Georges Braque zmarł 31 sierpnia 1963 w Paryżu we Francji w wieku 81 lat. Jego bogata kariera trwała prawie sześćdziesiąt lat i pozostaje jedną z najważniejszych postaci w rozwoju kubizmu i wczesnej sztuki nowożytnej. Jego twórczość nadal inspiruje artystów, historyków sztuki i entuzjastów na całym świecie, a jego dziedzictwo jest zapewnione jako jeden z najważniejszych artystów XX wieku.
Przez całe życie Braque utrzymywał głęboki związek ze swoimi wczesnymi inspiracjami. Inspirował się twórczością Paula Cézanne’a, a w wielu swoich kompozycjach nawiązywał do jego martwych natur i pejzaży. Georges Braque jest niezwykle wpływową postacią Salonu Niezależnych, paryskiej wystawy, na której prezentowane są dzieła niezależnych mistrzów, wolne od ograniczeń wynikających z oficjalnych wytycznych salonowych. Był stałym wystawcą od 1904 do 1910 roku, a wystawa odegrała istotną rolę w popularyzacji sztuki mistrzów awangardy przełomu XIX i XX wieku.
Przez całe życie otaczał go krąg wpływowych przyjaciół i zwolenników. Należeli do nich handlarze dziełami sztuki, tacy jak Ambroise Vollard i Daniel-Henry Kahnweiler, a także inni malarze, tacy jak Pablo Picasso, z którym łączyła go długa i owocna współpraca artystyczna. Relacje te miały kluczowe znaczenie dla sukcesu Braque’a, pod warunkiem, że Georges Braque jest powszechnie uznawany za jednego z ojców założycieli kubizmu, ruchu, który zrewolucjonizował malarstwo i rzeźbę w XX wieku. Jego podróż twórcza naznaczona była intensywnymi eksperymentami formalnymi i technicznymi, mającymi na celu dekonstrukcję rzeczywistości wizualnej w celu jednoczesnej analizy i przedstawienia jej różnych aspektów.
Chociaż sztuka afrykańska rzeczywiście znacząco wpłynęła na Braque w rozwoju kubizmu, głównym kolekcjonerem sztuki afrykańskiej i oceanicznej wśród kubistów był Pablo Picasso. Kontakt Picassa ze sztuką afrykańską, zwłaszcza maskami i rzeźbami, odegrał kluczową rolę w rozwoju stylistycznym obu artystów. Braque inspirował się tymi samymi elementami i włączał te wpływy do swojej twórczości, szczególnie w zakresie form geometrycznych i abstrakcyjnych przedstawień.
Ciekawostką może być dodanie czegoś na temat stanowiska politycznego Braque’a: podczas II wojny światowej Georges Braque pozostał w Paryżu pod okupacją niemiecką, w przeciwieństwie do niektórych jego współczesnych, którzy uciekli lub dołączyli do ruchów oporu.
Od światła do geometrii - ewolucja mistrza kubizmu
Mistrz urodził się w 1882 roku w Argenteuil-sur-Seine we Francji, w rodzinie głęboko zakorzenionej w tradycji rzemieślniczej. Zarówno jego ojciec, jak i dziadek byli malarzami-dekoratorami, a zawód ten początkowo skierował Braque'a w stronę sztuki dekoracyjnej. Jednak aspiracje twórcze szybko skłoniły go do szerszych poszukiwań artystycznych.
Georges rozpoczął formalne szkolenie w École des Beaux-Arts w Le Havre, gdzie początkowo studiował w ramach programu kładącego nacisk na techniki klasyczne. W tych latach na jego styl duży wpływ miał ruch impresjonistyczny, który we Francji wciąż przeżywał pełny rozkwit. Szczególnie podziwiał prace Claude'a Moneta i Camille'a Pissarro, których operowanie światłem i kolorem znacząco wpłynęło na jego pejzaże.
W 1900 roku, chcąc mieć większy kontakt z rozwijającą się sceną artystyczną, Georges przeniósł się do Paryża. To przeniesienie było kluczowe; Paryż był epicentrum awangardy, a młody mistrz szybko został wciągnięty w jego dynamiczne życie kulturalne. W tym przypadku kontakt Braque'a z dziełami Henriego Matisse'a i fauwami w Salonie d'Automne w 1905 roku był transformacyjny. Przyjął odważne użycie koloru i wyrazistego rysunku pędzla przez Fowów, co zaczęło pojawiać się w jego własnych dziełach, co doprowadziło do jego krótkiej fazy fowistycznej.
Najbardziej krytyczny moment w rozwoju artystycznym Braque'a nastąpił w 1907 roku, po spotkaniu z Pablo Picasso. Obaj stworzyli przyjaźń, która była zarówno konkurencyjna, jak i oparta na współpracy, napędzając się nawzajem w kierunku dalszych innowacji. Picasso właśnie ukończył swoje przełomowe dzieło „Les Demoiselles d'Avignon”, które wywarło głęboki wpływ na Braque’a. Zmotywowany postępami Picassa w przełamywaniu tradycyjnych perspektyw, Braque zaczął eksperymentować z formą i perspektywą, przygotowując grunt pod narodziny kubizmu.
W latach 1908–1912 Goerges wraz z Picassem rozwinęli ten ostatni ruch, rewolucyjny styl, który porzucił tradycyjną perspektywę i reprezentację. Dekonstruowali obiekty na geometryczne formy i zazębiające się płaszczyzny, prezentując jednocześnie wiele punktów widzenia, co stanowiło radykalne odejście od konwencjonalnej sztuki europejskiej. Ten okres intensywnej współpracy zaowocował powstaniem kilku z najbardziej innowacyjnych i wpływowych arcydzieł XX wieku, co wyróżniło Braque’a nie tylko jako zwolennika trendów, ale także jako czołowego pioniera sztuki. Wybuch I wojny światowej w 1914 r. gwałtownie przerwał ten etap, gdy Braque zaciągnął się do armii francuskiej, co później wpłynęło na jego kierunek.
Podróż przez formę i przestrzeń
Mistrz, obok Pabla Picassa, odegrał kluczową rolę w rozwoju wspomnianego nurtu, rewolucjonizując sztukę początku XX wieku. W latach 1908–1912 byli pionierami stylu charakteryzującego się innowacyjnym podejściem do struktury, formy i perspektywy.
Styl Georgesa polegał na dekonstrukcji figur na kształty geometryczne, używając stonowanej, często monochromatycznej palety, aby podkreślić objętość. Tematyką jego prac były przedmioty codziennego użytku, martwe natury, instrumenty muzyczne i fragmentaryczne pejzaże, rekonstruowane tak, aby angażować widza w aktywne, badawcze spojrzenie.
Braque wprowadził także innowacje w technice „papier collé”, dodając głębi i tekstury, wklejając wycięcia z papieru na płótno. Metoda ta zatarła granice pomiędzy obszarem malowanym a fizycznym, wzmacniając abstrakcyjny charakter jego wizji.
Przez cały ten okres Goerges rzucał wyzwanie konwencjonalnemu obrazowi, zachęcając użytkowników do ponownego w myślach złożenia fragmentarycznych scen. Jego arcydzieła nie tylko zrewolucjonizowały sztukę wizualną, ale także postawiły wyzwania filozoficzne, czyniąc go kluczową postacią w ciągłej ewolucji sztuki.
Arcydzieła: Ikony kubizmu
Oto niektóre z najbardziej znaczących dzieł Braque'a, które są przykładem jego przełomowego podejścia do ruchu:
Skrzypce i świecznik (1910)
- Ten utwór, będący kwintesencją kubizmu analitycznego Braque’a, rozkłada skrzypce i świecznik na fragmentaryczne kształty geometryczne.
Domy w L'Estaque (1908)
- Wczesna kubistyczna kreacja przedstawiająca krajobraz L'Estaque za pomocą uproszczonych, geometrycznych form, odzwierciedlających wpływ Cézanne'a.
Portugalczyk (1911)
- Kultowy utwór kubistyczny, zawierający fragmentaryczne przedstawienie portugalskiego muzyka, podkreślający zainteresowanie Braque'a wieloma perspektywami i abstrakcyjnymi formami.
Człowiek z gitarą (1911)
- To arcydzieło, kolejne kluczowe dzieło kubizmu analitycznego, dekonstruuje postać mężczyzny grającego na gitarze na przecinające się płaszczyzny i formy.
Butelka i ryby (1912)
- Płótno to, będące przykładem syntetycznego kubizmu Braque’a, łączy elementy kolażu z tradycyjnymi technikami malarskimi, tworząc złożoną kompozycję.
Kobieta z gitarą (1913)
- Ten utwór jest przykładem kubizmu syntetycznego, łączącego różne tekstury i materiały, aby przedstawić kobietę z gitarą w fragmentarycznym stylu.
Naczynie z owocami i szkło (1912)
- Martwa natura zawierająca elementy kolażu, przedstawiająca przedmioty codziennego użytku poprzez połączenie farby i papieru.
Martwa natura z metronomem (1909)
- Kubistyczna martwa natura przedstawiająca instrumenty muzyczne i przedmioty codziennego użytku, rozłożona na geometryczne kształty i stonowane kolory.
Klarnet i butelka rumu na kominku (1911)
- Obraz ten ukazuje umiejętność Braque'a w łączeniu przedmiotów codziennego użytku w kompozycje kubistyczne, skupiając się na wzajemnej grze kształtów i faktur.
Studio (1949)
- Późniejsza twórczość odzwierciedlająca ciągłe zainteresowanie Braque'a martwą naturą i wnętrzami studyjnymi, łącząca elementy naturalistyczne z formami abstrakcyjnymi.
Niektóre arcydzieła
HERA (1988) Grafika Georgesa Braque'a
Analiza „HERA” Georges’a Braque’a (1988)
„HERA” to efektowna kolorowa litografia będąca częścią serii 12 litografii w portfolio „Les Métamorphoses de Braque”, opublikowanym pośmiertnie w 1988 roku przez Armand & Georges Israel. Dzieło jest opatrzone autografem mistrza i wyprodukowane w limitowanej edycji 398 egzemplarzy. Dzieło, stworzone przy użyciu tradycyjnego procesu druku litograficznego na papierze Vélin d'Arches, jest przykładem mistrzowskiego wykorzystania przez Goergesa formy, koloru i motywów mitologicznych.
Centralny obraz „HERA” przedstawia abstrakcyjną, złotą postać, która zdaje się łączyć w sobie elementy ludzkiej twarzy i ryby. Postać ukazana jest na ciemnym tle, otoczona wirującymi białymi formami, które wywołują wrażenie ruchu i płynności. Kompozycja ta zwraca uwagę widza na interakcję geometrycznych kształtów i organicznych linii, co jest znakiem rozpoznawczym późniejszych dzieł Georgesa.
W „HERA” widać dojrzały styl mistrza. Użycie przez niego ograniczonej palety kolorów, głównie złota i bieli na czarnym tle, odzwierciedla jego późniejsze upodobanie do stonowanych tonów, które podkreślają formę i fakturę, a nie żywe kolory. Abstrakcyjne przedstawienie postaci, łączące elementy ludzkie i naturalne, ukazuje zdolność Braque'a do destylowania skomplikowanych figur w niezbędne elementy geometryczne, przy jednoczesnym zachowaniu poczucia płynności i ruchu.
Utworzenie „HERA” w 1988 roku w ramach pośmiertnego wysiłku wydawniczego odzwierciedla trwałe dziedzictwo Georgesa. W tym czasie Braque był powszechnie uznawany za kluczową postać w sztuce, a jego wpływ był powszechnie chwalony. Pod koniec XX wieku ponownie zainteresowano się twórczością pionierów wczesnego modernizmu, takich jak Braque, a publikacja „Les Métamorphoses de Braque” miała na celu przybliżenie szerszej publiczności jego innowacyjnych technik i eksploracji tematycznych.
Tradycyjny proces litograficzny zastosowany do stworzenia „HERA” polegał na rysowaniu każdego koloru osobno i nakładaniu go w osobnych cyklach drukowania. Ta skrupulatna metoda jest zgodna z zaangażowaniem Georgesa w rzemiosło i jego zainteresowaniem materialnością sztuki. Wybór papieru Vélin d'Arches, znanego ze swojej jakości i trwałości, dodatkowo podkreśla zaangażowanie w stworzenie arcydzieła, które honoruje standardy artystyczne Braque.
Tytuł „HERA” nawiązuje do greckiej bogini Hery, królowej bogów, symbolizującej moc, kobiecość i boskość. Ten mitologiczny motyw jest zgodny z zainteresowaniem Georgesa przedmiotami klasycznymi i jego tendencją do nadawania swoim twórczościom znaczenia symbolicznego. Połączenie elementów ludzkich i rybnych na figurze może sugerować motywy transformacji, dwoistości i wzajemnych powiązań różnych aspektów istnienia.
„HERA” została wyprodukowana przy użyciu tradycyjnego procesu druku litograficznego – techniki, którą Braque cenił za zdolność do zachowania integralności swoich projektów. Każdy kolor litografii został nałożony w oddzielnym cyklu rysowania i drukowania, co pozwoliło na precyzyjną kontrolę nad nakładaniem się kolorów i interakcją. Proces ten tworzy bogato warstwowy i uporządkowany obraz, który wzmacnia wizualny efekt dzieła.
„HERA” Georgesa jest świadectwem mistrzostwa artysty w zakresie formy, koloru i symboliki. Jako część portfolio „Les Métamorphoses de Braque” ta litografia podkreśla trwały wpływ Braque'a na sztukę współczesną i jego ciągłe zgłębianie złożonych tematów poprzez abstrakcję wizualną. Praca odzwierciedla jego zaangażowanie w rzemiosło i innowacje, potwierdzając jego dziedzictwo jako pioniera kubizmu i kluczowej postaci w ewolucji sztuki XX wieku.
ACHELOOS (1988) Grafika Georgesa Braque'a
Analiza „ACHELOOS” Georges’a Braque’a (1988)
Praca „ACHELOOS” wchodzi także w skład wspomnianej serii 12 kolorowych litografii „Les Métamorphoses de Braque”.
Postać jest przedstawiona jako mieszanka form organicznych i geometrycznych, charakteryzujących się płynnymi i zakrzywionymi liniami sugerującymi wodę i ruch, a także bardziej strukturalnymi i kanciastymi kształtami.
W „ACHELOOS” widać charakterystyczne podejście francuskiego mistrza do formy i faktury. Zastosowanie ograniczonej palety barw, głównie złota i bieli na czarnym tle, podkreśla grę światła i cienia, nadając sylwetce rzeźbiarski charakter. Ta redukcja koloru skupia uwagę widza na formach i ich związkach przestrzennych, co jest cechą charakterystyczną późniejszych arcydzieł Georgesa.
Utworzenie „ACHELOOS” w 1988 r., choć opublikowanego pośmiertnie przez Armand & Georges Izrael, odzwierciedla okres ponownego zainteresowania wkładem Braque'a w sztukę. Pod koniec XX wieku techniki i innowacje malarza były powszechnie znane, a jego arcydzieła istniał silny rynek.
Tradycyjny proces litograficzny zastosowany do stworzenia „ACHELOOS” jest zgodny z zainteresowaniem Georgesa rzemiosłem i materialnością. Każdy kolor litografii został nałożony w oddzielnym cyklu drukarskim, co podkreślało skrupulatność i pracochłonność procesu, co jest zgodne z przywiązaniem artysty do jakości i szczegółowości jego prac.
Tytuł „ACHELOOS” nawiązuje do greckiego boga rzeki, symbolizującego wodę, przemianę i płynność. To mitologiczne nawiązanie wpisuje się w fascynację malarza tematyką klasyczną i jego skłonność do nadawania swojej twórczości głębszych znaczeń symbolicznych.
PHOENIX (1988) Grafika Georgesa Braque'a
Analiza „FENIXA” Georges’a Braque’a (1988)
Kolorowa litografia „PHOENIX” jest również częścią serii 12 litografii zatytułowanych „Les Métamorphoses de Braque”, opublikowanej pośmiertnie w 1988 roku przez Armand & Georges Israel.
Centralny obraz „FENIXA” przedstawia abstrakcyjne przedstawienie mitycznego ptaka Feniksa. Figurka jest wykonana w żywych kolorach, głównie złotym z akcentami różu, błękitu i czerwieni. Feniks jest ozdobiony misternymi wzorami i osadzony na ciemnym tle, tworząc uderzający kontrast, który wzmacnia jego efekt wizualny. Herb ptaka, przedstawiony w kolorze białym i obrysowany w złocie, dodaje kompozycji poczucia ruchu i elegancji.
W „PHOENIX” widać dojrzały styl mistrza. Użycie jasnych i kontrastujących kolorów oraz odważnych konturów odzwierciedla jego ciągłe zainteresowanie interakcją pomiędzy formą i kolorem. „Abstrakcyjne” przedstawienie Feniksa z jego wyrzeźbionym ciałem i stylizowanym herbem ukazuje jego umiejętność łączenia abstrakcji geometrycznej z formami organicznymi. Utwór ten ilustruje jego zamiłowanie do motywów mitologicznych i umiejętność tworzenia wizualnie dynamicznych kompozycji.
Feniks to mityczny ptak symbolizujący odrodzenie, nieśmiertelność i odnowę. Temat ten wpisuje się w zainteresowanie Georgesa mitologią klasyczną i jego tendencję do nadawania swoim dziełom głębszych znaczeń symbolicznych. Żywe i abstrakcyjne przedstawienie Feniksa na tej litografii sugeruje tematykę transformacji i życia wiecznego, rezonując z ideą sztuki jako ponadczasowej i trwałej formy ekspresji.
Niezłomny na wystawach i rynku sztuki
Georges Braque zachował znaczącą obecność w świecie sztuki zarówno za życia, jak i pośmiertnie. Jego pierwsza indywidualna wystawa w Paryżu w 1908 roku zapoczątkowała znaczącą karierę, która pomogła ugruntować pozycję kubizmu jako głównego ruchu artystycznego. Jego dzieła, często wystawiane obok dzieł Picassa w najważniejszych paryskich salonach, odegrały kluczową rolę w kształtowaniu sztuki. Po jego śmierci w 1963 roku spuścizna Braque’a nadal rosła, a jego dzieła stały się ostoją w najważniejszych muzeach, takich jak Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku i Luwr w Paryżu. Jego arcydzieła niezmiennie osiągają wysokie ceny na aukcjach, co odzwierciedla jego ceniony status wśród kolekcjonerów. Innowacyjne techniki Georgesa zainspirowały szeroko zakrojone badania naukowe, jeszcze bardziej umacniając jego wpływ. Jego trwałe dziedzictwo podkreśla ciągłe uznanie na wystawach i dobre wyniki na rynku sztuki, umacniając jego rolę jako pioniera kubizmu i mistrza sztuki.
Kształtowanie pokoleń artystów
Pionierska wizja kubizmu Georgesa Braque’a nie tylko przekształciła krajobraz sztuki, ale także wywarła głęboki wpływ na wielu artystów z pokoleń. Jego innowacyjne podejście do perspektywy, formy i koloru zainspirowało szerokie grono artystów, którzy je przyjęli lub zaadaptowali.
Juan Gris jest prawdopodobnie jednym z najbardziej bezpośrednich beneficjentów innowacji Braque. Sztuka Grisa wykorzystała techniki Georgesa i popchnęła je w stronę większej złożoności strukturalnej i intensywności kolorów. Jego obrazy, często bardziej przemyślane i zaprojektowane niż jego poprzednika, pokazują wyraźny wpływ metodycznego podejścia Braque'a do wizji.
Fernand Léger to kolejny artysta, na który duży wpływ wywarły eksploracje formy i przestrzeni Georgesa. Wersja ruchu Picassa autorstwa Légera, czasami nazywana „tubizmem” ze względu na nacisk na formy cylindryczne, odbiegała od wersji Braque'a, wprowadzając bardziej krzywoliniową i maszynową estetykę. Jednak korzenie dzielenia obiektów na formy geometryczne, których pionierem był Georges, są widoczne w pracach Légera.
Poza Grisem i Légerem wpływ Braque'a przeniknął przez większą część sztuki XX wieku. Jego techniki i poszukiwania stylistyczne można zobaczyć w pracach artystów amerykańskich, takich jak Stuart Davis , i artystów brytyjskich, takich jak Ben Nicholson , którzy włączyli określone elementy do swoich wyraźnie regionalnych stylów. Artyści ci i im podobni zaadaptowali fragmentaryczne perspektywy i abstrakcyjne formy typowe dla twórczości Georgesa, aby eksplorować nowe tematy i konteksty, takie jak krajobrazy miejskie i kultura komercyjna.
Współcześni artyści również w dalszym ciągu czerpią z dziedzictwa Braque'a. Jego zasady są widoczne w arcydziełach artystów badających fragmentację środowisk cyfrowych i multimedialnych. Nacisk Georgesa na rozbijanie form i rekonstruowanie ich w nowym porządku rezonuje z artystami cyfrowymi, którzy demontują i ponownie składają cyfrowe obrazy, aby zakwestionować rzeczywistość i postrzeganie w epoce cyfrowej.
Wpływ Braque'a wykracza zatem daleko poza jego oryginalne dzieła. Świadczy o jego wizjonerskim podejściu fakt, że artyści z różnych epok i różnych mediów nadal czerpią inspirację z jego eksperymentów i technik. Jego umiejętność reinterpretacji świata poprzez geometryczne uproszczenia i wiele perspektyw pozostawiła niezatarty ślad w świecie sztuki, kształtując ewolucję ekspresji artystycznej aż do XXI wieku.
Trwały wpływ Braque'a pokazuje trwałą siłę jego artystycznej wizji, ponieważ każde nowe pokolenie artystów odnajduje nowe znaczenie w jego podejściu do widzenia i reprezentowania otaczającego ich świata. Jego dziedzictwo nadal inspiruje, rzuca wyzwanie i przesuwa granice kreatywności artystycznej.
Mniej znane fakty
Georges Braque doświadczył głębokiej zmiany w swojej sztuce pod wpływem doświadczeń I wojny światowej. Zmobilizowany w 1914 r., w 1915 r. doznał poważnego urazu głowy, co doprowadziło do długiej hospitalizacji i głębokiej introspekcji. Od tego czasu jego prace stały się bardziej osobiste i introspektywne, z stonowanymi kolorami i motywami odzwierciedlającymi jego wojenne doświadczenia. Cała ta historia pokazuje, jak trudności osobiste i wydarzenia historyczne mogą napędzać artystyczne innowacje i transformację.
Georges Braque nie tylko pomógł w założeniu kubizmu, ale także przez całe życie kontynuował eksplorację i wprowadzanie innowacji w dziedzinie sztuki. Jego zaangażowanie w dekompozycję i reinterpretację rzeczywistości wizualnej pozostawiło niezatarty ślad w sztuce współczesnej, czyniąc go jedną z najbardziej wpływowych i szanowanych postaci XX wieku.
Selena Mattei
