 wichtige Punkte, um ihn zu verstehen

Biografie: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599–1660) war ein spanischer Maler, der als führender Künstler am Hofe von König Philipp IV. sowie als einer der repräsentativsten Meister der Barockzeit galt, in der er sich hervortat sich selbst hauptsächlich durch seine Praxis des Porträtgenres.

Rolle des Malers: Diego Velázquez war vor allem als angesehener Hofmaler des spanischen Königs Philipp IV. tätig. Tatsächlich wurde er während der Barockzeit dafür bezahlt, Werke für Könige zu schaffen, obwohl er sich auch weiterhin der Darstellung von Menschen und Szenen des Alltags widmete.

Stilistisch: Velázquez‘ Porträts weisen einen individualistischen, naturalistischen und direkten Stil auf, der dazu geführt hat, dass der spanische Meister als Vorläufer des Realismus und Impressionismus anerkannt wurde, der in der Lage war, Authentizität gegenüber der Romantik und anderen Stilrichtungen zu bevorzugen, die historisch oder eher traditionell waren die Zeit, sich mit der jeweiligen Bildgattung auseinanderzusetzen. Die Genauigkeit und malerische Wahrheit des Künstlers zeigt sich unter anderem in der Darstellung seiner typischsten Details, die sich durch ihre vielfältigen Nuancen auszeichnen, die durch freie und lockere Pinselstriche sowie durch die Verwendung von Licht-, Farb- und Formverläufen wiedergegeben werden. Dies ermöglichte es ihm, Porträt- und Szenenmalerei aus ihren stationären Grenzen herauszuholen, was ihn zu einem der bedeutendsten Meister des Goldenen Zeitalters Spaniens krönte.

Technisch: Bemerkenswert ist das Können des spanischen Meisters in der Anwendung der Hell-Dunkel-Technik, mit der eine präzise Behandlung von Licht und Schatten bezeichnet wird, die, wenn sie extrem verstärkt werden, zu hohen Bildkontrasten führt und den Zweck hat, besonders relevante Punkte hervorzuheben Das Werk ist in der Lage, auch eine komplexe atmosphärische Perspektive entstehen zu lassen.

Komposition: Velazquez hat die Anordnung der Themen in seinen Werken sorgfältig studiert, da er sie als strategisches Werkzeug betrachtete, das den Betrachter dazu bringen kann, die Besonderheiten zu verstehen, für die die Meisterwerke gedacht waren. Um solche Absichten darzustellen, nutzte der Maler auch diagonale Strukturen, komplexe Brennpunkte und getrennte Ebenen, die in der Lage waren, das Auge des Betrachters zu manipulieren, indem sie es zu den Brennpunkten des Werks führten, wo das tiefere Verständnis des Werks lag erkannte.

Diego Velázquez, Porträt von Sebastián de Morra, ca. 1644. Öl auf Leinwand, 106,5 cm × 81,5 cm. Museo del Prado, Madrid.

Porträt von Sebastián de Morra

Diego Velázquez: Top 10 Kunstwerke

10. Porträt von Sebastián de Morra (1644)

Das fragliche Meisterwerk stammt aus der Zeit um 1644 und zeigt Sebastián de Morra, einen Zwergennarren am Hofe Philipps IV. von Spanien, der den Betrachter aufmerksam anstarrt und dabei eine Haltung einnimmt, die vermutlich eine verdeckte Absicht der Denucia parseguito andeuten soll vom spanischen Meister, der vielleicht die Behandlung der „kleinen“ Narren durch den Hof kritisieren wollte, die seit dem Mittelalter von den Herrschern als Gespött und deformierte Entertainer angeheuert wurden. Diese eher verächtliche Haltung wird auch durch die Haltung der Hofmaler vor Velázquez gegenüber solchen Charakteren deutlich, die die betreffenden Motive mit der Kälte, Missachtung, Starrheit und zuweilen auch Verachtung malten, die einem Mann vorbehalten wäre Art vermenschlichter domestizierter Tiere. Im Gegensatz zu dieser Tradition verewigte Velázquez die Zwerge jedoch mit äußerstem Respekt, da er glaubte, dass es Schönheit sei, einfach die Wahrheit darzustellen, auch wenn sie in den Augen mancher als ungenießbar oder in ihren Formen überhaupt standardisiert erscheinen könnte . In Übereinstimmung mit dieser Sichtweise stellte der Künstler die Zwerge nicht nur als deformierte Entertainer dar, sondern betonte die Menschlichkeit dieser Subjekte, die zuweilen der Menschlichkeit anderer verewigter Hoffiguren weit überlegen zu sein schien. Auf diese Weise schrieb der innovative und sensible Velázquez den Zwergen die gleiche Menschlichkeit zu, mit der er die königliche Familie malte, und demonstrierte, dass er, nachdem er mehrere „kleine Männer“ kennengelernt hatte, wahrscheinlich in der Lage war, über deren äußere Erscheinung hinauszugehen und sie einfach zu erkennen ihre menschliche Natur.

Diego Velázquez, Apollo in der Schmiede des Vulkan, 1630. Öl auf Leinwand, 223 cm × 290 cm. Museo del Prado, Madrid.

9. Apollo in der Schmiede von Vulcan (1630)

Vor Velázquez wurden ähnliche Themen unter anderem von Giorgio Vasari verewigt, einem gefeierten italienischen Maler, Architekten und Kunsthistoriker, der 1511 geboren wurde und 1564 „Die Schmiede des Vulkan“ malte, ein mythologisches Meisterwerk, das nicht nur reich an verständlichen Botschaften und Metaphern ist innerhalb des kultivierten Milieus des Medici-Hofes, aber auch in einer Vielzahl von Charakteren. Letztere, verkörpert von zappelnden Arbeitern, bilden den Hintergrund für die Begegnung zwischen Minerva und dem Gott Vulkan, Subjekte, die in verdrehten Posen dargestellt werden, die typisch für den Manierismus der Zeit sind. Von der letztgenannten Beschreibung unterscheidet sich deutlich das spätere Werk des spanischen Meisters, das mit weniger auf derselben Ebene angeordneten Figuren die Begegnung zwischen Apollo und Vulkan verewigt und sich dabei auf die Episode bezieht, in der der erstere den letzteren in seinem Bild besuchte Schmiede, um ihm zu offenbaren, dass seine Frau Venus die Geliebte des Kriegsgottes Mars war. Ein solch schockierendes Geständnis findet sich gerade in dem Ausdruck, den Velázquez auf Vulcans Gesicht malte, der sich zu einem Gefühl zusammenfasst, in dem sich Empörung und Erstaunen gekonnt vermischen. Dieser gesamte mythologische Kontext, in den auch die Gehilfen des Schmieds einbezogen sind, die den „göttlichen Klatsch“ hören, wird vom Maler auf eine etwas neuartige Weise erzählt, indem er mit Stilmitteln wiedergegeben wird, die eine überirdische Episode in die Realität herabsetzen können. als wäre es der Schauplatz eines bürgerlichen Romans.

Diego Velázquez, Christus im Haus von Martha und Maria, 1618. Öl auf Leinwand, 63 cm × 103,5 cm. Nationalgalerie, London.

8. Christus im Haus von Martha und Maria (1620)

Im Vordergrund auf dem Leinwandträger ist Martha zu sehen, d Dies eignet sich als Hinweis auf eine Szene, die sich im gegenüberliegenden Teil des Gemäldes befindet und von einem Fenster oder einem Spiegel aus sichtbar ist. Im letzten Bild ist der sitzende Jesus in einer belehrenden Haltung eingefangen, die er an Maria sowie an eine ältere Frau richtet, die den Meister offenbar unterbrechen möchte. Das soeben beschriebene komplexe Zusammenspiel von Querverweisen, das in Las Meninas seinen vollsten Ausdruck findet, unterscheidet sich deutlich von der einfacheren Pyramidenkonstruktion desselben Themas von Jan Vermeer, die in einem späteren Meisterwerk aus dem Jahr 1656 zum Leben erweckt werden sollte. in dem die Geschichte noch einmal von der Episode aus dem Evangelium erzählt wird, in der es um den Besuch Jesu im Haus von Martha von Bethanien und ihrer Schwester Maria geht, die sich ereignete, während Erstere, die das aktive Leben repräsentiert, sich mit der Hausarbeit beschäftigte, während Letztere sich mit der Hausarbeit beschäftigte , ein Vertreter des spirituellen Lebens, konzentrierte sich ausschließlich auf die Tätigkeit, auf Christus zu hören.

Diego Velázquez, Reiterporträt des Grafen-Herzogs von Olivares, ca. 1636. Öl auf Leinwand, 313 cm (123 Zoll) × 239 cm (94 Zoll). Museo del Prado.

7. Reiterporträt des Grafen-Herzogs von Olivares (1634)

Velázquez‘ Meisterwerk fällt aufgrund der Charakteristika seines Motivs vollständig in die Gattung des Reiterporträts, d Antike, und zwar so sehr, dass das berühmteste Beispiel die Statue des Kaisers Marcus Aurelius auf dem Kapitolinischen Platz in Rom ist. Im Fall des Porträts des Grafen Herzog von Olivares zu Pferd, das Don Gaspar de Guzmán y Pimentel, den Premierminister von Philipp IV. von Spanien, zeigt, ist es wichtig zu bedenken, wie das Werk das Thema wiederum triumphierend zu Pferd darstellt, a Pose, die jedoch zu dieser Zeit im Allgemeinen den Monarchen und nicht dem Amt der betreffenden Person vorbehalten war. Trotz dieser Widersprüchlichkeiten ist es wichtig hervorzuheben, dass der Premierminister auch später noch Gegenstand der Aufmerksamkeit des Malers war, wie es in einem Porträt aus dem Jahr 1635 zu sehen ist, das vor neutralem Hintergrund den Herzog von Olivares darstellt. Während er einen schwarzen Anzug mit weißer Halskrause trägt, präsentiert er ein ziemlich müdes und geschwollenes Gesicht, das im Vergleich zum reiterlichen Meisterwerk des Vorjahres offenbar gealtert ist. Es war wahrscheinlich die Politik, die ihn altern ließ, denn es ist bekannt, wie er während seiner Amtszeit an Steuer- und Verwaltungsreformen arbeitete, jedoch ohne großen Erfolg ...

Diego Velázquez, Zwerg mit Hund, Ca. 1645. Öl auf Leinwand, Höhe: 142 cm; Breite: 107 cm. Königliche Sammlung (Neuer Königspalast, Madrid).

6. Zwerg mit Hund (1640-45)

„Zwerg mit Hund“, ein Öl auf Leinwand aus dem Prado, zeigt einen Hofnarren, der reich gekleidet und aufrecht von der massigen Präsenz einer Dogge flankiert wird, deren Masse die bescheidene Größe der Hauptfigur unterstreicht, die höchstwahrscheinlich führt das größere Tier mit einiger Besorgnis an die Leine. Der betreffende Zwerg, von vielen mit dem Hofnarren Don Antony „der Engländer“ oder mit seinem Landsmann Nicholas Hodson identifiziert, führt uns in den „Kult“, den die Kunstgeschichte diesen Figuren seit den frühesten Jahrhunderten so sehr widmet Im alten Ägypten wurden neben Skeletten mit Zwergwuchs auch zahlreiche Votivstatuetten von Zwergen gefunden, die in Schreinen den Fruchtbarkeitskult verkörpern sollten. Darüber hinaus wurden Zwerge oft in den Gräbern der damaligen Elite dargestellt, als Tänzer und Tänzerinnen, Musiker, königliche Diener, Juweliere und Diener verschiedener Art. Den Höhepunkt ihrer Beliebtheit erreichten diese Figuren jedoch erst in der Renaissance und wurden zu wahren Statussymbolen, denn für die Herren europäischer Höfe war es ein Zeichen von Prestige, solche Berater oder Hofdamen zur Schau zu stellen -warten. Ein Beispiel hierfür ist die Wiederkehr, mit der im 16. Jahrhundert am Florentiner Hof von Cosimo I. dè Medici der heute ikonische Zwerg Morgante dargestellt wurde. In der Ära des spanischen Meisters schließlich sind neben den von Velázquez selbst angefertigten Porträts auch die englischen Porträts von Richard Gibson und Anne Shepherd gleichermaßen bekannt; oder das von Sir Jeffrey Hudson, dem kleinen Diener der Königin Enrichetta Maria von Frankreich.

Diego Velázquez, Alte Frau beim Eierbraten, ca. 1618. Öl auf Leinwand, 100,5 cm × 119,5 cm. National Gallery of Scotland, Edinburgh.

5. Alte Frau brät Eier (1618)

Um Old Woman Frying Eggs zu verstehen, ist es notwendig, eine Prämisse zu schaffen und kurz zu erklären, was unter Genremalerei zu verstehen ist. Letztere, Teil der Praxis der Genreszenen, umfasst alle Kunstwerke, die darauf abzielen, Ereignisse aus dem Alltag einzufangen, eine Besonderheit, die sie lange als der historisch-religiösen Malerei und der Porträtmalerei unterlegen betrachtete. Dennoch verbreitete sich die Genremalerei ab der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts vor allem in den Niederlanden und im Kleinformat und zählte Künstler wie Pieter Brueghel den Älteren, Adriaen und Isaac van Ostade, David Teniers den Jüngeren, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer und Pieter De Hooch. Zurück zu Diego Velázquez: Das fragliche Meisterwerk, das während der sevillanischen Periode des Künstlers entstand, zeigt bescheidene Charaktere, verkörpert durch eine Frau, die ein Ei kocht oder brät, beleuchtet durch einen geschickten Einsatz von Hell-Dunkel, von einer Lichtquelle, die von links kommt, fähig starke Lichtkontraste zu erzeugen, die sich sogar an die Merkmale der zweiten Figur anpassen: eines Jungen, der ganz links auf dem Bildträger erscheint. Die beiden fraglichen Lebensabschnitte, die in den oben genannten Themen Gestalt annehmen, wurden durch einen eher fotografischen Realismus geprägt, der in der Lage ist, die Werkzeuge des Handwerks wie Teller, Besteck, Pfannen, Stößel usw. mit gleicher Genauigkeit einzufangen. Krüge und Mörser des täglichen Gebrauchs.

Diego Velázquez, Infantin Margarita Teresa in einem blauen Kleid, 1659. Öl auf Leinwand, 127 cm × 107 cm. Kunsthistorisches Museum, Wien.

4. Infantin Margarita Teresa in einem blauen Kleid (1659)

Maria Theresia von Habsburg (1638-1683), Tochter von König Philipp IV. von Spanien und Elisabeth von Frankreich, auch bekannt als Maria Theresia von Österreich, ist ein äußerst wiederkehrendes Thema im Werk von Velázquez, der im Fall des Meisterwerks von 1659 wollte sie in einem sehr eleganten blauen Kleid darstellen, das durch kurze Striche reiner Farbe gekonnt wiedergegeben wurde und jetzt im Kunsthistorischen Museum in Wien zu sehen ist. Vor diesem Werk wurden jedoch die Gesichtszüge Maria Theresias als Kind 1653 in „Infantin Margarita Teresa in einem Pfirsichkleid“ und später in „Porträt der Infantin Doña Margarita von Österreich“ (um 1665) sowie in „Die Infantin“ verewigt Maria Theresia von Spanien (1652), eine Tatsache, die uns fragen lässt: Worauf ist die Popularität dieser Figur zurückzuführen? Tatsächlich musste sich der spanische Meister mehrmals mit diesem Thema befassen, da seine Porträts nach Wien geschickt wurden, um Leopold I. von Habsburg, dem Onkel der Jungfrau, mit dem sie einst verheiratet war, die fortschreitende Reifung des Mädchens zeigen zu können verlobt.

Diego Velázquez, Venere Rokeby, 1648 ca. Öl auf Leinwand, 122,5×175 cm. Nationalgalerie, London

3. Venus Rokeby (1648)

Das betreffende Meisterwerk stellt ein authentisches Juwel der Kunstgeschichte dar, da es der einzige Akt der insgesamt vier Werke des Künstlers ist, der uns überliefert ist, wodurch wir auch die stilistischen Verpflichtungen des Spaniers bezeugen können entstanden aus dem Vorbild von Werken ähnlicher Thematik, hauptsächlich von Tintoretto, Tizian und Rubens. Das plausibelste Modell scheint jedenfalls das der Venus von Urbino (Tizian) zu sein, angesichts der entspannten Haltung der Göttin Diegos, die sich jedoch vom italienischen Meister dadurch unterscheidet, dass sie sein Modell von hinten aufgenommen hat, während sie ist darauf bedacht, ihr Bild in einem von Amor gehaltenen Spiegel zu betrachten. Gerade diese letztere Figur macht die Identität des Protagonisten, der traditionell meist mit hellem Haar dargestellt wurde, nun dichtes dunkles Haar hat, sofort erkennbar. Um schließlich ein wenig gesunden Klatsch zu machen, scheint das Werk, eines der letzten vom Künstler gemalten Werke, die Gesichtszüge der jungen römischen Malerin Flaminia Triunfi zum Vorbild genommen zu haben, mit der die Malerin wahrscheinlich eine Affäre und vielleicht sogar eine Affäre hatte Sohn namens Antionio Da Silva, den er verließ, als er nach seinem Aufenthalt in Italien auf Wunsch des Königs nach Spanien zurückkehren musste.

Diego Velázquez, Porträt von Innozenz X., ca. 1650. Öl auf Leinwand, 141 cm × 119 cm. Galleria Doria Pamphilj, Rom.

2. Das Porträt von Papst Innozenz X. (1650)

Das Porträt von Innozenz Auf jeden Fall ist dies nicht der relevanteste Aspekt des Gemäldes, das Velázquez als Ausdruck einer perfekten psychologischen Untersuchung der Figur zu einem der größten Porträtinterpreten seiner Zeit machte. Tatsächlich präsentiert das nach rechts gerichtete Gesicht des Papstes, dessen Blick auf den Betrachter gerichtet ist, Augen mit einem entschiedenen und intensiven Ausdruck, der in seiner Offenbarung durch das Falten seiner Augenbrauen begleitet wird. Bereichert wird das Beschriebene durch die aufgemalten schmalen Lippen, die zusammen mit der Körperhaltung und der elegant auf der Armlehne abgelegten rechten Hand auf große Leichtigkeit und Selbstbeherrschung verweisen. Die bildliche Beschreibung stimmt tatsächlich mit der tatsächlichen überein, da Giovanni Battista Pamphili (1574-1655) als ein Mann mit eher schwierigem und zurückhaltendem Charakter galt, der später auch von Francis Bacon in seiner bekannten Serie „Screaming Pope“ verewigt wurde. Letzteres, nach dem Vorbild von Velásquez konzipiert, führte zu einer Gruppe von Porträts, in denen sich das jeweilige Subjekt dem Betrachter als deformiert und verzerrt offenbart, um eine metaphorische Reise in die Innerlichkeit des Individuums darzustellen und gleichzeitig gleichzeitig in die Hölle der Existenz.

Diego Velázquez, Las Meninas, ca. 1656. Öl auf Leinwand, 318×276 cm. Museo del Prado, Madrid.

1. Las Meninas (1656)

Die vielfältigen in Las Meninas vorhandenen Motive, die mit dem geschickten Pinsel von Diego Velázquez eingefangen wurden, scheinen in einem der Räume des Madrider Real Alcázar vereint zu sein, d. h. der Residenz Philipps IV. in der spanischen Hauptstadt, in der sich der Künstler verewigt hat , als Hauptfigur seines Meisterwerks, die Tochter der neuen Frau des Königs: der Infantin Margarita Teresa. Letztere scheint von ihren Hofdamen und anderen Mitgliedern des Hofes umgeben zu sein, so sehr, dass das Gemälde sogar ein Selbstporträt der Malerin zeigt, deren stabile Präsenz am Hof Philipps IV. dazu beiträgt, eines davon zu schaffen Die unvergesslichsten Illusionen in der Geschichte der Kunst: Die Aufmerksamkeit des Betrachters wird tatsächlich zunächst von der Figur der Margarete gefangen genommen und identifiziert sich dann, kurz nachdem er die Anwesenheit des spanischen Meisters bemerkt hat, mit dem Thema, mit dem sich der Maler beschäftigt auf seiner Leinwand darstellend. Ein aufmerksameres Auge hingegen könnte sich von den Details des Spiegels entfremden, in dem Philipp IV. und Marianne zu den unbestrittenen Protagonisten werden, während sehr viele Betrachter die Möglichkeit hätten, sich über die Natur der Bewegung des Spiegels zu wundern Die auf der Treppe verewigte Figur ist der Cimabellan José Nieto, dessen Absicht wir nie erfahren werden: an den dargestellten Ort zu gelangen oder ihn für immer zu verlassen.