Оригинальные произведения Art Brut выставлены на продажу

875 Оригинальные произведения искусства, ограниченные тиражи и принты:

Художественное направление, неотделимое от имени французского художника Жана Дюбюффе, арт-брют продолжает пользоваться определенным успехом в мире современного искусства, о чем свидетельствует богатая продукция художников Artmajeur.
Арт-брют, или искусство аутсайдеров, термин, введенный французским художником Жаном Дюбюффе в 1945 году, обозначает эту особую форму творческого самовыражения, в основном работу художников-самоучек, детей, маргинализированных людей или пациентов психиатрических больниц, стремящихся достичь своего рода сознание «различия».

На самом деле, результатом творчества художников этого особого типа являются очень необычные и инстинктивные работы, которые, помимо определенных стилей или движений, чрезвычайно сыры и эмоциональны.

Какова история аутсайдерского искусства?

Большая чувствительность и сильное восхищение, которые Дюбюффе питал и проявлял по отношению к «чистоте» искусства маргиналов, развились из фундаментальных встреч с французским мастером.

В частности, на ар-брют Дюбюффе в своих основных концепциях большое влияние оказали работы двух известных психиатров, а именно Вальтера Моргенталера и Ганса Принцхорна, которые, очарованные художественной продукцией своих пациентов, начали ее ценить и анализировать, собирать и документировать. Это.

Именно Дюбюффе, соприкоснувшийся с этими исследованиями, был полностью ими очарован, вплоть до убеждения, что искусство душевнобольных может представлять собой чистейшую форму художественного творчества.

Кроме того, на его взгляды на искусство повлияла, в частности, одна книга, Bildnerei der Geisteskranken Принцхорна, в которой были проанализированы тысячи произведений искусства, созданных психически больными людьми в различных европейских учреждениях.

Именно после прочтения этого произведения Дюбюффе начал свою личную коллекцию, включающую не только искусство, созданное психически больными, но и творчество чудаков, детей, маргиналов и изгоев.

Эта коллекция, получившая название "La Collection de l'Art Brut", была передана Жаном Дюбюффе в дар городу Лозанне (Швейцария), где она развивается и по сей день. Работы, представленные в контексте постоянных или временных выставок, призваны побудить посетителей задуматься и понять этих художников, которые на самом деле не художники.

Каковы наиболее распространенные приемы художественного движения Outsider Art?

На самом деле не существует репрезентативных техник аутсайдерского искусства, потому что каждый художник в движении стремится выразить свое внутреннее «я» автономно, следуя своей самой естественной, простой, прямой и инстинктивной тенденции. Действительно, работы могут быть созданы на самых разных носителях, таких как бумага, картон, картон, стена, холст, медь и стекло.

Однако в работах этого типа художников часто встречаются определенные повторяющиеся стилистические характеристики, такие как мотивы и определенные методы дизайна, которые очень навязчивы и повторяются.

Вероятно, эти подходы к искусству обнаруживают как глубокую чувствительность к течению времени, так и желание создать своего рода порядок в часто проблематичном и хаотичном внутреннем мире.

Что касается используемых материалов, то они, как и их создатели, зачастую нетрадиционны, как будто они хотели больше соединиться с богатым внутренним миром своего создателя.

Кто известные художники и работы?

Жан Дюбюффе (1901 - 1985)

Жан Дюбюффе, известный французский художник и скульптор, считается основателем художественного направления Art Brut. Проучившись два года в Академии изящных искусств в Гавре, своем родном городе, в 1918 году он отправился в Париж, чтобы пройти курсы в Академии Жюлиана, учреждение, которое он покинул только через шесть месяцев. . В этот период становления на него оказала сильное влияние книга Ганса Принцхорна об искусстве безумцев и художественном производстве первобытных народов. Однако его решение стать художником не стало окончательным до 1942 года, когда на него большое влияние оказал мастер-экспрессионист Пауль Клее. Но именно с 1945 года начался его истинный путь, период, когда Дюбюффе теоретизировал и ввел понятие арт-брют. Всегда в гармонии с этим художественным течением, он основал в 1947 году вместе с Андре Бретоном, Поланом и Друэном «Compagnie de l'art brut». Именно в этих последних проектах с силой проявилась мысль Дюбюффе: освободиться от художественной традиции, чтобы искать оригинальное творчество, способное проложить новый путь искусства.

Адольф Вёльфли (1864 - 1930)

Адольф Вёльфли, швейцарский художник и главный представитель Art Brut, был во многом отмечен неприятными событиями своего детства, неизгладимо разрушенного присутствием жестокого отца и преждевременной смертью матери. Эти неприятные события вкупе с жестоким обращением, которому молодой человек подвергался во время работы в лагерях, привели к тому, что у мальчика появились серьезные поведенческие проблемы, настолько серьезные, что его сначала посадили в тюрьму, а затем, когда его шизофреническое состояние было доказано, интернировали в приют Вальдау (Швейцария), где он останется до конца своих дней. Именно в психиатрической больнице художник утешался рисованием, постепенно осознавая свой талант, который будет всячески поощряться и цениться психиатром Вальтером Моргенталером. Наконец, стоит подчеркнуть, что за тридцать лет своей деятельности художник создал 1300 рисунков, несколько записных книжек и гигантскую биографию тиражом не менее 25 000 экземпляров («Легенда о святом Адольфе»), произведения, которые в основном находятся в Музей изящных искусств в Берне.

Генри Дарджер (1892–1973)

Генри Дарджер, американский писатель и иллюстратор, наиболее известен своей фантастической рукописью под названием «Царства нереального», щедро иллюстрированной одними из лучших образцов искусства аутсайдеров, выполненных акварелью. Что касается жизни художника, Даргер, потеряв мать в возрасте четырех лет, жил со своим заботливым отцом, пока последний, престарелый и инвалид, не был доставлен в дом престарелых. После этого эпизода он сначала попал в католический приют для молодежи, затем был переведен в психиатрическую лечебницу, так как был признан психически больным. Страдания этого заточения в значительной степени сублимированы в литературном произведении Les filles de Vivian. В 1908 году Даргеру удается бежать из психиатрической лечебницы, но вкус его свободы отмечен сильным экзистенциальным однообразием.

Говард Финстер (1916–2001)

Говард Финстер, американский баптистский художник и священник, утверждал, что Бог вдохновил его на распространение Евангелия через его художественные произведения, в том числе наивные и дальновидные произведения искусства. Художественные поиски Финстера стали известны широкой публике в 1980-х годах, когда он оформлял обложки альбомов известных американских групп REM и Talking Heads. Что касается личной жизни художника, то Финстер, который родился в Алабаме и вырос на ферме своей большой семьи, получил свое первое видение в возрасте тринадцати лет, чрезвычайно поучительный эпизод, который привел к его посвящению проповеди. Что касается его художественной карьеры, он посвятил себя строительству музеев, предназначенных для сбора и демонстрации образцов того, что создало человечество, таких как Музей фермы растений, а также производству сакрального искусства, портретов и икон поп-культуры.

Discover contemporary artworks on Artmajeur

Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.