Техника живописи "Fondo oro"
Золото было главным героем многих шедевров в истории искусства, созданных с помощью живописной техники «Фондо оро», которая, первоначально получившая распространение в раннехристианской мозаике, позже использовалась в производстве картин на дереве, миниатюр и мозаик. византийского периода. Эта техника, прекрасно описанная в трактате Ченнино Ченнини около 1400 года под названием «Libro dell'arte», основана на производстве маленьких и тонких золотых листьев, которые специализированные ремесленники Средневековья реализовывали путем чеканки монет. , чтобы получить очень тонкие листы металла. Впоследствии поверхность работы, которая была готова для нанесения сусального золота, была подготовлена путем нанесения слоя «боло», красноватой глины, растворенной в воде и яичном белке. Затем, чтобы закрепить золото на основе картины, использовались протравы на водной основе, такие как яичный белок, мед, камедь и овощные соки. Следует отметить, что при реализации этой техники сусальное золото наносилось прямоугольниками, которые впоследствии переносились на кисть и через давление щетинок наносились на поверхность. Наконец, золото дробилось и полировалось на подложке полировщиком — специальной щеткой из агатового камня с уплощенным на конце концом.
Шествие Феодоры , шестой век. Мозаика, Равенна: базилика Сан-Витале.
Равенна и византийское искусство
Шедевром, отличающимся золотым фоном, является великолепная византийская мозаика под названием « Шествие Феодоры », которая хранится в базилике Сан-Витале в Равенне, Италия, и датируется примерно 520–547 годами. На этой работе изображена императрица Феодора, которая, помещенная в центр мозаики, окружена справа двумя мужскими фигурами, а слева - семью перекрывающимися женскими фигурами. Внутри этой группы людей только Феодора и ближайшие к ней фигуры ориентированы фронтально к плоскости мозаики, а остальные протагонисты несколько удалены от нее. Что касается одежды, то женщины процессии носят очень богатые одежды, а мужчины, скорее всего, два сановника, носят тунику с хламидой поверху. С другой стороны, императрица, изображенная в белой тунике с золотой каймой, покрытой пурпурной хламией, носит эффектные драгоценности и очень сложный головной убор. Что касается того, как изображены персонажи, то их тела в основном асимметричны, они увековечены в жестко фронтальных и стилизованных позах. Кроме того, отсутствие светотени и четкие контурные линии оживляют двухмерные фигуры, лишенные пластики. Более того, что касается манеры изображения персонажей, то следует отметить, что фигура Феодоры крупнее остальных, следуя законам иерархической перспективы, что связано с типом символического изображения, где родословная символы выделены. Наконец, что касается фона произведения, то он, золотой и двухмерный, окружает главных героев сцены, упирающихся ногами в зеленый «ковер». Кроме того, в окружении также есть небольшой фонтан, ниша, закрытая небольшой апсидой в форме раковины, и вверху справа полосатое полотнище. Возвращаясь к золотому цвету фона, это намекает на духовность, а пурпур хламиды Феодоры представляет власть, дарованную императорам. На самом деле эту мозаику, которая, скорее всего, не изображает реального события, следует считать произведением политической пропаганды.
Дуччо ди Буонинсенья, величество Сиенского собора , 1308-1311 гг. Панель, темпера, 214 x 412 см, Сиена: Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo.
Чимабуэ, Величество Святой Троицы , 1290-1300 гг. Панель, темпера, 384 х 223 см. Флоренция: Галерея Уффици.
Джотто, Встреча у Золотых ворот , 1303-1305 гг. Фреска, 200 × 185 см. Падуя: Капелла Скровеньи.
Густав Климт, Юдифь , 1901. Холст, масло, 84 × 42 см. Вена: Österreichische Galerie Belvedere.
Золотой фон средневековья на...
Итальянские шедевры от Средневековья до раннего Возрождения отличались использованием техники «Fondo oro», которая была связана с точным символическим значением, направленным на намек на недостижимую и священную небесную сферу. Примером сказанного являются работы двух тосканских художников, таких как Величество Сиенского собора Дуччо ди Буонинсенья и Величество Святой Троицы Чимабуэ. Позже, благодаря художественному исследованию Джотто, золотой фон и византийские схемы были частично упразднены, и живопись вернулась к изображению мира и, прежде всего, неба. Фактически, начиная с четырнадцатого века, постепенно стали доминировать архитектурные и ландшафтные фоны, постепенно уменьшая процент панелей, украшенных золотом. В эпоху Возрождения окончательно утвердилось осознание важности реалистичных фонов, настолько, что техника «Золотой фон» стала пользоваться меньшей популярностью. Несмотря на это, техника никогда полностью не исчезала, оставаясь в употреблении даже в шестнадцатом веке и утвердившись больше в областях влияния православной религии, где распространился культ икон. В наше время золотой фон использовали многие художники, среди которых самым известным, несомненно, является Густав Климт.
Алена Мастеркова, Икона Божией Матери «Умиление », 2007. Мозаика на дереве, 82 х 62 см.
Алена Мастеркова: Икона Богородицы нежности
Золотой цвет, используемый для фона или деталей, также характеризует многие работы, созданные художниками Artmajeur, которые временами вдохновлялись великими шедеврами истории искусства, а в других случаях они новаторски использовали эту драгоценную и светящуюся тональность. . Мозаика, которая, отличаясь использованием золотых эмалей, вероятно, вдохновлена мадоннами с младенцем на православных иконах, была выполнена русской художницей Аленой Мастерковой. В связи с этим стоит обратить внимание на то, как иконы, ставшие популярными на Руси около 988 г., распространились под влиянием византийского искусства, став настоящей школой жанра. Иконография этого периода верно следовала правилам и жанрам, принятым в византийском искусстве, а начиная с семнадцатого века и далее, под влиянием картин и гравюр католической и протестантской Европы, стала отличаться менее двухмерным и статичным изображением, но более натуралистичным и трехмерным. Работа Мастерковой явно относится к византийской традиции, поскольку для нее характерны иератические и двухмерные фигуры, которые в классическом обрамлении излучают интенсивную духовную энергию.
Данко, Аллегория Густаву Климту I , 2020. Холст, масло, 70 x 50 см.
Данко: Аллегория Густаву Климту I
Работа Данко, художника Artmajeur, представляет собой еще одну дань уважения истории искусства, поскольку изображает современную и весьма оригинальную интерпретацию Юдифи Гюстава Климта. В самом деле, как и в работе австрийского мастера, лицо девушки, написанной Данко, обрамлено густой копной объемных черных волос, которые, однако, в данном случае украшены золотыми узорами. Более того, в то время как у Климта фон торжествует золото и черное, которые вместе составляют фруктовые деревья, у художника из Artmajeur мы находим абстрактное украшение, в котором преобладают бронза, выполненная с помощью листьев, и красный цвет. На двух картинах можно найти другие драгоценные детали в виде ожерелья и платья, которые в работе Данко не позволяют увидеть наготу. Кроме того, на картине художника Artmajeur также отсутствует голова Олоферна, так что картина перестает рассказывать популярную историю Юдифи, которая, как символ женской силы и духа жертвенности, изображалась во многих шедеврах. В результате работы Данко становятся просто торжеством современной женской красоты, залитой бронзовыми отблесками. Наконец, несмотря на все эти различия, в обеих картинах главный герой становится символом чувственной женской фигуры, решительно смотрящей перед собой, в сторону зрителя, с выражением почти вызывающего.
Камиль Зайц, Золотой ум , 2021. Нержавеющая сталь, металлы и проволока, 40 x 17 x 17 см.
Камиль Зайц: Золотой ум
Череп, являющийся предметом художественных работ художника Artmajeur Зайца, часто изображался в самых известных шедеврах истории искусства как символ vanitas. Латинское выражение vanitas vanitatum , происходящее от vanus и означающее преходящее, указывает в живописи на тип натюрморта, характеризующийся присутствием предметов, которые являются символическими индикаторами шаткости существования, неумолимости течения времени и эфемерности природы. мирские блага. Эта иконография, носящая нравоучительный характер, сложилась в Средние века, когда Церковь выступила с суровым предостережением, напомнив, что накопленное на земле богатство, лишенное ценности, ведет к проклятию. Следовательно, чтобы склонить грешников к искуплению, церковники настаивали на изобразительном изображении предметов роскоши, сопровождаемых предметами, намекающими на смерть. Работа Зайца, скорее всего, представляет эту фигуративную традицию очень личным и новаторским способом, реализуя череп, который является символом vanitas par excellence, из стали цвета золота, тональность неразрывно связана с вечной и недостижимой священной небесной сферой. Следовательно, скульптура художника из Artmajeur кажется настоящим оксюмороном, в котором соединились вечная жизнь и смерть.
Olimpia Gaia Martinelli
