Retrato de Daniele da Volterra, c. 1545
Quem foi Michelangelo?
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni , comumente conhecido como Michelangelo, foi um artista italiano que viveu durante o Alto Renascimento. Nasceu na República de Florença em 6 de março de 1475 e morreu em 18 de fevereiro de 1564. Michelangelo foi escultor, pintor, arquiteto e poeta, e sua obra foi fortemente influenciada pela antiguidade clássica. Ele teve um impacto significativo na arte ocidental e é considerado um homem renascentista exemplar, muito parecido com seu contemporâneo Leonardo da Vinci. Michelangelo está bem documentado devido à grande quantidade de correspondência, esboços e reminiscências sobreviventes. Ele foi aclamado por seus contemporâneos como o artista mais talentoso de seu tempo.
Michelangelo fez seu nome desde muito jovem com duas de suas esculturas mais famosas, a Pietà e David, que ele criou antes dos trinta anos. Embora não se considerasse um pintor, seus afrescos na Capela Sistina, em particular as cenas do Gênesis no teto e o Juízo Final na parede do altar, são considerados muito influentes na história da arte ocidental. Ele também desempenhou um papel fundamental no desenvolvimento da arquitetura maneirista com o projeto da Biblioteca Laurentina. Mais tarde na vida, aos 71 anos, Michelangelo tornou-se o arquiteto da Basílica de São Pedro, sucedendo a Antonio da Sangallo, o Jovem. Ele completou a extremidade oeste da basílica e projetou a cúpula, que foi modificada após sua morte.
Michelangelo foi o primeiro artista ocidental a ter sua biografia publicada durante sua vida. Três biografias foram publicadas durante sua vida, com a biografia de Giorgio Vasari elogiando-o por superar qualquer artista, passado ou presente, em todas as três disciplinas artísticas. Durante sua vida, Michelangelo foi muitas vezes referido como Il Divino, que significa "o divino". Seus contemporâneos admiravam sua capacidade de surpreender os espectadores com sua arte, uma qualidade conhecida como terribilità. Outros artistas tentaram imitar seu estilo expressivo, o que levou ao surgimento do Maneirismo, um movimento de curta duração após o Alto Renascimento.
Michelangelo, Davi, c. 1501-1504. Escultura em mármore, 517 cm × 199 cm. Galleria dell'Accademia, Florença, Itália.
Michelangelo e o Renascimento
Durante o Renascimento, Michelangelo foi muito procurado para comissões lucrativas, o que levou a seu extenso trabalho na Capela Sistina. O projeto envolveu uma intrincada decoração do teto da capela e foi concluído no século XVI. Entre as várias seções do vasto afresco, a Criação de Adão se destaca como uma das partes mais significativas e artisticamente impressionantes. Esta pintura retrata um momento religioso consagrado no ensino cristão, que tem grande significado na Itália, um país profundamente enraizado no cristianismo. A cena captura Deus soprando vida em Adão, que se tornaria o primeiro homem, e mais tarde acompanhado por Eva, marcando o início da raça humana. O tema de Adão e Eva tem sido um assunto popular em inúmeras pinturas, especialmente durante o período renascentista, quando a religião teve uma influência significativa na sociedade.
A representação icônica da conexão entre os dedos de Adão e Deus, simbolizando a criação da vida, ganhou fama. Muitas pessoas preferem esta versão recortada da obra de arte maior e a adquirem como uma impressão de arte, pôster ou tela esticada para adornar suas casas. O painel representando a Criação de Adão foi uma das últimas adições ao teto da Capela Sistina, que atraiu inúmeros visitantes nos últimos 500 anos. O trabalho de manutenção regular é realizado para preservar este afresco extraordinário e evitar qualquer dano.
O duradouro legado da criação de Adam inspirou e cativou inúmeras pessoas, conquistando o respeito e a admiração de estudiosos da arte e do público em geral.
Michelangelo criou quatro painéis na Capela Sistina, retratando episódios do Livro do Gênesis, que ainda são bem conhecidos entre a grande população cristã da Europa e de muitos outros continentes. A arte italiana, em geral, desempenhou um papel de liderança na liderança do movimento renascentista na Europa, influenciando os desenvolvimentos artísticos contemporâneos que desfrutamos hoje. A Criação de Adão tornou-se uma imagem icônica reconhecida por quase todos, independentemente de seu conhecimento do artista ou do significado pretendido da pintura.
Esta renomada obra de arte pode facilmente ser considerada tão famosa quanto outras obras importantes, como a Mona Lisa de Leonardo da Vinci. Michelangelo, como seu contemporâneo Da Vinci, exibiu uma gama impressionante de habilidades, como evidenciado por sua criação da escultura de David. Hoje, as impressões da Criação de Adão são compradas regularmente em todo o mundo, refletindo a popularidade duradoura da arte italiana dos séculos XV e XVI. A arte italiana desempenhou um papel fundamental na introdução de novas ideias e técnicas na arte européia, dando nova vida a uma paisagem artística que havia se tornado relativamente estagnada na Idade Média.
Michelangelo Buonaorroti, A Criação de Adão , 1508-12. Afresco, 280×570 cm. Cidade do Vaticano, Museus do Vaticano, Capela Sistina.
A Criação de Adão (c. 1511)
Do lado direito, está representado Deus, suspenso no ar, rodeado por uma auréola sustentada por anjos e querubins. Do lado esquerdo, vemos Adão deitado num prado, com vista para uma encosta relvada. Adão, o primeiro ser humano, está numa posição semi-reclinada, completamente nu, com o braço apoiado no joelho direito. O braço direito está apoiado no chão, sustentando o tronco. Tem uma aparência jovem, com traços fortes e musculados. A perna direita está estendida ao longo da encosta, enquanto a perna esquerda está dobrada. Adão é representado de perfil, e parece que ganha vida quando olha para Deus e levanta o braço esquerdo na sua direcção.
Deus está adornado com um manto cor-de-rosa e é representado estendido para a esquerda, apoiado por anjos. A sua longa barba e o seu cabelo grisalho são suavemente movidos pelo vento. Os anjos e Deus estão rodeados por um amplo véu púrpura em forma de rim. Por baixo deles, um tecido verde, fino e transparente, está suspenso e esvoaça sob o anjo que sustenta Deus. O encontro entre Deus e Adão desenrola-se num cenário sem pormenores específicos.
Na cena, vislumbramos a mão de um jovem Ignudo sob o corpo de Adão. O Ignudo refere-se às figuras humanas masculinas posicionadas nos cantos dos painéis narrativos.
Em contraste com as anteriores representações de Deus por outros artistas, a representação de Miguel Ângelo nesta obra de arte é uma ousadia. Tradicionalmente, Deus tem sido representado como um governante majestoso e todo-poderoso da humanidade. Seria de esperar que uma figura tão divina fosse pintada com trajes reais e exalando um sentido de grandeza. No entanto, Miguel Ângelo adopta uma abordagem diferente, apresentando Deus como um homem simples e idoso, vestido com uma túnica leve e sem adornos, com grande parte do seu corpo exposto. Esta representação levanta uma questão intrigante: E se este rosto humilde e envelhecido for o verdadeiro rosto de Deus? Oferece um retrato íntimo da Sua essência. Deus é representado como acessível, tangível e intimamente ligado à Sua criação, uma vez que a Sua figura assume uma forma curva, estendendo a mão para Adão.
Cor e textura
A Criação de Adão, de Miguel Ângelo, é um exemplo de uma pintura a fresco, em que o artista aplicou tinta sobre gesso húmido. A paleta de cores utilizada na pintura parece clara, consistindo principalmente em tons de carne, tais como vários tons de castanho e cores cremosas. Além disso, há toques de amarelo no cabelo de certas figuras, enquanto o cabelo de Deus é representado numa cor azul-acinzentada mais fria e o cabelo de Adão aparece como um castanho mais escuro com reflexos mais claros.
O artista utilizou habilmente áreas mais escuras de sombreado nas figuras, realçando eficazmente as suas formas e anatomia para criar uma sensação de profundidade. Embora existam outras cores presentes na composição, não são excessivamente vibrantes. Estas incluem os verdes que representam a relva à esquerda e o lenço à direita, bem como os tons cinzentos-azulados que representam a formação rochosa ou o céu atrás de Adão. Estes esquemas de cores mais frias contrastam com o tom mais profundo de vermelho visto no pano atrás de Deus, que é uma cor mais quente.
No geral, há uma utilização harmoniosa da cor em toda a composição, principalmente devido aos tons de pele semelhantes utilizados. O pano de fundo apresenta cores contrastantes como o verde, o azul e o vermelho, proporcionando um valor de cor diferente em comparação com os tons mais claros utilizados nas figuras. O restante fundo do fresco é de uma cor neutra branco-acinzentada, realçando ainda mais as figuras principais de Deus e Adão em primeiro plano. Este fundo pode ser interpretado como nuvens brancas contra o céu. As cortinas e as roupas têm uma textura implícita, parecendo leves e translúcidas. Além disso, as próprias figuras são representadas com texturas de pele suaves, com algumas a exibir uma carne carnuda, enquanto outras exibem uma definição mais muscular.
O aspecto fluido e suave do cabelo das figuras é digno de nota, particularmente o cabelo de Deus, que parece ondular para a direita da composição, aparentemente influenciado por um vento ou brisa invisíveis.
Linhas
O posicionamento de Deus e de Adão na composição cria uma sensação de equilíbrio. Estão estrategicamente colocados para dividir a obra de arte em duas partes distintas. A forma de Adão é muitas vezes descrita como "côncava", enquanto a forma de Deus é vista como "convexa". Este forte contraste entre as duas figuras não só acrescenta interesse visual, como também sugere um significado mais profundo e a relação entre Deus e Adão.
Além disso, os cenários por detrás de cada figura apresentam predominantemente formas curvas, que contrastam com a forte linha horizontal formada pelos braços estendidos e pelas mãos unidas de Deus e Adão. Esta linha horizontal serve para ligar as duas partes da composição mencionadas anteriormente.
Lado leste da Capela Sistina, a partir do final do altar.
Simbologia
O pano de fundo da cena da criação de Adão não contém detalhes complexos, simbolizando o nascimento da humanidade. Este cenário minimalista permite que os personagens se destaquem contra o fundo claro, transmitindo uma mensagem clara e icônica. Segundo a tradição, Deus é sustentado por anjos e querubins, que assumem curiosamente a aparência de figuras humanas, principalmente adolescentes e crianças. Esses seres angelicais são retratados com corpos substanciais e realistas, enfatizando sua presença física e seus esforços para apoiar Deus. Além disso, seus rostos são muito distintos, cada um com expressões diferentes.
A representação da Criação de Adão é a cena mais famosa na abóbada da Capela Sistina. Sua fama é em grande parte atribuída à imagem icônica de dois dedos quase se tocando. Nesta imagem, Deus Pai estende seu braço para Adão, posicionado abaixo, enquanto Adão levanta sua própria mão acima. Ambas as figuras têm os braços estendidos, com os dedos indicadores representados momentos de contato. Michelangelo teve como objetivo capturar o momento preciso em que o Criador está prestes a fazer contato físico com sua criação, infundindo em Adão a centelha da vida. A força desta imagem, que se tornou emblema da criação, é também reforçada pela elegância dos gestos e posturas das duas personagens. Além disso, a figura de Adam tem uma força visual cativante devido à escultura meticulosa que acentua os volumes de seu corpo nu. Alguns historiadores observam um gesto semelhante na Anunciação de Cestello, de Sandro Botticelli, enfatizando ainda mais a importância desse gesto na história da arte.
Voltemos agora nossa atenção para o pano de fundo vermelho atrás da imagem de Deus. Alguns acreditam que esse pano de fundo se assemelha a um cérebro. Isso levou à conclusão de que Deus reteve intencionalmente a inteligência de Adão, mantendo-o alheio ao conhecimento do bem e do mal. Foi somente depois que Adão pecou que Deus permitiu que ele possuísse esse conhecimento. No entanto, se a análise desta pintura nos ensinou alguma coisa, é que a criação do homem por Deus não consistiu apenas em fazê-lo existir; tratava-se de estabelecer um relacionamento profundo com ele. Olhando mais de perto a pintura, pode-se realmente apreciar a ousadia com que foi criada. As pinceladas de Michelangelo são confiantes e enérgicas, não deixando espaço para o acaso. Muitos livros foram escritos e reinterpretações foram feitas, mas a verdadeira beleza da Criação de Adão não reside em seu status como uma obra-prima atemporal, mas em sua capacidade de ressoar com todas as pessoas nesta terra. Representa o início de todos nós, independente de nossas diferenças. Esta pintura foi interpretada inúmeras vezes, mas ainda escapa à compreensão. Há algo em sua contemplação que desafia a expressão verbal, por mais poética que seja. Nessas mais de cem pinceladas, Michelangelo pintou a própria vida. Descreveu a fonte da vida, o começo da vida e, ao incluir a imagem do menino Jesus, capturou o conceito de vida eterna. Transporta-nos sobretudo para aquele momento, transportando-nos para a génese da humanidade, quando a raça humana era apenas um vago conceito no ar. A incrível atenção aos detalhes nesta peça é encantadora e sua integração perfeita com os outros elementos do teto é impressionante.
É notável quantos artistas tentaram, mas falharam, capturar verdadeiramente o momento da criação de Adão. Michelangelo, no entanto, captura com sucesso todo o processo, sem deixar nada de fora. Este afresco perdura como uma das realizações artísticas mais notáveis. Quando Adão se deita em solo terreno, sua força física é evidente para qualquer observador. Ele encarna a figura idealizada de um homem grego ou romano, com sua graça e músculos ondulantes. No entanto, apesar de sua perfeição física, esta criação permanece incompleta. Adão sempre alcança a Deus, demonstrando sua confiança no Criador. Deus o sustenta, e embora Adão pareça completo, ele se estende para receber o simples toque de Deus. A imagem de Deus reflete a imagem de Adão, e enquanto eles olham nos olhos um do outro, uma conexão intensa e bonita é estabelecida entre eles. Adam olha ansiosamente para seu criador e, nesse momento, Michelangelo capta a essência do que significa ser humano. A pintura retrata o limiar da criação enquanto Adão se estica para receber o alimento necessário para a sobrevivência de sua forma física. Enquanto isso, Deus está estendendo a mão para dar espírito e alma à Sua criação. Ao capturar esse momento singular, a criação do eu físico e espiritual de Adão fica para sempre gravada na memória de cada geração.
Michelangelo Buonarroti, Cumaean Sibila , c. 1511. Afresco, 375×380 cm. Cidade do Vaticano, Museus do Vaticano, Capela Sistina.
Significado
A principal interpretação desta pintura gira em torno da criação da humanidade e do início da raça humana. No entanto, após um exame mais atento, a obra de arte mergulha na profunda relação forjada entre o Criador e sua criação. Com uma simples extensão de seus braços, Deus dá à luz Adão e dirige sua atenção ao menino Jesus, que serve como salvador de Adão. Nessa representação, o Criador demonstra onisciência, prevendo a queda da humanidade após sucumbir à tentação do demônio. Assim, Deus antecipa esta queda e oferece uma solução pronta por meio de Cristo.
No entanto, ainda há uma ambigüidade significativa dentro da tabela. Adão e Deus estão deixando ir ou estão alcançando? A representação de seus dedos torna difícil discernir se Deus e o homem estão satisfazendo seu desejo comum de coexistir, ou se estão seguindo caminhos separados, com o homem embarcando em uma vida independente. Ao observar a postura de Adam, notamos uma sensação de relaxamento. Isso pode ser interpretado como significando que, embora ele esteja vivo, ainda está perdendo algo vital. Portanto, Adão busca a Deus, ansiando por receber o elemento que o distingue de outras criaturas que vagam pela terra. Por outro lado, a aparição concentrada de Deus sugere um engajamento ativo, como se estivesse trabalhando diligentemente para aperfeiçoar sua criação. Portanto, é razoável concluir que as figuras dão as mãos em uma união em vez de se separarem.
Curiosamente, até os geógrafos interpretaram esta pintura como retratando duas massas de terra unidas por uma faixa estreita, mas separadas por um canal largo. Da mesma forma, os cientistas analisaram a imagem como um símbolo do nascimento da humanidade. Eles extraem sua hipótese do fundo vermelho, que interpretam como a representação de um revestimento uterino humano, enquanto o lenço verde simboliza um cordão umbilical recentemente cortado.
Todas essas interpretações, até certo ponto, convergem para a mesma ideia. No entanto, a questão permanece: por que Michelangelo retratou as mãos dessa maneira particular? Por que não tocá-los? Contemplar esse detalhe pode ser frustrante. No entanto, é esse aspecto único que tornou a pintura famosa. O pequeno espaço entre os dois dedos, medindo pouco menos de uma polegada, força os espectadores a dar uma segunda e terceira olhada na imagem inteira. Apesar das conclusões tiradas sobre o significado da pintura, ela permanece enigmática. Olhando mais de perto, tende-se a perceber o que falta – a sentir uma força que parece existir entre os dois dedos. É como uma carga elétrica e, à medida que a imagem penetra na mente, surge uma percepção, tornando o observador consciente do significado mais profundo da pintura. Este é o começo; um passo em falso e a humanidade teria tomado um caminho totalmente diferente. A delicadeza está envolvida e, ao observar o foco inabalável de Deus na tarefa em mãos, pode-se sentir sua busca por nada menos que a perfeição.
Fica ainda mais intrigante quando você imagina os dois dedos se tocando. Oh, a sensação que Adam deve ter sentido quando o toque da imortalidade permeou sua própria alma. Michelangelo captura o que a igreja tem lutado para explicar a seus seguidores por séculos – a centelha divina da vida. Apresenta a prova de que Deus e o homem nada mais são do que o reflexo perfeito um do outro. Através da Criação de Adão, Michelangelo silenciosamente engloba o passado, presente e futuro da humanidade em um único quadro. Poderíamos dizer que esta imagem foi moldada nos primórdios dos tempos, pois sua renderização é realmente incrível. Para o olho destreinado, pode parecer uma simples representação de duas figuras estendendo a mão uma para a outra. No entanto, após um exame mais detalhado, aquele momento fugaz antes do dedo de Deus soprar vida no dedo de Adão torna-se a essência de tudo o que entendemos e acreditamos.
A pintura exalta Deus de várias maneiras. O simples fato de ele iniciar uma raça inteira de pessoas com o toque de um dedo deve ser suficiente para estabelecer sua posição como Todo-Poderoso. No entanto, Michelangelo vai ainda mais longe. Deus não precisa tocar Adão fisicamente para que um observador sinta o poder, a força e a vida transferidos de um dedo, através do espaço e para o outro dedo. É este elemento que merece justamente o reconhecimento da pintura. No entanto, há outra perspectiva a considerar. Para aqueles que não estão familiarizados com Michelangelo ou sua obra, e que não encontraram o título da pintura ou a história da criação, pode ser difícil entender a essência da Criação de Adão. Deste ponto de vista, sem conhecimento da centelha entre os dedos, da presença do menino Jesus ou qualquer associação com o nascimento da humanidade, a pintura simplesmente representa duas figuras inclinadas uma para a outra. .
A delicada conexão entre criador e criação só se torna aparente quando o espectador entende o assunto da pintura. No entanto, há outro aspecto a considerar. A noção de poder retratada nesta obra não é fruto da imagem em si. A maioria das pessoas conhece a história por trás da pintura, o que pode cegá-los ao fato de que ela simplesmente retrata duas figuras se aproximando delicadamente uma da outra, ambas cheias de desejo e contenção. Seus dedos estão estendidos, quase se tocando, mas suas mãos se estendem para um vazio vazio. Além disso, os anjos que sustentam a forma de Deus parecem se esforçar em sua tarefa. Quando separada da influência da história da criação, a pintura se transforma em uma representação de amor e amizade. Ele transcende o fato de estar exclusivamente ligado à criação de Adão por Deus e, em vez disso, transmite o desejo universal de conexão humana. Este aspecto do trabalho evoca conforto e tristeza. É difícil imaginar a humanidade sem a presença de Deus, mas ver o relacionamento entre esses dois personagens como estritamente unilateral também não é totalmente reconfortante.
Michelangelo Buonarroti, Sibila de Delfos , c. 1508-10. Afresco, 350×380 cm. Cidade do Vaticano, Museus do Vaticano, Capela Sistina.
contexto de criação
Em 1505, Michelangelo foi chamado de volta a Roma pelo novo Papa Júlio II. O papa encarregou-o da construção de uma grande tumba, que deveria ter quarenta estátuas e ser concluída em cinco anos.
No entanto, devido a várias interrupções e demandas conflitantes colocadas sobre Michelangelo sob o patrocínio do Papa, a tumba nunca foi concluída a contento do artista, apesar de ter dedicado 40 anos ao projeto. A tumba, localizada na Igreja de S. Pietro in Vincoli em Roma, é conhecida por sua figura central de Moisés, concluída em 1516. Duas outras estátuas originalmente destinadas à tumba, conhecidas como Escravo Rebelde e Escravo moribundo, estão agora preservado no Museu do Louvre.
Nesse período, Michelangelo empreendeu a monumental tarefa de pintar o teto da Capela Sistina, projeto que durou cerca de quatro anos, de 1508 a 1512. Segundo relato do biógrafo de Michelangelo Condivi, Bramante, que participou da construção da Igreja de São -Pierre. A Basílica de São Pedro guardou ressentimento em relação à comissão de Michelangelo e levou o Papa a designar-lhe um médium desconhecido na esperança de que ele falhasse.
Inicialmente encarregado de pintar os Doze Apóstolos nos pendentes triangulares que sustentam o teto, Michelangelo conseguiu convencer o Papa Júlio a conceder-lhe liberdade artística e a propor um esquema mais ambicioso e complexo. A composição final retrata várias cenas, incluindo a criação, a queda do homem, a promessa de salvação pelos profetas e a genealogia de Cristo. A obra de arte fazia parte de um esquema decorativo maior dentro da capela que transmitia as principais doutrinas da Igreja Católica.
A vasta composição cobria uma área de mais de 500 metros quadrados e apresentava mais de 300 figuras. A seção central apresentou nove episódios do livro de Gênesis, abrangendo a criação da Terra por Deus, a criação da humanidade e sua queda da graça e a representação de Noé e sua família como representantes da humanidade. Adornando os pendentes que sustentavam o teto estavam doze figuras que profetizaram a vinda de Jesus, incluindo sete profetas de Israel e cinco sibilas, profetisas do mundo clássico. Pinturas de teto notáveis incluíam A Criação de Adão, Adão e Eva no Jardim do Éden, O Dilúvio, O Profeta Jeremias e A Sibila de Cumae.
A Capela Sistina como pode ter aparecido no século XV (desenho do século XIX).
Michelangelo e a Capela Sistina
Apesar de sua relutância inicial, Michelangelo Buonarroti aceitou a encomenda em 1508 para pintar nove cenas do Gênesis na abóbada da Capela Sistina, que também incluía figuras de profetas, sibilas e ancestrais de Cristo.
O projeto apresentou muitos desafios. A vasta superfície da abóbada, combinada com a recusa de Michelangelo em chamar assistentes, tornou a tarefa ainda mais difícil. A forma curva da abóbada apresentava problemas de distorção ótica e a altura do teto exigia andaimes caros. Além disso, o papa queria que o trabalho fosse concluído rapidamente.
No entanto, apesar desses obstáculos, Michelangelo demonstrou seu gênio extraordinário e conseguiu concluir os afrescos em 1511, em menos de quatro anos.
Inicialmente, Michelangelo começou com as últimas cenas da ordem narrativa, apresentando muitas figuras pequenas. À medida que avança, simplifica as composições, retratando figuras maiores e em menor número. Ele ficou mais confortável trabalhando em grande escala e dependia menos de desenhos animados preparatórios. Para acelerar o processo e reduzir custos, ele mesmo projetou um inovador andaime móvel.
Metaforicamente, todo o cofre pode ser visto como uma celebração do corpo humano, enfatizando sua força, beleza e potencial expressivo. Michelangelo explorou várias poses, destacando cada músculo como se estivesse esculpindo em tinta. A forma nua foi amplamente considerada em todas as suas variações, enquanto as paisagens naturais e os elementos arquitetônicos tiveram um papel secundário na composição.
As cores empregadas por Michelangelo eram vibrantes, brilhantes e cintilantes, aumentando o impacto visual geral dos afrescos.
Uma seção do teto da Capela Sistina.
Aqui está a lista de assuntos representados por Michelangelo na abóbada da Capela Sistina.
Faixa no centro da abóbada, do altar à parede do fundo: Cenas do Gênesis.
Deus separa a luz das trevas
Deus cria o sol e a lua
Deus separa a terra das águas
A Criação de Adão
Deus cria Eva
Pecado original
sacrifício de noé
O dilúvio universal
A embriaguez de Noé
Bandas de arco externo:
Profeta Jonas
Profeta Jeremias
sibila líbia
sibila persa
profeta Daniel
Profeta Ezequiel
Sibila de Cumas
sibila eritreia
profeta Isaías
Profeta Joel
Sibila Delfos
Profeta Zacarias
Nos triângulos das janelas: Ancestrais de Cristo.
Nos quatro cantos da abóbada:
Punição de Aman
A Serpente De Bronze
Davi e Golias
Judite e Holofernes
Fatos interessantes
Também se descobrindo pintando abóbadas e cúpulas com figuras e figuras acima de sua cabeça, Michelangelo frequentemente se encontrava trabalhando em posições estranhas. Isso lhe causou dores nas costas e graves problemas de visão.
Selena Mattei