Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Óleo sobre tela, 100×128 cm. Kunstmuseum, Berna.
Noções Básicas de Arte Abstrata
Apenas para dar ao leitor um “quando” e um “onde”: o abstracionismo, movimento artístico de vanguarda, nasceu no início do século XX na Alemanha, espalhando-se por diversas regiões do país bastante distantes umas das outras, onde assumiu diferentes variações visuais e conceituais. Na sua essência, a arte abstracta refere-se a toda a produção artística cujo núcleo gira em torno da criação de obras que exploram realidades libertas de tradições artísticas anteriores, onde as cores e as formas se tornam o novo foco de uma narrativa, pronta para expressar as emoções, ideias e experiências do artista. . É importante especificar que existem duas formas de ser abstrato: parcial e completo. No primeiro caso, referimo-nos a obras que ainda apresentam temas identificáveis, mas estes foram simplificados, distorcidos, representados de forma irrealista ou retirados do seu contexto habitual. Já a abstração completa refere-se a criações que transcendem a representação de contextos, buscando inspirar-se na realidade visual real. Em ambos os casos, pretende-se desafiar o propósito e o significado da arte, libertando-a potencialmente da sua relação com o mundo envolvente, expandindo os limites do que poderia ser entendido como produção artística. Isto consequentemente desafia os cânones estéticos mais tradicionais, a fim de pegar a arte pela mão e conduzi-la para modos mais abertos e experimentais. Estes são particularmente eficazes sempre que se deseja expressar princípios e ideologias filosóficas, ideias que são por vezes demasiado complexas e elusivas para serem confinadas a assuntos figurativos. O espectador também está incluído neste “jogo”, e o seu papel ganha uma nova importância: o de interpretar o que vê, tanto à sua maneira como comparando-o com a perspectiva do artista. Agora que já esclarecemos brevemente o contexto histórico e artístico em que estamos inseridos, podemos começar pelo nosso top 10, que, por ordem cronológica da data das pinturas expostas, pode ser considerado uma continuação da referida narrativa, capaz de apresentando as diversas evoluções do movimento em questão.
Vasilij Vasil'evič Kandinskij, Sem título (primeira aquarela abstrata), 1910. 49,6 x 64,8 cm. Centro Georges Pompidou, Paris.
10 principais
1.Wassily Kandinsky, Sem título (primeira aquarela abstrata) (1910)
Por que começar com Kandinsky? Optei por colocar Untitled em primeiro lugar na minha lista porque os críticos consideram-no o início da Arte Abstrata. Nesta aquarela, o pintor russo eliminou qualquer referência ao mundo visível, criando uma síntese entre música e pintura para gerar imagens inteiramente novas que aludem a emoções e estados de espírito. Isto é conseguido através de cores, linhas, pontos e manchas cuidadosamente escolhidas, organizadas de forma extremamente harmoniosa. É importante notar que antes de Kandinsky, o cubismo e o impressionismo ultrapassaram os limites da compreensão visual, como pode ser visto nas obras de Braque, Picasso ou nos últimos nenúfares de Monet. No entanto, nas suas obras, ainda persistia alguma referência ao mundo visual real, enquanto em Sem título, Kandinsky decidiu deliberadamente eliminar todas as referências à realidade tangível, pintando apenas linhas, manchas e marcas destinadas a representar-se a si próprios. A aquarela é dominada por manchas marrons, amarelas e alaranjadas, algumas mais densas que outras, formando um aglomerado que lembra constelações. O ritmo desses elementos, aliado ao uso harmonioso das cores e à relação entre as marcas, conferem uma sensação de composição.
Joan Miró, O Caçador (Paisagem Catalã), julho de 1923 a inverno de 1924. Óleo sobre tela, 64,8 x 100,3 cm. Moma, Nova York. @ssteph888
2.Joan Miró, O Caçador (Paisagem Catalã) (1923-24)
A segunda posição no meu ranking, por ordem cronológica de execução, vai para Joan Miró com o seu quadro O Caçador (Paisagem Catalã). Esta obra exemplifica o conceito acima mencionado de arte abstrata parcial. Posso afirmar isto com segurança porque, após uma observação cuidadosa, a obra-prima revela a representação de uma paisagem distinta com figuras humanas e animais, aludindo a um período específico da vida do artista, quando vivia na quinta da sua família em Montroig (Catalunha). Por que levar o espectador a este lugar na Espanha? A pintura poderia, de facto, falar da pátria do mestre, pretendendo realçar uma certa inclinação para o nacionalismo catalão, evidente na alusão à dança tradicional da região, expressa explicitamente pela palavra "sard", juntamente com a presença da bandeira catalã, bem como como as bandeiras espanhola e francesa. Deixando de lado tais interpretações, o que é certo na obra é que ela representa o próprio artista, retratado, como em outros casos, sob a forma de um caçador. Refiro-me à figura estilizada de cabeça triangular, situada no lado esquerdo da tela, segurando um coelho recém-abatido e um rifle ainda fumegante. No entanto, tudo o que é descrito também pode ser interpretado no âmbito do onírico, pois a obra-prima surrealista é produto do automatismo, do uso do subconsciente, propício à criação de novas formas e interpretações da realidade.
Piet Mondrian, Composição com Vermelho, Amarelo e Azul, 1930. Óleo sobre tela, 45 cm × 45 cm. Kunsthaus Zurique
3.Piet Mondrian, Composição com Vermelho, Amarelo e Azul (1930)
Voltemos à abstração completa com Piet Mondrian e sua famosa Composição com Vermelho, Amarelo e Azul, obra criada no período entre guerras, no auge da carreira do artista. Dadas as circunstâncias, sentiu-se mais sereno e capaz de se dedicar à sua investigação artística, visando o objetivo da síntese neoplástica. Refiro-me ao processo de simplificação formal, destinado a concretizar um desejo específico de purificação espiritual sentido pelo pintor, que, também influenciado pelos estudos teosóficos, abandonou progressivamente a figuração. Isso é percebido na obra citada, caracterizada pela presença de grossas linhas pretas que se cruzam para criar campos retangulares e quadrados, alguns dos quais coloridos em vermelho, amarelo e azul. A escolha das cores primárias visa reproduzir o equilíbrio formal e cromático, refletindo a busca espiritual do artista, pautada pelo equilíbrio universal. Neste caso, o equilíbrio é encontrado na ausência de um centro geométrico composicional, o que implica que a obra-prima poderia potencialmente estender-se para além da tela pintada.
Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Óleo sobre tela, 100×128 cm. Kunstmuseum, Berna.
4.Paul Klee, Ad Parnassum (1932)
Estamos perante outro exemplo de abstração parcial, nomeadamente Ad Parnassum, uma obra-prima sobre tela que Klee criou inspirado na sua estadia em Itália seis anos antes. Durante esse período, ficou impressionado com os mosaicos de Ravenna, que reinterpretou usando uma nova técnica neodivisionista. Esta técnica é caracterizada por pinceladas pontilhistas distintas, criando uma textura cromática densa onde as cores emitem uma luz brilhante e única que lembra a arte cristã primitiva. Quanto à paleta de cores, predominam os tons de azul esverdeado e amarelo alaranjado, conferindo dinamismo a toda a composição. O brilho uniforme é quebrado pela presença de linhas que formam a silhueta de uma colina piramidal, acompanhada por um sol alto no céu. Por fim, concluímos esta descrição com as palavras esclarecedoras do próprio artista: “O tema era o mundo, mesmo que não este mundo visível”. Apesar destas palavras, o que observamos não perde totalmente o contacto com a realidade que conhecemos; em vez disso, recorda-o sob a forma de memória e fragmentos, transmitidos através de uma complexa harmonia de cores que revelam as melodias musicais que o mestre, um violinista habilidoso, conhecia bem.
À esquerda: Ben Nicholson OM, 1934 (relevo), 1934. Tinta a óleo sobre mogno, 718 × 965 × 32 mm. Tate. @ jay.parmar
5.Ben Nicholson OM, 1934 (relevo), 1934
Para compreender a obra-prima de Nicholson, devemos considerar o contexto histórico em que o artista desenvolveu a sua perspectiva sobre a arte. Durante o turbulento período entre guerras, quando os artistas se voltaram para a abstração em busca de uma inocência e pureza perdidas na humanidade, Nicholson começou a experimentar diferentes formas de representar o espaço. Prosseguiu estes objectivos através da criação de trabalhos em relevo, onde áreas de profundidades variadas definiam o espaço, por vezes colorido apenas em branco ou cinzento, em tons de pureza. Um exemplo por excelência desta pintura monocromática e multicamadas é 1934 (relief), uma obra-prima que se inspira na influência de Mondrian, assim como Miró e Calder. Para criar esta obra, Nicholson esculpiu um círculo e um quadrado num painel de madeira, aludindo à ideia de ausência e presença de peso em tempos de conflito. O uso de formas geométricas, camadas dimensionais e uma paleta monocromática contribuem para a remoção de emoções.
À direita: Mark Rothko, Centro Branco (Amarelo, Rosa e Lavanda em Rosa), 1950. 205,8 cm × 141 cm. A família real do Catar.
6.Mark Rothko, White Center (amarelo, rosa e lavanda em rosa) (1950)
Em 1950, Rothko começou a dividir a tela em faixas horizontais de cores, e o Centro Branco (Amarelo, Rosa e Lavanda sobre Rosa) foi criado nesse ano. A obra-prima apresenta uma composição frontal onde grandes faixas de cor parecem flutuar e fundir-se com o campo de cor onde estão colocadas. Em essência, White Center faz parte do estilo multiforme distinto de Rothko, no qual diferentes blocos de cores complementares se sobrepõem em uma grande tela. Descrevendo-o com acréscimo de cor, o trabalho inicia com um retângulo horizontal amarelo, continua com uma faixa preta horizontal, uma faixa retangular branca, culminando na metade inferior em tons lilases. A luminosidade de toda a peça é conseguida através de repetidas camadas de finos véus de tinta, dos quais emerge alguma pintura de base nas camadas superiores. O que foi analisado poderia ser aplicado, certamente com variações, a grande parte da obra do artista nesse período. Ele pretendia buscar variações sutis de proporção e cor, sugerindo múltiplas emoções e atmosferas com o objetivo de envolver o espectador.
Jackson Pollock, Convergência, 1952. Óleo sobre tela, 237 cm × 390 cm. Museu de Arte Buffalo AKG, Buffalo. @Jackson_pollock
7.Jackson Pollock, Convergência (1952)
A tela é coberta por marcas emaranhadas, e a presença de linhas circulares pretas aparece uniforme em todo o suporte, enquanto em outras partes são visíveis traços de vermelho, amarelo, azul e branco. Refiro-me à obra que ocupa a sétima posição, Convergência, inicialmente considerada inexpressiva pela crítica, mas que posteriormente se tornou extremamente conhecida. O ceticismo inicial dos historiadores da arte provavelmente se deveu ao fato de a obra, inicialmente em preto e branco, representar uma reconsideração por parte do artista, que posteriormente acrescentou cores adicionais. A redenção da Convergência não veio apenas através de reavaliações posteriores, mas também através do reconhecimento de Harold Rosenberg, um crítico de arte que a identificou como o maior exemplo de expressionismo abstrato e action painting. Com estes termos, refiro-me simplesmente à prática artística desenvolvida pelo pintor, onde deixou fluir livremente os seus gestos mais instintivos durante a criação das suas obras, traduzindo-as em telas com uma energia inconfundível.
Helen Frankenthaler, Montanhas e Mar, 1952. Óleo e carvão sobre tela, 220 cm × 297,8 cm. Galeria Nacional de Arte, Washington, DC @ helenfrankenthalerfoundation
8.Helen Frankenthaler, Montanhas e Mar (1952)
Vamos falar de técnica: Montanhas e Mar foi criado colocando a tela crua e sem primer no chão e despejando sobre ela tinta à base de óleo e terebintina. Refiro-me à prática pessoal de pintura de Frankenthaler, conhecida como coloração, que ela utilizou pela primeira vez neste caso particular. O resultado são campos de cores transparentes que parecem flutuar, mas na verdade são ancorados pela textura da tela, proporcionando planicidade e estabilidade. Neste contexto, as cores não são colocadas aleatoriamente, mas servem para evocar um ambiente natural, cada vez único e diferente. Semelhante a Convergência, Montanhas e Mar, a primeira obra exibida profissionalmente por Frankenthaler, foi inicialmente criticada, mas depois compreendida, a tal ponto que o The New York Times lhe dedicou esta descrição delicada e comemorativa: "Montanhas e Mar" é "uma luz e evocação diáfana de colinas, rochas e água."
Robert Motherwell: Elegia à República Espanhola nº 57, 1957-1961. Carvão e óleo sobre tela, 213,36 cm × 277,18 cm. Coleção SFMOMA.
9.Robert Motherwell: Elegia à República Espanhola nº 110 (1971)
A obra-prima em questão, como o seu título parcialmente indica, surge das memórias que a Guerra Civil Espanhola deixou impressas na mente do pintor quando este tinha apenas 21 anos. O impacto deste acontecimento desastroso foi tal que Motherwell revisitou o assunto não só na Elegia à República Espanhola n.º 110, mas numa série de mais de 200 pinturas dedicadas a este tema. Da mesma forma, podemos recordar o famoso Guernica de Picasso, datado de 1937, que mais uma vez remete ao episódio da Guerra Civil Espanhola. No caso do autor da Elegia à República Espanhola nº 110, porém, o conflito em questão torna-se uma forma de aludir a todas as formas de injustiça, a ponto de conceber a referida série como uma comemoração do sofrimento humano, uma sentimento expresso na forma de símbolos abstratos e poéticos que contrastam morte e vida. Esta abordagem do expressionismo abstrato herda alguns elementos da linguagem do Simbolismo Francês, particularmente a de Stéphane Mallarmé, um poeta que defendia a representação do efeito emocional produzido por eventos ou ideias, em vez dos próprios eventos ou ideias. Por fim, a referida oposição entre vida e morte concretiza-se na tela através da justaposição do preto e do branco, bem como do contraste entre formas ovais e retangulares.
Gerhard Richter, Abstraktes Bild, assinado, datado de 1987, número 636. @theartbystander
10.Gerhard Richter, Abstract Bild (809-1) (1994)
A obra-prima de Richter, conhecida por ser uma das pinturas mais caras entre suas dez primeiras, faz parte de uma série de quatro obras e é o resultado de um processo criativo complicado, repetitivo e provavelmente tedioso, do qual a própria tela é testemunha, como apresenta sinais de interrupções temporais na obra. Porém, uma vez concluída, a Abstraktes Bild assumiu a forma de listras e manchas de tinta que foram arrastadas até a borda da tela com um rodo e enriquecidas com a adição de outras cores aplicadas de maneira semelhante. Na verdade, o processo de aplicação da tinta, rápido, aleatório e repetitivo, envolve camadas de cores que se sucedem até que o artista considere a pintura completa. Isto leva à reflexão sobre como, através da sobreposição de diferentes camadas, os métodos de criação da obra são apenas superficialmente reconhecíveis porque estão, de facto, ocultos nos níveis subjacentes. No entanto, podemos descrever a Abstraktes Bild da seguinte forma: uma superfície de linhas verticais e horizontais ricas em cores, que o artista pretende transmitir calma e harmonia ao espectador.
Olimpia Gaia Martinelli