伟大的大师和伟大的杰作......

西班牙绘画的历史可以通过标志着其发展和演变的最重要时期来讲述，例如哥特式、风格主义、黄金时代和20世纪。这些时代也可以被解释为该国创造力的逐步外化，因为，如果说在哥特时期，后者几乎被动地复制了法国和意大利的风格特征，而在文艺复兴风格主义时期，它则以两者为模式：直到后来，随着黄金时代和20世纪的西班牙，纯粹的西班牙语的存在才得以实现，并通过世界级大师（例如埃尔·格列柯）的出现而具体化。迭戈·委拉斯开兹、弗朗西斯科·戈雅，以及后来的巴勃罗·毕加索、萨尔瓦多·达利、米罗等。所有这些人物本质上都独立于单一艺术运动、趋势或潮流的众多代表人物，而主要与表达联系在一起例如，意大利的文艺复兴和法国的印象派。以达利为例，就像毕加索一样，他是唯一一位极受欢迎的超现实主义西班牙人，但他的存在对该运动极其重要，以至于他能够普遍传达超现实主义的价值观通过他在上述“趋势”中的突出作用来了解西班牙文化。因此，我们也可以说，西班牙艺术不是由运动和潮流组成的，而是由有影响力的个人人物组成的，他们以鲜明的风格特征，单枪匹马地指导了世界范围内一个国家的整个表达。上述内容使我的十大画作起到了指南的作用，真实地叙述了主要由伟大大师和伟大杰作组成的西班牙艺术史。

前10名

胡安·格里斯， 《毕加索肖像》 ，1912 年。

10. 胡安·格里斯，《毕加索肖像》（1912）

在第十个位置，我选择重点介绍胡安·格里斯 (Juan Gris) 的作品，他是一位西班牙画家和立体主义的倡导者，因其著名的《毕加索肖像》而闻名，这是一幅 1912 年的杰作，在这幅作品中，这位马德里大师使一位毕加索的画作永垂不朽。 20 世纪最重要的艺术家，吸引了他独特的整体立体主义，即一种以最规则的形式断裂为标志的个人风格，其中几何图形与对角线结构结合在一起，旨在创造近乎水晶般的外观。然而，谈到两位画家之间的关系，格里斯于 1906 年抵达巴黎，在那里他遇到了毕加索和布拉克，加入了立体主义潮流的发展，仅仅六年后，格里斯就被认定为巴勃罗的弟子。事实上，胡安的观点从安达卢西亚的分析立体主义中得到启发，指的是他对物体的解构和同时的观点，但带回了更系统和结晶的几何形状，在所讨论的肖像中由碎片呈现。头部，颈部和躯干被分解成各种平面和简单的几何形状，组织在由对角线控制的构图结构内，所有这些都通过使用蓝色、棕色和灰色的冷色调调色板来明确。最后，《毕加索肖像》的风格特征催生了一部旨在将肖像作为画家永垂不朽的作品，因为拍摄对象手中拿着调色板，这一细节，就像铭文“向巴勃罗·毕加索致敬”一样，显然让我们思考格里斯如何评价这位卓越的立体主义创新者。

胡安·米罗， 《丑角嘉年华》 ，1924/1925。布面油画，66 厘米 × 90.5 厘米。奥尔布赖特-诺克斯美术馆，布法罗，纽约。

9. 胡安·米罗，《丑角的狂欢节》（1924-25）

胡安·米罗 (Joan Mirò) 的画布创作于 1924 年至 1925 年间，画中有大量喜庆的混合人物，这些人物半人半兽，有时被拟人化，因为他们拥有人体解剖部位，西班牙人将这些部位与物体形式联系在一起。这种无忧无虑的气氛让观众沉浸在庆祝活动中，甚至建议他或她花时间想象一段旋律，作为人物活泼的背景。然而，从纯粹的艺术史角度来看，这幅作品属于米罗超现实主义时期的一部分。特别是，它早于布列塔尼起草运动宣言的时间，尽管在琼的杰作中，上述法国诗人后来提倡的心灵自动主义已经得到了很好的具体化。事实上，《丑角的狂欢节》赋予了幻想和超现实的想象以形式，艺术家希望通过将它们与现实的某些元素联系起来来将其具体化，而现实的某些元素则具有另一种含义，被转变，从而产生新的视觉解释。从这个意义上说，应该明确的是，画家所渲染的是无意识的维度，通常通过对活梯的描绘来叙述，这在大师的作品中反复出现，也出现在相关绘画中，代表着一个跳板，旨在从现实出发去超越，即走向想象。

埃尔·格列柯， 《奥尔加斯伯爵的葬礼》 ，1586 年。布面油画，480×360 厘米。圣托马斯教堂，托莱多。

8. 埃尔·格列柯，《奥尔加斯伯爵的葬礼》（1586）

如果没有提到埃尔·格列柯（El Greco），希腊画家、雕塑家和建筑师，以及西班牙文艺复兴时期最重要的人物之一，通常被认为是成为黄金时代第一高手。所讨论的杰作，即奥尔加斯伯爵的埋葬，日期为 1586 年，寓言性地描述了标题本身所明确的事件，其主要主题是已故奥尔加斯市的领主，他被圣斯蒂芬和圣斯蒂芬奇迹般地埋葬了。圣奥古斯丁专门为这个场合从天而降。这一主题的灵感源自 14 世纪初的一个传说，画家完全按照与西班牙托莱多圣托梅教区教堂签订的合同进行绘制，该教堂至今仍保存着这幅画。无论如何，尽管忠实地满足了赞助人的要求，格列柯还是引入了一些现代化元素，例如16世纪葬礼游行习俗的一些特征、两位圣人的法衣，以及对他那个时代的杰出托莱多人物。这种解释模式旨在进一步实现油的纯粹说教目的，根据反宗教改革的教义，追求促进对圣徒的崇拜和拯救灵魂的善行的意图。

弗朗西斯科·戈雅， 《土星吞噬他的儿子》 ，1821-1823 年。转移到画布上的混合媒体壁画，143.5 厘米 × 81.4 厘米。马德里普拉多博物馆。

7.弗朗西斯科·戈雅，土星吞噬他的儿子（1821-1823）

这幅创作于 1821 年至 1823 年间的杰作具体化了一个可怕的景象：萨图恩咬住了儿子的身体，就好像它是动物的猎物一样，部分被血流覆盖，现在看起来被剥夺了头，而手臂放在父亲的嘴里，一切都被无限的黑暗背景所包围，这将极端行为置于关注的中心。作为黑色绘画系列的一部分，艺术家为自己位于曼萨纳雷斯河（马德里）河畔的家中的墙壁创作的作品，对于这幅令人毛骨悚然的作品的诠释，它可以唤起青年与老年之间的冲突时间似乎吞噬了一切，也是当时西班牙的化身，一个能够通过激烈的战争、革命和专制主义吃掉自己孩子的国家。除此之外，这部杰作还具有进一步的意义，这与描绘现代人类状况的更明显的愿望有关。尽管解释上的疑问仍然存在，但很明显，这幅画如何代表了黑色绘画的极端顶峰，除了黑暗和险恶的色调之外，其特征还在于与土星形象精确相关的主题线索，传统上与绝望和古老联系在一起。早期杰作中所呈现的时代特征，与鲁本斯的作品一样，显然显得更加传统，并且与戈雅作品中主人公弗洛伊德式的疯狂相去甚远。

弗朗西斯科·戈雅，《裸体的玛哈》，1790-1800 年。布面油画，97 厘米 × 190 厘米。马德里普拉多博物馆。

6.弗朗西斯科·戈雅，《裸体的玛哈》，（1790-1800）

一位年轻的裸体模特以无耻的自信凝视着观众，她性感地斜躺着，双手交叉在颈背后面，这是她身体上的一个点，在这个点附近，她的深色卷发也找到了自己的位置，自由地垂落在身体两侧。她的脸被她饱满、红润的脸颊包围着。这样的视觉效果出现在覆盖着绿色天鹅绒的沙发表面，上面还布置着女人休息的两个带衬里的垫子，以及她下半身下面的床单。这幅大胆的杰作除了大胆和恶作剧外，还以创新和丑闻的方式展示了连接外阴和肚脐的黑线，可以描绘画家的朋友，即阿尔巴公爵夫人，以及她的情人佩皮塔。可以肯定的是，这幅画代表了戈多伊收藏中最露骨的亵渎裸体画，戈多伊是一位著名的军事家和西班牙政治家，拥有丰富的上述类型的收藏，包括来自欧洲各地的杰作，以及委拉斯开兹著名的维纳斯罗克比。正是在这种背景下，有必要具体说明在18世纪西班牙实际上是如何禁止裸体画的，因为这违反了基督教教义，以至于戈多伊还委托创作了上述杰作的着装版本，以掩盖更多的内容。明确的一。

巴勃罗·毕加索， 《阿维尼翁的少女》， 1907 年。布面油画，243.9 厘米 × 233.7 厘米。现代艺术博物馆。通过纽约市 Lillie P. Bliss 遗赠获得。

5. 巴勃罗·毕加索，《亚维农少女》 (1907)

为什么《阿维尼翁少女》是艺术史上不可或缺的杰作，也就是说，如果它从未被创作出来，我们所知的创造性探究过程肯定会走上其他道路？答案在于，这幅画被认为是毕加索的第一幅立体派作品，它是在大师的非洲时期创作的，在粉红色时期之后，可能受到了艺术家经常光顾巴塞罗那妓院时产生的视觉的启发，位于Carrer d'Avinyò。此外，值得强调的是，这幅画是一百多项研究的结果，其中艺术家还包括了一些男性人物的存在，这一事实导致人们猜测该主题如何代表某种在《死亡的象征》中，画家想警告性的危险，即当时流行的梅毒。关于1907年的杰作的描述，它描绘了五个女孩，她们可能引用了古典传统中的维纳斯，通过公然展示裸体将自己呈现在观众的眼前。最后，就他们的面孔而言，他们代表了与先前艺术传统的刻意停顿，因为他们体现在凝视的强度中，既直接又可识别，而且更加难以捉摸，总是以畸形为特征，旨在引导回到过去。以传统的非洲面具为例。

弗朗西斯科·戈雅， 1808 年 5 月 3 日， 1814 年。布面油画，268 厘米 × 347 厘米。马德里普拉多博物馆。

4. 弗朗西斯科·戈雅，1808 年 5 月 3 日 (1814)

弗朗西斯科·戈雅，《1808年五月三日》（1814年）：在黑暗笼罩的环境中，只有一盏灯笼照亮了夜晚的阴暗，一束光更加强烈地照亮了一个叛逆的贫困农民，他带着极大的尊严和勇气，承认他必须以自由的名义牺牲自己的存在。同样，在痛苦和极度痛苦中，被钉在十字架上的基督的形象经常出现在艺术史的叙述中，在这种亵渎的情况下，他被倒下或受惊的战友包围，他们面前有一支由一群人组成的行刑队拿破仑指挥下的法国士兵。事实上，这幅画的明确目的是描绘 1808 年占领西班牙独立战争期间马德里军队对法国军队的抵抗。艺术家的其他作品也具有类似的主题兴趣，即题为“战争灾难”的系列版画，大师在其中具体化了他对拿破仑军队入侵西班牙的悲伤。然而，就 1814 年杰作的风格而言，后者的原始戏剧不能被视为纯粹的浪漫主义，尽管毫无疑问其敏感的情感外化与相关运动画家的作品相似。同样，这幅画也远离了浪漫主义和新古典主义所追求的美的理想化。

迭戈·委拉斯开兹， 《宫娥》 ，1656 年。布面奥利，320.5 厘米 × 281.5 厘米。马德里普拉多博物馆。

3.迭戈·委拉斯贵支，《宫娥》（1656）

艺术史上最著名的场景之一发生在迭戈·委拉斯开兹 (Diego Velázquez) 的工作室，我不想简单地用平庸的方式来描述，因为西班牙国王菲利普四世于 1650 年左右授予画家使用主要作品的权利。马德里皇家阿尔卡萨大厅是他的工作室，君主经常在这个空间里观察大师的工作，以至于许多人认为菲利普违反了王室的行为准则，甚至与这位画家成为了朋友。说到这幅杰作，它表面上只是描绘了一幅宫廷肖像，因为它的目的是成为一份宣传宣言，旨在明确艺术如何有效地再现现实。无论如何，复杂的构图足以引发多种解释和问题，例如：为什么主权国家会出现在镜子中？这些人物很可能是想在昏暗的光线下监视摆姿势的场景，而光线则来自背景，涅托女王的助手在场景中找到了自己的位置，他的到来仍然有些神秘。最后，非常重要的是艺术家本人在作品中的存在，这个人物可能是为了表明他庆祝自己的意图，他在菲利普四世宫廷的存在，他的角色，以及他将个人观念外化的愿望那幅画原来是艺术中的佼佼者。

萨尔瓦多·达利， 《记忆的永恒》 ，1931 年。布面油画，24 厘米 × 33 厘米。现代艺术博物馆，纽约市。

2. 萨尔瓦多·达利，《记忆的永恒》（1931）

许多人都记得《记忆的持久》中出现的“软”时钟，即几乎具有液体稠度的时钟，尽管很少有人知道这些时钟的灵感来自于观察卡芒贝尔奶酪的伸长，萨尔瓦多钦佩将其暴露在源头前。热。事实上，正是这位西班牙大师古怪的大脑能够将如此平凡的景象转化为杰作，旨在为时间的流逝赋予具体的形式，虽然时间是可以测量的，但当考虑到与人类感知的关系时，它仍然存在很大的变化。，也就是说，如果快乐的时候速度较快，而痛苦的时候则速度较慢。此外，根据达利的说法，记忆也表现出类似的功能，因为我们很容易记住我们感兴趣的事情，即使它们很遥远，但很可能忘记对我们来说非常琐碎的亲密时刻。简而言之：《记忆的永恒》中所画的时钟恰好象征着与精神状态和记忆相关的不受控制的时间状况。最后，仍然是关于这幅杰作的主题，值得强调的是，这幅达利最著名的作品是如何于 1931 年由艺术经销商朱利安·利维 (Julien Levy) 在他的 Nweyork 画廊展出的，这一事实受到了公众和评论家的关注。对加泰罗尼亚大师感兴趣。

巴勃罗·毕加索， 《格尔尼卡》 ，1937 年。布面油画，349.3×776.6 厘米。马德里索非亚王后国家艺术中心博物馆。

1.巴勃罗·毕加索《格尔尼卡》(1937)

即使是占据讲台的作品，我也想避开对这幅画最简单、最常见的描述，而把重点放在它的风格特征上，这是巴勃罗在 20 年代中期接近超现实主义观点的结果，当时主要通过静物、物体和乐器的室内创作来表达。正是这些传统主题催生了创新，以至于在同一时期毕加索意识到打破形式的多种方式，以及从多个角度呈现构图，这后来激发了立体主义的“革命”。 ”然而，无论如何，这位认为艺术是自我外化的工具的艺术家，通过建造幽闭恐怖的空间来进行这种比喻性的调查，这可能是受到与当代和焦虑的第一次世界大战相关的悲伤事件的启发。除了上述的亲密主义研究之外，这位西班牙大师这一时期的作品还以女性形象的不断出现为标志，女性形象被理解为一种鼓舞人心的缪斯，能够以大师所经历的许多动荡关系的形式呈现。此外，在创作《格尔尼卡》之前的几年里，毕加索专注于女性身体所传达的象征意义，这些研究与之前的研究一起最终促成了这部杰作的创作。事实上，《格尔尼卡》代表了毕加索艺术事业的顶峰，其中融合了毕加索成名的所有视觉特征，以至于如果不分析（即使是简单地）发展过程中的先前和必要阶段，就根本无法理解这部作品。他的视觉语言。无论如何，这幅画最出名的事实是，通过描绘战争的恐怖，它已成为反对一切形式邪恶冲突的斗争的卓越象征。