CRACKED BLUE II (2018) 雕塑，作者：Pin Vega
抽象艺术是一种与传统具象艺术不同的艺术运动，它表现的是非客观的、无法辨认的现实。具象主义注重忠实地再现可见的数据，而抽象艺术则旨在通过不直接模仿外部世界的形式、颜色和线条来表达情感、想法和概念。这种分歧意味着抽象艺术通常需要一些解释才能被充分理解和欣赏。
抽象艺术诞生于 20 世纪初的绘画领域，是对当时文化和社会变革的一种回应。抽象艺术的先驱包括瓦西里·康定斯基、卡西米尔·马列维奇和皮特·蒙德里安等大师。尤其是康定斯基，他认为艺术应该超越单纯的视觉表现，探索艺术家的内心世界和人类精神。他 1911 年的论文《论艺术的精神》代表了对抽象艺术进行理论化的首次尝试之一。
随后，抽象艺术迅速发展出各种风格和运动，例如马列维奇的至上主义和蒙德里安的新造型主义，每种风格和运动都有其独特的形式和色彩方法。这些愿景试图将现实的本质提炼为纯粹的几何形状和原色，创造出既具有沉思性又具有革命性的作品。
显然，目前我们讨论的故事已经广为人知：抽象艺术是如何诞生并在绘画语言中确立地位的。现在我想解释和说明这种语言随后如何在雕塑、摄影和其他艺术媒体中表达自己。所有这些都将通过从 Artmajeur 不断发展的收藏中丰富的作品中选出的当代例子来说明。那么，让我们从绘画的故事开始吧！
我见过太多风景（2023） 弗兰克·维瑞肯 (Frank Verreyken) 绘画
抽象绘画：历史、风格和杰作
素描和绘画一直紧密相连，素描通常被视为大型绘画作品的初步阶段或研究。在抽象艺术中，这种关系仍然很明显，因为许多抽象画家也创作了反映其绘画探索的抽象素描。这两种语言之间的联系如何体现？它体现在两种媒介之间的主题、技巧和目标的共享上：两者都力求超越传统的具象表现，探索新的艺术表现形式。
深入探究的话，例如前面提到的瓦西里·康定斯基就创作了大量抽象画，这些画作和他的绘画一样，避免采用可识别的表现形式，而是专注于纯粹理想的构图，旨在探索色彩和形式，唤起情感和精神概念。
同样地，皮特·蒙德里安 (Piet Mondrian) 也在他的素描和绘画中运用了几何原理，而卡西米尔·马列维奇 (Kazimir Malevich) 则以他的至上主义创作了探索形式纯粹敏感性的素描，不参考任何物理对象，就像他的绘画艺术一样。
那么，素描和抽象绘画有什么区别呢？虽然第一种媒介与第二种媒介有许多共同的特征，例如使用几何形状、流畅的线条和对比色来唤起情感和概念，但抽象素描也有其独特的特点。虽然绘画可以利用颜色和纹理的独特品质，但素描往往更注重线条、构图和形式，使用更有限的颜色范围，通常集中在黑白或单色色调上以强调结构和运动。最后，虽然抽象素描经常探索标记的自发性和即时性，但绘画可能需要更长的过程和多层工作。
无题 838（2024）绘画，作者：Oto Macek
当代范例：奥托·马切克的绘画与素描对比
作为抽象绘画与素描之间联系的证据，我们可以看看当代艺术家奥托·马切克的作品。他的绘画作品《无题 838》（2024 年）和素描作品《无题 3732》（2023 年）代表了相同的主题和形式的探索，但在色彩、技巧和色调的使用上有所不同。
在《无题 838》中，马塞克采用了各种深浅不一的蓝色和天蓝色，利用分层绘画技巧创造出动态而充满活力的构图，其中线条和几何形状交织重叠，产生了一种运动感和深度感。
另一方面，《无题 3732》展现了一种略显简约的绘画方法。几何图形以精确干净的线条绘制，主要以黑白两色为主。构图不太密集，留有纸张颜色的空间，让眼睛可以休息并专注于形状之间的相互作用。
马塞克的这两件作品展示了抽象绘画如何通过不同的诠释来探索相同的主题和题材，在执行和视觉冲击力各异的同时保持概念的连贯性。
接下来我们开始进行版画制作吧！
Miroir (2024) 艺术版画，作者 Benedicte De Nouel Imbert
艺术版画的过去和现在
与素描类似，艺术版画也受到绘画的启发，通过呈现与绘画相似的主题，融入了抽象主义。同样，一些最著名的抽象画家也创作了版画，就像著名的大师胡安·米罗一样。
这一传统的当代例子是画家 Benedicte De Nouel Imbert 的艺术版画《Miroir》（2024 年），采用油毡刻印技术在纸上创作。这种方法涉及在油毡板上雕刻图案，然后涂上油墨并压印到纸上以转印图像。这种技术以能够产生锐利的线条和大胆的对比而闻名，非常适合抽象艺术表达。
油毡刻印技术让 De Nouel Imbert 能够非常详细地探索形式的重复和变化。这幅作品具有抽象的构图，有机图案和几何图案相互重叠。主要颜色是橙色和蓝色，形成了强烈的视觉对比。橙色形状让人联想到类似树叶的自然特征，而中央的蓝色图形则增添了深度和复杂性。鲜艳的色彩和重复的图案的使用赋予了作品一种运动感和活力。
无题（n° 121）（2024）雕塑，作者：Didier Fournier
抽象雕塑：历史、风格和杰作
抽象雕塑在 20 世纪初开始发展，与绘画的变化同步。同样，雕塑家试图摆脱传统和自然主义的表现，转而探索纯粹的形式、几何图形和新材料。通过这种方法，他们能够通过形式和结构而不是具象表现来表达概念和情感。
最早和最具影响力的抽象雕塑家之一无疑是康斯坦丁·布朗库西。布朗库西出生于罗马尼亚，以其对形式和材料的处理方式革新了雕塑语言而闻名。他的作品以干净的线条和光滑的表面为特色，旨在捕捉运动和生命的本质，超越任何现实的细节。
另一位抽象雕塑先驱是让·阿尔普，他以独特的生物形态作品为抽象雕塑运动做出了贡献。阿尔普以主要使用青铜和石头创作而闻名，他创作的有机形态似乎自然而然地从大自然中涌现出来。他的作品通过使用流畅自然的形状，体现了他抽象主义的方法。
此外，纳姆·加博还是一位著名的抽象雕塑家，他以通过几何形状和透明材料探索空间和时间、利用相互连接的线条和平面而闻名。加博的作品旨在表现空白空间的体积，挑战传统的雕塑观念。
为了进一步说明这一历史和艺术叙事，这些大师的一些著名抽象雕塑杰作包括：康斯坦丁·布朗库西（1932-40）的《太空中的鸟》，让·阿尔普（1932）的《迷失在森林中的雕塑》和纳姆·加博（1937-39）的《太空中的建筑》。
总之，抽象雕塑通过使用几何形状、清晰的线条和创新的材料来表达抽象的想法、情感和概念。
Axoliz I (2014) 雕塑，作者：Vincent Champion-Ercoli
Gran bañista (2024) 雕塑，作者：Roberto Canduela
当代典范：文森特·查皮恩-埃尔科利与罗伯托·坎杜埃拉的比较
我在 Vincent Champion-Ercoli 的雕塑作品“Axoliz I”和 Roberto Canduela 的雕塑作品“Gran bañista”中找到了两个当代例子。这些作品有什么共同之处？除了抽象方法外，它们都使用金属作为主要的表现材料。让我们深入分析一下……
从第一件作品开始，“Axoliz I”是由两个线性青铜元素组成的作品，它们结合在一起，形成向上的发展。这种描述体现了一种沉重和轻盈的二元论，通过一种上升的运动感来呈现，象征着成长和毅力。此外，这件作品还承载着更多的含义，因为光滑的表面和高耸的构图唤起了优雅和乐观，暗示着尽管困难重重，但仍会不断崛起。
另一方面，正如艺术家本人所言，“Gran bañista”让人想起塞尚的“Les Grandes Baigneuses”的主题，以岸边休息的人的抽象特征重新诠释。从这个意义上讲，几何形状从一端拱到另一端，在中心形成一个眼状物，让人联想到一张脸。倾斜的元素使雕塑可以放在平面上，类似于沐浴者在阳光下晒干的手臂和肘部。雕塑反映了后一种元素，继承了太阳的光辉，并带有金色饰面。
稍加想象，“Axoliz I”也可以被解读为一个人形，上升的线条暗示着人体的直立姿势。这样，上面分析的几何形状的性质就可以与更熟悉的叙事联系起来，更接近观众的现实。 现在，让我们把目光转向拼贴画！
社会纹理 6 (2022) Henok Getachew Woldegebreal 的拼贴画
拼贴画的简要概述：过去和现在
拼贴技术为抽象主义提供了肥沃的土壤，艺术家们通过各种材料的组合探索新的表达方式。20世纪初，由于先锋艺术家试图打破绘画和雕塑的传统惯例，拼贴在抽象艺术中的运用开始成形。
在抽象拼贴画中，艺术家利用各种材料和技术来创作强调构图、颜色和纹理的作品。这种艺术形式脱离了具象表现，专注于不同元素之间的相互作用，以唤起情感和抽象概念。艺术家可以结合报纸剪报、照片、织物和其他材料来创作层次丰富、充满活力的作品。
此外，拼贴画具有极大的表达自由，因为抽象艺术家可以操纵和重新排列材料来创造新的视觉配置。这种组装和拆卸的过程反映了不断进行的实验和发现，这是摆脱现实表现的艺术的典型特征。
在抽象艺术中采用拼贴画的先锋艺术家中，汉斯·阿尔普 (Hans Arp) 以《无题》(1916-17) 和《大拼贴画》(1918) 等作品而闻名。谈到当代艺术家，Artmajeur 艺术家 Henok Getachew Woldegebreal 的《社会纹理 6》脱颖而出。这幅拼贴画由从当地市场采购的包装纸箱制成，经过解剖和重新组装，探索了当代社会中现代性、消费主义和全球化之间的复杂相互作用。它旨在批判猖獗的消费主义以及当今社会典型的周期性生产和浪费。
Après le feu - Pink Orange Pink de Rothko (2018) 摄影：Véronique Durruty
抽象摄影：历史、风格和杰作
抽象摄影几乎在技术发明后立即开始表达自己。1842 年，约翰·威廉·德雷珀使用分光镜创建图像，将光线散射成与可见现实毫无关联的可见图案。这些图像展示了摄影将不可见的东西转化为有形存在的能力。尽管这些图像旨在作为科学文献，但它们的创新艺术品质在今天仍然受到赞赏。
同样，最早的摄影师之一安娜·阿特金斯 (Anna Atkins) 于 1843 年制作了一本摄影集，她将干海藻放在蓝晒纸上，创造出具有抽象特质的空灵蓝底白图像。尽管这些作品旨在用于科学研究，但它们具有重要的艺术价值。
20 世纪的第一个十年，艺术探索浪潮席卷而来，引领了从后印象派到立体主义和未来主义等运动的转变。阿尔弗雷德·斯蒂格里茨、保罗·斯特兰德和爱德华·史泰钦等艺术家开始尝试抽象摄影构图。1914 年，欧文·奎登费尔特展出了首批获得公众认可的抽象摄影作品，而阿尔文·兰登·科伯恩则创作了 Vortographs 系列（1917 年），使用多面棱镜来获得脱离可见现实的图像。
从 20 世纪 20 年代和 30 年代开始，探索抽象图像的大师数量显著增加。这一运动如何在摄影中继续体现？它通过各种技术来实现，例如双重曝光、微距摄影和相机内操控。这些技术允许创作挑战传统感知的作品，邀请观众透过表面看本质。
说到大师与杰作，创作抽象作品的著名摄影师有上述的阿尔弗雷德·斯蒂格里茨、保罗·斯特兰德、爱德华·史泰钦，还有曼·雷、拉兹洛·莫霍利-纳吉。曼·雷的《光影照片》（1922）和莫霍利-纳吉的《光影照片》都是将普通物体转化为非凡视觉构图的杰作，挑战了传统，为摄影艺术开辟了新的表现可能性。
Materia 系列 - 作品编号 32 (2024) 摄影：Alessandro Idini
当代范例：Materia 系列 - Alessandro Idini 创作的 32 号作品
亚历山德罗·伊迪尼 (Alessandro Idini) 的“Materia 系列 - 构图 nr 32”是一张照片，属于旨在通过不同状态的物质探索抽象概念的系列。这幅作品的灵感来自亚里士多德的哲学，该哲学认为物质对于现实的构成必不可少。这张照片展现了精致、蜿蜒的形式，似乎漂浮在空间中，产生运动和不断变化和创造的感觉。
此外，选择以这些极其短暂的状态来表现物质赋予了作品一种短暂的特性，旨在捕捉一个独特的瞬间，而这个瞬间很快就会消失在物质本身中。很明显，伊迪尼在摄影中不断探索抽象，利用不同状态的物质来探索形式的表达可能性，创造出在消散之前只存在一瞬间的作品。
线性 #7 (2024) 数字艺术，作者 Carla Sá Fernandes
数字艺术简介
数字艺术在 20 世纪 50 年代开始成型，由美国的本·拉波斯基 (Ben Laposky) 和德国的曼弗雷德·弗兰克 (Manfred Frank) 进行实验。他们都是数学家和程序员，并非传统艺术家，但他们拥有一种创造性的敏感性，这让他们对图形艺术产生了浓厚的兴趣。
渐渐地，数字艺术领域取得了长足进步，开始开拓自己的空间并建立市场利基。为了提高公众对这种新艺术形式的认识，举办了许多展览并颁发了奖项。
有趣的是，数字艺术通过模仿和重新诠释各种传统艺术运动来表达自己。借助先进的软件，数字艺术家可以复制油画和水彩画等经典绘画技巧，并尝试增强现实 (AR) 和虚拟现实 (VR) 等新的表达形式。这些技术使艺术家能够不断探索和创新，将传统技巧与现代工具相结合，创作出从印象派到我们感兴趣的焦点：抽象艺术的作品。
“线性 #7” 是数字抽象如何成形并栩栩如生的典型例子。这幅作品是一曲充满活力的线条交响曲，其中每种颜色都演奏着自己的曲调，同时与周围的颜色和谐相处。这幅作品探索了秩序和节奏，为空间注入了强大的能量，既颂扬了统一性，又颂扬了多样性。
Olimpia Gaia Martinelli
