Artemísia Gentileschi

Artemisia Gentileschi, Auto-retrato como alegoria da pintura , 1638-1639. Óleo sobre tela, 98,6×75,2 cm. Londres: Palácio de Kensington, Londres.

Quem foi Artemísia Gentileschi?

Artemisia Lomi, também chamada de Artemisia Gentileschi, foi uma pintora barroca italiana que viveu de 1593 a cerca de 1656. Gentileschi é considerada uma das melhores artistas do século XVII. No início, ela pintou no estilo de Caravaggio. Quando ela tinha 15 anos, ela estava fazendo trabalho pago. Gentileschi foi a primeira mulher a ingressar na Accademia di Arte del Disegno, em Florença. Na época, as mulheres não tinham muitas chances de estudar arte ou trabalhar como artistas profissionais.

Ela tinha clientes de todo o mundo. Muitas das pinturas de Gentileschi mostram mulheres de mitos, alegorias e da Bíblia, como vítimas, guerreiras e mulheres que se mataram. Susanna and the Elders (especialmente a versão de 1610 em Pommersfelden), Judith Killing Holofernes (a versão de 1614–1620 está na galeria Uffizi) e Judith and Her Maidservant (sua versão de 1625 está no Detroit Institute of Arts) são alguns dos suas obras mais conhecidas. Gentileschi era conhecida por quão realista ela podia pintar mulheres e quão bem ela podia usar cores para adicionar profundidade e drama ao seu trabalho. Muito antes de ela se tornar famosa como artista, Agostino Tassi a estuprou quando ela era jovem e ela testemunhou contra ele no tribunal.

Gentileschi foi considerada uma pessoa estranha por muito tempo, mas nos séculos 20 e 21, os estudiosos analisaram sua vida e arte novamente. Ela agora é vista como uma das pintoras mais progressivas e expressivas de sua geração. Seus talentos foram reconhecidos por grandes exposições em instituições de arte de renome internacional, como a National Gallery, em Londres.

Artemisia Gentileschi, Auto-retrato como Santa Catarina de Alexandria , 1615-1617. Óleo sobre tela, 71,4×79 cm. Londres: National Gallery.

Quais são os três conceitos-chave relacionados à artemísia?

• Embora estilisticamente o trabalho de Artemisia Gentileschi tenha uma dívida com Caravaggio e seu pai Orazio, suas pinturas colocam uma ênfase maior no realismo do que seus predecessores. Suas composições também são mais enérgicas e durante sua carreira ela refinou cuidadosamente o uso de textura e cor, tornando-se conhecida por seus ricos tons de joias e tons de pele realistas.
• Gentileschi subverteu as representações tradicionais das protagonistas femininas de histórias bíblicas e mitológicas, apresentando-as como heroínas motivadas, capazes de tomar suas próprias decisões, em vez de objetos passivos do olhar masculino. Ao fazer isso, ela os mostrou de uma maneira totalmente nova, o que lhes deu um poder que outros artistas não conseguiram dar.
• A artista foi abusada sexualmente quando era adolescente, o que afetou muito seu trabalho. Muitas de suas pinturas têm temas de abuso de poder, estupro e violência. É provável que pintar esses temas tenha permitido a ela processar o trauma de seu ataque e buscar vingança e reparação por meio de suas obras de arte.

Artemisia Gentileschi, Auto-retrato como tocadora de alaúde , 1615-1617. Óleo sobre tela, 71,4×79 cm. Minneapolis: Galerias Curtis.

Como Artemísia começou a pintar?

Embora sua certidão de nascimento do Archivio di Stato diga que ela nasceu em 1590, Artemisia Lomi Gentileschi nasceu em Roma em 8 de julho de 1593. Ela era a filha mais velha de Prudenzia di Ottaviano Montoni e do pintor toscano Orazio Gentileschi. Orazio Gentileschi era um pintor de Pisa. Depois que ele se mudou para Roma, suas pinturas tornaram-se mais expressivas. Ele foi influenciado pelas novas ideias de Caravaggio, que o levaram a pintar pessoas reais sem torná-las melhores ou mais doces. Em vez disso, ele os transformou em figuras com drama forte e realista.

Artemisia foi batizada dois dias depois de nascer na igreja de San Lorenzo in Lucina. Depois que sua mãe morreu em 1605, Artemisia foi criada principalmente por seu pai. Foi provavelmente nessa época que Artemisia se aproximou da pintura: introduzida à pintura na oficina de seu pai, Artemisia mostrou muito mais entusiasmo e talento do que seus irmãos, que trabalharam ao seu lado. Ela aprendeu a desenhar, misturar cores e pintar. Quando ela tinha 18 anos, Artemisia era conhecida por suas habilidades incríveis. Seu pai disse que ela era a melhor pintora que ele já tinha visto, embora ela pintasse apenas três anos.

Durante este período inicial de sua vida, Artemisia se inspirou no estilo de pintura de seu pai, que por sua vez foi fortemente influenciado pelo trabalho de Caravaggio. Artemisia, por outro lado, adotou uma abordagem muito mais realista para seus súditos do que seu pai. As obras do pai, por outro lado, eram mais idealizadas. Ao mesmo tempo, Artemisia teve que superar a atitude tradicional e a submissão psicológica a essa lavagem cerebral e ao ciúme de seu talento óbvio. Ela ganhou muito respeito e atenção por seu trabalho por causa disso.

Susanna and the Elders, que ela escreveu quando tinha 17 anos, é seu primeiro trabalho que sobreviveu. Está na coleção Schonborn em Pommersfelden. A pintura retrata a história bíblica de Susana. A pintura mostra como Artemisia assumiu o realismo e os efeitos de Caravaggio sem ignorar o classicismo de Annibale Carracci e o estilo barroco da Escola Bolonhesa.

Artemisia Gentileschi, Susana e os Anciãos , 1649. Óleo sobre tela, 205 x 167,5 cm. Brno: Moravian Gallery..

Um dos estupros mais famosos da arte!

Orazio e Agostino Tassi estavam trabalhando juntos em Roma em 1611 para decorar as abóbadas do Casino delle Muse no Palazzo Pallavicini-Rospigliosi. Em maio, Tassi foi à casa dos Gentileschis e estuprou Artemisia quando ela estava sozinha com ele. Cosimo Quorli, outro homem, também participou do estupro. A amiga de Gentileschi, Tuzia, estava lá quando ela foi estuprada, mas ela não a ajudou.

Artemisia começou a ter relações sexuais com Tassi porque achava que eles iriam se casar. Ela pensou que isso a ajudaria a voltar a ser boa e garantir seu futuro, mas Tassi quebrou sua promessa de se casar com ela. Quando o pai de Artemisia, Orazio, descobriu que Artemisia e Tassi não iriam se casar nove meses após o estupro, ele apresentou queixa contra Tassi. O ponto principal do julgamento foi que Tassi feriu a honra da família Gentileschi e Artemisia não foi acusada de nada.

Durante o julgamento de sete meses que se seguiu, os planos de Tassi de matar sua esposa, ter um caso com sua cunhada e roubar algumas das pinturas de Orazio foram revelados. No final do julgamento, Tassi foi informado de que deveria deixar Roma, mas isso nunca foi feito. Durante o julgamento, o testemunho de Artemisia foi verificado torturando-a com parafusos de dedo.

Depois que sua mãe morreu, Artemisia passou a maior parte do tempo com os homens. Orazio alugou o apartamento de cima de sua casa para uma mulher chamada Tuzia quando ela tinha 17 anos. Artemisia fez amizade com Tuzia; no entanto, Tuzia permitiu que Agostino Tassi e Cosimo Quorli visitassem Artemisia na casa de Artemisia em várias ocasiões. Artemísia pediu ajuda a Tuzia no dia em que foi estuprada, mas Tuzia a ignorou e fingiu não saber o que estava acontecendo. Jeanne Morgan Zarucchi, uma historiadora da arte, comparou a traição de Tuzia e seu papel em tornar o estupro possível ao papel de uma prostituta que ajuda uma prostituta a ser explorada sexualmente.

Gentileschi pode ou não ter feito uma pintura chamada "Mãe e Filho", que foi encontrada em Crow's Nest, na Austrália, em 1976. Se for obra dela, o bebê tem sido visto como uma referência a Agostino Tassi, o homem que estuprou ela, porque foi feito em 1614, apenas dois anos após o estupro. Mostra uma mulher forte e sofredora e ilumina sua dor e sua capacidade de se expressar através da arte.

Artemisia Gentileschi, Giaele e Sisara , 1620. Óleo sobre tela, 86 × 125 cm. Budapeste: Museu de Belas Artes.

Artemísia precursora do feminismo!

Roberto Longhi, um crítico italiano, escreveu um trabalho de pesquisa em 1916 chamado "Gentileschi, pai e filha". Nela, ele chamou Artemisia de "a única mulher na Itália que soube pintar, colorir, desenhar e outros fundamentos". Longhi também disse isso sobre Judith Killing Holofernes: "Existem cerca de cinquenta e sete obras de Artemisia Gentileschi e 94% (quarenta e nove obras) apresentam mulheres como protagonistas ou iguais aos homens." Estes incluem Ester, Judith e sua serva, e Jael e Sísera. Esses personagens não tinham os típicos traços "femininos" de sensibilidade, timidez e fraqueza de propósito. Em vez disso, elas eram corajosas, rebeldes e fortes (esses assuntos agora são agrupados sob o nome de Poder das Mulheres). Um crítico de 1800 disse o seguinte sobre a Madalena de Artemísia: "Ninguém pensaria que uma mulher havia feito isso. A pincelada era ousada e segura, sem nenhum sinal de medo". Raymond Ward Bissell achava que sabia como os homens viam as mulheres e as artistas femininas, e é por isso que seus primeiros trabalhos eram tão ousados e desafiadores.

Os estudos feministas chamaram mais a atenção para Artemisia Gentileschi ao focar no fato de ela ter sido estuprada e depois maltratada, bem como no poder expressivo de suas pinturas de heroínas bíblicas, nas quais as mulheres são vistas como rebeldes contra sua situação. Em um trabalho de pesquisa do catálogo da exposição "Orazio and Artemisia Gentileschi", que aconteceu em Roma em 2001 (e depois em Nova York), Judith W. Mann critica as visões feministas da Artemisia. Ela descobre que velhos estereótipos de Artemisia como sexualmente imorais foram substituídos por novos estereótipos estabelecidos por leituras feministas das pinturas de Artemisia.

Alguns historiadores da arte acham que Artemisia continuou voltando para assuntos violentos como Judith e Holofernes por raiva reprimida. Outros historiadores da arte acham que ela estava usando sua fama do julgamento de estupro de maneira inteligente para preencher um nicho de mercado de arte dominada por mulheres e sexualmente carregada com patronos masculinos.

Os críticos mais recentes tentaram dar uma visão menos simplista da carreira de Artemisia, colocando-a no contexto das diferentes cenas artísticas das quais ela fez parte. Eles fizeram isso começando com a difícil tarefa de reunir todo o catálogo dos Gentileschi. Uma leitura como essa traz Artemísia como uma artista que lutou com determinação, usando sua personalidade e suas habilidades artísticas como armas, contra os preconceitos que eram exercidos contra as pintoras. Ela conseguiu fazer um bom nome para si mesma entre os pintores mais respeitados de seu tempo, trabalhando em vários estilos que provavelmente eram mais amplos e diversos do que seus quadros mostram.

Artemisia Gentileschi tem sido importante para as feministas desde a década de 1970, quando Linda Nochlin, uma historiadora de arte feminista, escreveu um artigo chamado "Por que não houve grandes mulheres artistas?" em que ela tentou responder a essa pergunta. O artigo analisa o que significa ser um "grande artista" e diz que as mulheres não obtiveram o mesmo nível de reconhecimento na arte e em outros campos que os homens por causa de instituições opressivas, não porque não são tão talentosas. . Nochlin disse que estudar Artemisia e outras mulheres artistas valeu a pena porque nos ajudou a aprender mais sobre o que as mulheres fizeram na história da arte e na história da arte em geral. Eve Straussman-Violence Pflanzer's & Virtue: Artemisia's Judith Slaying Holofernes tem um prefácio de Douglas Druick que diz que o artigo de Nochlin fez os estudiosos se esforçarem mais para incluir mulheres artistas na história da arte e da cultura.

Artemisia e seu trabalho foram mais uma vez o foco da história da arte. Antes disso, apenas o artigo de Roberto Longhi de 1916 "Gentileschi, pai e filha" e o artigo de Bissell de 1968 "Artemisia Gentileschi - uma nova cronologia documentada" prestaram muita atenção a eles. À medida que historiadores de arte e feministas começaram a prestar mais atenção a Artemisia e seu trabalho, mais livros de ficção e não-ficção sobre ela foram escritos. Anna Banti, casada com o crítico Roberto Longhi, inventou uma história sobre sua vida que saiu em 1947. Os críticos literários gostaram dessa história, mas as feministas, especialmente Laura Benedetti, disseram que não era historicamente precisa o suficiente para que pudesse ser usado para comparar o autor ao artista. Mary Garrard, uma historiadora de arte feminista, escreveu A imagem da heroína feminina na arte barroca italiana, que foi o primeiro relato completo e factual da vida de Artemisia. Ele foi lançado em 1989. Em 2001, ela escreveu um segundo livro menor chamado Artemisia Gentileschi por volta de 1622: A formação e remodelação da identidade de um artista. Era sobre o trabalho e a identidade do artista. Garrard disse que analisar a obra de Artemisia fora de "mulher" é difícil porque falta foco e categorias estáveis. Ele também questionou se "mulher" é uma boa categoria para julgar sua arte.

Artemisia é conhecida por seus trabalhos com o tema Poder das Mulheres, como suas versões de "Judith Killing Holofernes". Ela também é conhecida pelo julgamento de estupro em que esteve. A estudiosa Griselda Pollock disse que o julgamento se tornou a principal maneira de as pessoas olharem para o trabalho do artista, o que é uma pena. Pollock acha que o lugar de Gentileschi na cultura popular tem menos a ver com seu trabalho e mais a ver com o quão chocante foi o fato de o julgamento de estupro no qual ela foi torturada ter recebido tanta atenção. Pollock oferece uma maneira diferente de ver as pinturas dramáticas e baseadas em histórias do artista. Por exemplo, ele não acha que as pinturas de Judith e Holofernes sejam sobre estupro e julgamento. Em vez disso, Pollock diz que a história de Judith e Holofernes não é sobre vingança. Em vez disso, trata-se de duas mulheres trabalhando juntas para cometer um ousado assassinato político durante uma guerra, que Pollock diz ser uma história sobre coragem política.

Pollock quer mudar o foco do sensacionalismo para uma análise mais profunda das pinturas de Gentileschi, especialmente aquelas sobre morte e perda. Ele sugere que sua perda na infância pode ter sido a fonte de suas fotos únicas de Cleópatra quando ela estava morrendo. Pollock também diz que o sucesso de Gentileschi em 1600 dependia de sua pintura para os patronos, que frequentemente pediam que ela pintasse coisas que refletissem os gostos e modas da época. Ela quer mostrar como a carreira de Gentileschi se encaixa na tendência histórica de gostar de histórias dramáticas sobre a Bíblia ou heroínas clássicas.

De maneira diferente, a professora americana Camille Paglia disse que as feministas modernas estão erradas em se interessar tanto por Artemisia e que suas realizações foram exageradas: Artemisia Gentileschi era apenas uma pintora polida e habilidosa que usava um estilo chamado barroco feito por homens . Ainda assim, a National Gallery diz que Artemisia trabalhou em Roma, Florença, Veneza, Nápoles e Londres para pessoas como o grão-duque da Toscana e Filipe IV da Espanha, que estavam no topo da sociedade europeia.

O estupro de Artemisia costuma ser o foco da literatura feminista, que tende a mostrá-la como uma sobrevivente traumatizada, mas corajosa, cujo trabalho é cheio de sexo e violência por causa do que aconteceu com ela. Pollock (2006) viu o filme de Agnès Merlet como um exemplo típico de como a cultura popular não pode olhar para a incrível carreira da pintora ao longo de muitas décadas e em muitos dos centros de arte mais importantes do mundo, mas apenas neste episódio. A revisão da literatura de Laura Benedetti, "Reconstruindo Artemisia: imagens do século XX de uma artista feminina", chegou à conclusão de que o trabalho de Artemisia é frequentemente interpretado com base nas questões da época e nas preferências pessoais dos autores.

Por exemplo, estudiosas feministas fizeram de Artemisia um ícone do feminismo. Benedetti disse que isso acontecia porque Artemisia pintava mulheres fortes e fazia sucesso como artista em um campo dominado por homens, ao mesmo tempo em que era mãe solteira. Elena Ciletti, que escreveu Gran Macchina a Bellezza, disse que o caso de Artemisia tem muito em jogo, especialmente para as feministas, porque muito do nosso trabalho intelectual e político pela justiça para as mulheres, tanto no passado quanto agora, foi colocado nela .

Estudiosas feministas acham que Artemisia estava tentando lutar contra a ideia de que as mulheres deveriam ser submissas. Entre 1630 e 1635, ela escreveu Corisca e o Sátiro, que tem muito simbolismo. Na pintura, um sátiro persegue uma ninfa. O sátiro tenta agarrar a ninfa pelos cabelos, mas é uma peruca. Nesta cena, Artemísia mostra que a ninfa é muito esperta e está revidando o ataque do sátiro.

Quais são as obras de Artemísia?

• Autorretrato como Santa Catarina de Alexandria, 1615-1617, National Gallery, Londres.
• Aurora, 1625-7, Coleção Particular.
• Alegoria da Pintura, década de 1630, Coleção Particular.
• Santa Apolônia, 1642-1644, Museu Soumaya, Cidade do México.
• Penitente Madalena, 1630, Coleção Particular.
• Lucretia, 1645-50, Neues Palais em Potsdam.
• Susanna e os Anciãos, 1610-1, Schloss Weißenstein.

 Óleo sobre tela, 170 x 119 cm.

A pintura mostra uma história bíblica do capítulo 13 do Livro de Daniel, conforme defendido pelas igrejas católica e ortodoxa oriental, mas não pela maioria dos protestantes. Uma jovem casada chamada Susanna está sendo vigiada por dois velhos. Susanna estava tomando banho no jardim quando sua governanta deixou as duas pessoas mais velhas entrarem. Os anciãos observaram Susanna e depois pediram favores sexuais, que ela recusou. Os homens disseram que iriam arruinar seu nome, mas Susanna não recuou. Os dois anciãos então inventaram uma mentira sobre Susanna ser adúltera, o que era um crime que poderia levar você à morte. Quando um jovem sábio hebreu chamado Daniel conversou com cada um deles separadamente, ele viu que alguns detalhes nas histórias dos dois anciãos não batiam. Suas diferentes histórias mostraram que seu testemunho era falso, o que limpou o nome de Susanna. A partir do século 16, esse tema foi frequentemente encontrado na arte européia, e Susana foi frequentemente usada como exemplo de modéstia e lealdade. Na prática, porém, deu aos artistas a chance de mostrar como eram bons em desenhar mulheres nuas, muitas vezes para o prazer de seus clientes do sexo masculino.

• Madonna and Child, 1610-1, Galleria Spada.
• Madona e o Menino, c. 1630, Palazzo Pitti, Florença.
• Cleópatra, 1611-2, Coleção Particular.
• Danae, 1612, Museu de Arte de Saint Louis.
• Judith Slaying Holofernes, 1611-2, Museo Nazionale di Capodimonte.

Óleo sobre tela, 158,8 cm × 125,5 cm.

Quando pintou "Judith Slaying Holofernes", Artemisia Gentileschi tinha cerca de vinte anos. Gentileschi já havia terminado Susanna and the Elders e Madonna and Child antes disso. Essas obras de arte já mostram como Gentileschi era bom em mostrar emoções por meio de movimentos corporais e expressões faciais. Os raios-X da pintura mostram que Gentileschi fez várias alterações antes de chegar onde está agora. Por exemplo, ele moveu os braços de Judith e mudou a maneira como a cortina estava pendurada.

• Alegoria da Inclinação, 1615, Casa Buonarroti.
• Retrato de uma freira, 1613-8, Coleção particular.
• Auto-Retrato como uma Mártir Feminina, c.1615, Coleção Particular.
• Auto-retrato como tocador de alaúde, 1616-18, Wadsworth Atheneum, Villa Medici.
• Maria Madalena, 1616–17, Palazzo Pitti.
• Santa Catarina de Alexandria, c.1618-9, Uffizi.
• Judith e sua criada, c.1618-9, Palazzo Pitti, Florença.

Tinta a óleo, 114 x 93,5 cm.

A pintura mostra Judith e seu servo Abra fugindo da tenda de Holofernes logo após Judith ter matado Holofernes e está a caminho da segurança.

Gentileschi pintou este assunto várias vezes durante sua carreira. Ela pinta duas versões da mesma cena, Judith Slaying Holofernes (Nápoles) e Judith Slaying Holofernes, que mostram o momento em que Judith matou Holofernes (Florença). Esta representação do tempo após o assassinato é baseada em uma pintura do pai do artista, Orazio Gentileschi, que foi feita anteriormente.

• Maria Madalena em Êxtase, 1620, coleção particular.
• Jael e Sísera, 1620, Museu de Belas Artes, Budapeste.
• Judith Slaying Holofernes, 1620-1, Uffizi.
• Santa Cecília, c.1620, Galleria Spada.
• Alegoria da Pintura, década de 1620, Musee de Tesse, Le Mans.
• Susanna e os Anciãos, 1622, Burghley House.
• Susana e os Anciãos, c. 1630, Castelo de Nottingham.
• Retrato de um Gonfaloneiro, 1622, Palazzo d'Accursio.
• Lucretia, c.1623-5, Coleção Gerolamo Etro, Milão.

 Óleo sobre tela, 100 x 77 cm.

Lucretia era uma heroína romana conhecida por ser bonita e humilde. De acordo com uma história que Lívio escreveu em seu livro História de Roma, seu marido Colatino a considerava uma pessoa muito boa. Ela foi estuprada por Sextus Tarquinius, um nobre romano que era parente de seu marido. Se ela tentasse impedi-lo, ele ameaçava matá-la e fazer seu corpo parecer ruim em público. Diante do risco de ser envergonhada, ela cedeu às exigências sexuais dele, mas depois contou ao marido e ao pai sobre o ataque antes de se matar. Ao fazer isso, ela manteve sua honra e bondade (de acordo com as crenças romanas). Sua decisão de se matar levou a uma revolta que derrubou a monarquia etrusca e iniciou a República Romana.

• Penitente Madalena, c.1625-6, Catedral de Sevilha.
• Maria Madalena como Melancolia, 1620, Museo Soumaya
• Judith e serva com cabeça de Holofernes, c.1625-7, Detroit.
• Judith e serva com cabeça de Holofernes, c.1640s, Museo di Capodimonte, Nápoles.
• Judith e sua criada (Cannes), c.1640 Musee de la Castre, Cannes.
• Vênus e Cupido, c.1625-30, Museu de Belas Artes da Virgínia.

Óleo, 96,52 × 143,83 cm.

Vênus e Cupido, também conhecida como "Vênus Adormecida", é uma pintura de Artemisia Gentileschi de cerca de 1626. Está em exibição no Museu de Belas Artes da Virgínia. Vênus e Cupido é uma imagem de uma Vênus adormecida que está deitada em um rico travesseiro carmesim e dourado sobre uma colcha azul. Ela só tem um pedaço fino de linho transparente enrolado em sua coxa. Enquanto ela adormece, seu filho Cupido a abana com penas de pavão que têm muita cor. Ele está olhando para ela com um olhar de amor e êxtase em seu rosto. Ao fundo, uma janela que dá para uma paisagem enluarada com um templo de deusa. O rosto de Vênus tem bochechas cheias, pálpebras pesadas e um queixo pequeno que se destaca. A maneira como o corpo de Vênus se move é natural. Sua mão repousa levemente ao seu lado e suas pernas estão juntas de maneira suave. Pela simbologia e pela forma como o artista a pintou, a obra é um misto de realismo e classicismo.

• Esther antes de Assuero, c.1628-35, Metropolitan Museum of Art.
• Cristo abençoando as crianças, por volta de 1640, anteriormente MET.
• Anunciação, 1630, Museo Nazionale di Capodimonte.
• Penitente Madalena, c.1630-2, Coleção Particular.
• Corisca e o Sátiro, c.1630-5, Coleção Particular.
• Autorretrato, c.1630-5, Palazzo Barberini Roma.
• Clio: a Musa da História, 1632, Palazzo Blu.
• Cleópatra, 1633-5, Coleção Particular.
• Natividade de São João Batista, 1633-5, Museu do Prado.
• Lot e suas filhas, 1635-8, Museu de Arte de Toledo.
• O Martírio de São Januário no Anfiteatro de Pozzuoli, 1636-7, Museo Nazionale di Capodimonte.
• Adoração dos Magos, 1636-7, Museo Nazionale di Capodimonte.
• São Proculus de Pozzuoli e sua mãe Santa Nicéia, 1636-7, Museo Nazionale di Capodimonte.
• David e Bathsheba, c.1636-8, Columbus Museum of Art.
• David e Bathsheba, 1645, Palácios e Jardins da Prússia Fundação Berlin-Brandenburg.
• Bate-Seba, 1638, Coleção Particular.
• David e Bate-Seba, 1645, Palazzo Pitti.
• Bate-Seba, 1640-45, Coleção Particular.
• Auto-retrato como a alegoria da pintura, 1638-9, Royal Collection.

Óleo sobre tela, 98,6 × 75,2 cm.

A pintura mostra ideias feministas que eram incomuns em uma época em que as mulheres raramente tinham empregos, muito menos eram conhecidas por eles. A pintura de Gentileschi de si mesma como a melhor das artes foi uma jogada ousada para a época. No entanto, a pintura agora é ofuscada por muitas das outras cenas mais dramáticas e cruas de Gentileschi, que mostram a juventude conturbada do artista.

• Susana e os Anciãos, 1649, Moravian Gallery em Brno.
• Susana e os Anciãos, 1650, Bassano Civic Museum.
• Susanna e os Anciãos, 1652, Pinacoteca Nazionale di Bologna.
• Virgem e Menino com Rosário, 1651, El Escorial.
• Sansão e Dalila, 1630-38, Palazzo Zevallos, Nápoles.