水彩技法：特纳和萨金特描述威尼斯

就个人而言，我相信没有比介绍水彩画更好的方法了.所讨论的艺术调查还将揭示这两位画家与上述意大利城市的密切关系，这座意大利城市已经成为艺术史上著名杰作的主题，如 Gentile Bellini、Vittore Carpaccio 和 Canaletto 等。谈到威廉·特纳（William Turner），一位出生于 1775 年的英国画家和雕刻家，他是浪漫主义的著名代表，他以个人观点解释了这一运动，旨在预测印象派的风格特征，在某些情况下，甚至是那些出于抽象主义的考虑，他曾两次在威尼斯首都逗留，一次是在艺术家于 1819 年以及随后在 1828 年至 1929 年间进行的那些旅行期间。泻湖生活的瞬间，英国艺术家与意大利城市建立的密切联系的具体象征，这当然是由于典型的威尼斯灯光的魅力，也归功于着名的历史文学参考，以及来自后者的世界著名画家。在这样的具象叙事中，往往转化为准确的后期油画作品，威尼斯的二元性出现了，它被叙述为一个具有高度可识别性的公共城市，以及一个更加荒凉和保留的位置，在其中描绘了更安静的地方表达了艺术家更内省的思考。正是在这个意义上，这样的水彩作品能够揭示一个新的特纳，他摆脱了作为宫廷艺术家和著名皇家艺术学院成员的角色，将自己呈现为一个好奇而不知疲倦的旅行者，一心追求孤独英雄的浪漫神话，与大自然最不同的秘密发生碰撞。

威廉·特纳，日落时的圣乔治马焦雷，1840 年。水彩。伦敦：泰特美术馆。

约翰·辛格·萨金特，威尼斯运河， 1913 年。水彩。纽约：遇见。

这些素描的简单性和自发性也是日落时圣乔治马焦雷(1840 年) 的特征，这是一幅水彩画，英国人在他的酒店房间中创造了大教堂的景色，该房间位于欧罗巴酒店 (Palazzo Giustinian)，允许他想瞥见那个被黄昏笼罩的主题。说到萨金特，这位出生于 1856 年的美国印象派画家在他作为肖像画家事业蒸蒸日上的时候决定重塑自己，通过水彩画重新发现他的创造力，旨在为他的新“游牧民族”提供一种具象叙事。 ” 生活方式，也就是说，主要集中在欧洲和中东的发现之旅。在众多目的地中，威尼斯无疑是萨金特最钟爱的地方，他在 1870 年的第一次旅行后，在四十年的时间里将返回那里十多次，创作了大约一百五十幅以威尼斯为主题的油画和水彩画，被执行1880 年代至 1913 年之间。这种泻湖叙事的一个例子是威尼斯运河（1913 年），这是一幅水彩画，运河的涟漪反射着阳光以及附近的建筑，其中风景秀丽的 11 世纪教堂钟楼圣巴拿巴也可以瞥见。考虑到景观的角度，大师似乎将场景描绘成他舒适地坐在缆车上，艺术家也从这个位置捕捉到了一些市民的动作，与注意力相比支付给建筑，看起来像是遥远的存在，通过几笔笔触来表示。类似的风格特征也区分了早期的水彩画，标题为威尼斯，监狱（1903），描绘了一个著名角落的小景观泻湖城，在那里我们瞥见了 Palazzo delle Prigioni Nove，它俯瞰着圣马可盆地，并通过著名的叹息桥与总督宫相连，由 Antonio Da Ponte 于 1589 年设计，成为其中之一的所在地威尼斯共和国最古老的地方法官。然而，作品的前景被许多贡多拉占据，它们彼此靠近并静止在水面上，在运河表面产生强烈的色彩反射，而后面建筑物的“苍白”反射强烈的阳光。

娜塔莉亚·维纳，《夏日早晨》，2022 年。纸本水彩，51.5 x 63 厘米。

凯特·马特维耶娃（Kate Matveeva）， 《奔向光明》，2022 年。纸本水彩，50 x 40 厘米。

水彩技法：从古希腊到现代

参考最容易理解的定义，维基百科将水彩描述为一种绘画技术，其特点是使用精细研磨的颜料与粘合剂混合，在稍后阶段将其在水中稀释，以便涂抹在图片载体上，以便通过描绘柔和细腻的色彩来创作作品。正如在特纳和萨金特的例子中所看到的那样，这种艺术调查工具被认为是快速且易于携带的材料，对于那些在旅行或户外绘画的人来说是完美的。尽管有这些优势，但直到 17 世纪，水彩的使用才变得广泛流行，尽管它虽然不完全以今天已知的形式出现，但从古埃及人时代开始，以及在中国的文化中就出现了。公元早期的几个世纪，后来，在微型画家的中世纪世界中，它被用于产生更类似于现代水粉画技术的效果。另一方面，William Turner、William Blake、Charles-Joseph Natoire 和 Louis-Jean Desprez 等艺术家使用了更类似于当代水彩的“版本”，其中颜色用简单的水稀释并以非常流畅的方式传播釉，覆盖在纸张特有的白色上。正是出自后期大师的作品，因此在十八世纪末至十九世纪之间，水彩终于被认为是一种与油画相提并论的艺术技法，因为以前它主要用于准备素描或研究，就像阿尔布雷希特丢勒和皮萨内洛这样的伟大大师有时所做的那样。水彩画的伟大传统在当代艺术中延续，现在已确立的媒介艺术尊严通过 Artmajeur 艺术家丰富多样的作品表达出来，Ingaside、Irina Pronina 和 Karin Martina Wloczyk 的作品就是很好的例证。

Ingaside，长着胡须的非常快乐的野兔，2022 年。纸本水彩，38 x 56 厘米。

Ingaside：很高兴有胡须的野兔

这位 Artmajeur 艺术家的水彩画描绘了三只快乐的野兔，它们可能受邀参加生日聚会，留着可爱的纸胡须，并在它们长而僵硬和伸出的耳朵上支撑着三角形和自行车的装饰，一个花环已经过严格的研究，以暗示一种明确、快乐和无忧无虑的庆祝气氛。然而，从纯粹的艺术史的角度来看，上述动物是一部明显更为严肃的杰作的主角，例如阿尔布雷希特·丢勒 1502 年的水彩画，题为《野兔》，是艺术家为了研究其特征而创作的这只野兽，为了这个场合，他可能已经在他的工作室里捕获并安排了它。正是在这样的背景下，这只动物才会害怕，这种感觉可以通过它紧张而僵硬地向上排列的耳朵的姿势准确地揭示出来。所有这些对细节的关注都证明了这位德国大师对动物的热爱，他经常通过明显的现实主义来描绘，在这种特殊情况下，准确地描绘了野兔皮毛的方向，这在不同的地方会有所不同身体的部位。

伊琳娜·普罗尼娜，《郁郁葱葱的矮牵牛》，2022 年。纸本水彩，78 x 56 厘米。

伊琳娜·普罗尼娜：郁郁葱葱的矮牵牛

以水彩为题材的艺术史叙事不仅限于对城市和动物的描写，还涉及色彩斑斓的花卉世界。事实上，伊琳娜·普罗尼娜的《郁郁葱葱的矮牵牛》似乎是对乔治亚·奥基夫 (Georgia O'Keeffe) 的艺术调查的后续，这位美国画家以其水彩和花卉油画而闻名在 1920 年代中期和 1950 年代之间。在她职业生涯的这个阶段，这样一位艺术家，从小就受到花卉世界的影响，在具有静物风格的“古典”作品中发展了上述主题，后来，这些作品越来越放大，以及趋向走向抽象主义。正是从后者的角度来看，Pronina 对矮牵牛的写实渲染明显偏离了后者，相比“极简主义”特写，它更喜欢通风的框架，让我们能够观察同一朵花的多个标本，旨在成为一个Artmajeur 艺术家个人艺术观的象征，旨在主要研究最不同的植物种类。

Karin Martina Wloczyk， Kenn dein limit!， 2021 年。水彩/粉笔在纸上，50 x 50 厘米。

Karin Martina Wloczyk： Kenn dein 极限！

肯登极限！是抽象的水彩画，虽然包含了花哨的几何图形，但属于上述运动的抒情潮流，因为它没有被几何抽象主义的严谨和理性控制所支配，而是为想象留下了充足的空间，如以及艺术家的个人世界，他本能地随意叠加作品中的正方形和矩形。类似的原理可以在艺术史上著名的水彩画中找到，例如由 Paul Klee 于 1914 年创作并保存在瑞士伯尔尼美术馆的《凯鲁万风格》 。杰作的标题明确提到了突尼斯凯鲁万市，艺术家同年与路易斯·莫利埃特和奥古斯特·麦克一起参观了这座城市。尽管有这种引用，这幅画放弃了对现实的写实渲染，取而代之的是矩形、多边形和抽象的彩色圆圈相互叠加。然而，在技术方面，克利对水彩画进行了实验性的研究：他首先通过灰度来表达自己，随着时间的推移和对媒介的进一步掌握，实现了色彩鲜艳的作品。