Sztuka abstrakcyjna reprezentuje jedną z najbardziej fascynujących i różnorodnych dziedzin w historii sztuk wizualnych, w której konwencjonalne formy i realistyczne perspektywy ustępują czystym kształtom, kolorom i konfiguracjom, które przemawiają bezpośrednio do duszy. Można wybrać się w kompleksową podróż, mającą na celu wyczerpujące poznanie głównych nurtów abstrakcyjnych, które ukształtowały krajobraz artystyczny od początku XX wieku do współczesności. Zostanie to zilustrowane poprzez prezentację szeregu prac artystów Artmajeur, którzy zdefiniują każdy styl niefiguratywny, począwszy od Abstrakcji Lirycznej, a skończywszy na Minimalizmie.
ROZWIĄZANE KOLORY (2023) Malarstwo Stefana Fiedorowicza
Abstrakcja liryczna
Abstrakcja liryczna to ruch artystyczny, który pojawił się w okresie powojennym, badając osobistą ekspresję poprzez malarstwo abstrakcyjne. Jednym z głównych pionierów tego stylu był Wasilij Wasilijewicz Kandinski, uważany za jednego z ojców abstrakcji. Kandinsky badał ekspresyjny potencjał kolorów i form, wywierając głęboki wpływ na abstrakcję liryczną, kładąc nacisk na swobodną i osobistą ekspresję. Ruch ten znalazł podatny grunt szczególnie w Paryżu, gdzie artyści z całego świata pomogli zdefiniować i ewoluować koncepcję abstrakcji lirycznej, wchodząc w interakcję z lokalną i międzynarodową sceną artystyczną.
Abstrakcję liryczną charakteryzuje emocjonalne i intuicyjne podejście do malarstwa, z naciskiem na osobistą ekspresję i spontaniczność. Ten styl często charakteryzuje się swobodnym i płynnym pociągnięciem pędzla oraz żywym użyciem koloru, aby przekazać szereg emocji i nastrojów. W przeciwieństwie do abstrakcji geometrycznej, która koncentruje się na sztywnych i wyliczonych formach, abstrakcja liryczna pozwala na bardziej płynne i organiczne kompozycje, często skutkując dziełami abstrakcyjnymi, które raczej sugerują niż wyznaczają formy. Ruch ten stara się uchwycić emocjonalne przeżycia artysty, często przypominając wizualną formę poezji, stąd określenie „liryczny”. Ogólny efekt jest dynamiczny i głęboki, zachęcając widzów do interakcji z dziełem na głęboko osobistym poziomie.
„Rozwiązłe kolory” namalowane przez artystę Artmajeur Stefana Fiedorowicza mogą przejawiać się w tradycji abstrakcji lirycznej, gdyż jej różnorodność kształtów i znaków, nastawionych na unoszenie się na białym, teksturowanym tle, sugeruje pojawienie się wspomnień i doświadczeń generowanych przez umysł. Tak naprawdę kompozycja nie trzyma się sztywnej formy; raczej pozwala żywiołom na swobodną i bez ograniczeń interakcję, podobnie jak wspomnienia i doświadczenia zmysłowe wplecione w naszą świadomość. Artysta w każdym razie przyznaje, że omawiana praca odzwierciedla zarówno jego wewnętrzne zmagania emocjonalne, jak i jego nocną „paranoję”, aby podzielić się nimi z widzem, który zawsze jest gotowy na empatię. „Rozwiązłe kolory” nawiązują także do filozofii Johna Locke’a, w szczególności do koncepcji „Tabula Rasa”, która sugeruje, że jednostki rodzą się bez wrodzonej treści umysłowej i że wszelka wiedza pochodzi z doświadczenia i percepcji zmysłowej. Ten ostatni aspekt dodatkowo łączy obraz ze stylistycznymi cechami abstrakcji lirycznej, skłaniając do dalszej refleksji nad rozwojem wewnętrznego świata człowieka.
NOWY POMYSŁ NA „Plac CZERWONY” Malewicza (2024) Malarstwo Tatiany Yasin
Konstruktywizm i suprematyzm
W pierwszych dwóch dekadach XX wieku, wśród zgiełku rewolucyjnej Rosji, wyłoniły się dwa niezwykle nowatorskie ruchy artystyczne: konstruktywizm i suprematyzm. Obaj odegrali zasadniczą rolę w przedefiniowaniu estetycznych i filozoficznych krajobrazów sztuki, wpływając na szereg innych ruchów i pozostawiając niezatarte ślady na sztuce współczesnej. Pomimo wspólnych korzeni w żarliwej rosyjskiej scenie awangardowej, ruchy te rozwinęły odrębne ideologie i języki wizualne, które odzwierciedlały ich unikalne reakcje na współczesne środowisko społeczno-polityczne.
Konstruktywizm ukształtował się po rewolucji rosyjskiej 1917 r., pomyślany jako forma sztuki mogąca służyć potrzebom nowego państwa radzieckiego. Konstruktywizm, mający korzenie estetyczne częściowo w suprematyzmie, był również pod wpływem ruchów europejskich, takich jak kubizm i futuryzm. Zaproponowała radykalną ideę: sztuka nie powinna istnieć wyłącznie dla kontemplacji estetycznej, ale powinna odgrywać aktywną rolę w życiu codziennym i socjalistycznej rekonstrukcji. Ruch charakteryzował się utylitarnym podejściem do sztuki, w którym artyści stali się projektantami nowego porządku społecznego, tworząc przedmioty praktyczne, od mebli po propagandę. Konstruktywizm celebrował nowoczesność, koncentrując się na materiałach takich jak metal, szkło i plastik oraz kładąc nacisk na naukowe podejście do twórczości artystycznej.
Opracowany przez Kazimierza Malewicza w 1915 roku suprematyzm został tak nazwany ze względu na stwierdzenie wyższości czystego uczucia artystycznego nad reprezentacją przedmiotów. Podejście Malewicza pozbawiło pozostałości obiektywnej rzeczywistości na rzecz podstawowych form geometrycznych, takich jak kwadraty, koła i linie, unoszących się na minimalnym tle. Siłą napędową suprematyzmu było dążenie do „stopnia zerowego” w sztuce, czego przykładem jest kultowy „Czarny kwadrat” Malewicza, który reprezentował radykalne zerwanie z przeszłymi formami sztuki i ruch w stronę czystej abstrakcji.
Chociaż oba ruchy opierały się na abstrakcji, ich podejścia i intencje znacznie się różniły. Konstruktywizm był zasadniczo zorientowany na funkcjonalność i ideały zbiorowe. Była zakorzeniona w świecie materialnym, z silnym naciskiem na strukturę i przemysł, co odzwierciedlało jej wiarę w artystę jako inżyniera społeczeństwa. Z kolei suprematyzm był bardziej filozoficzny i introspektywny, skupiał się na eksploracji formy i przestrzeni w celu wywołania duchowych i emocjonalnych reakcji widza.
Dzieło, które wybrałem do zaprezentowania, a mianowicie „Nowy pomysł na Plac Czerwony Malewicza” Tatiany Yasin, ucieleśnia wyłącznie suprematyzm, nawiązując do stylu „Placu Czerwonego” Kazimierza Malewicza. Rzeczywiście, w centrum kompozycji wyłania się odważna i duża czerwona forma geometryczna, gotowa zdominować pole widzenia. Plac jest zajęty i wyznaczony podobnymi formami geometrycznymi w czerni i bieli, zapewniającymi wyraźny kontrast, zdolny do generowania dynamicznych i wciągających wrażeń wizualnych. Rzeczywiście, wyraźne linie i interakcja między kolorami dają poczucie ruchu i głębi, nawet w typowym minimalistycznym podejściu suprematyzmu. Jeśli mowa o Tatianie Yasin, jej malarstwo nie ma na celu replikowania rzeczywistości, ale przekazanie esencji emocji i rytmu tego, co nieuchwytne, aby rzucić wyzwanie konwencjonalnym granicom i zaprosić widzów do nawiązania kontaktu z nieznanymi emocjonalnymi krajobrazami i introspekcją. Krótko mówiąc, Yasin dąży do nawiązania kontaktu ze swoimi widzami na poziomie intuicyjnym, wykraczającym poza język i kulturę, aby wyrazić siebie w idiomach neoplastycyzmu, suprematyzmu i konstruktywizmu.
LOOKING FOR BALANCE 7 (2017) Malarstwo Lucie Jirků
COLOR TANGLE｜INSPIROWANY MONDRIANEM (2023)Malarstwo Petera Rena
Abstrakcja geometryczna i neoplastycyzm
Pojawienie się neoplastycyzmu na początku XX wieku oznaczało rewolucyjny punkt zwrotny w narracji artystycznej. Ruch ten, który zapoczątkował w Holandii w 1917 roku i był ściśle związany z wydawaniem magazynu De Stijl, dążył do przekazania prawd absolutnych poprzez najbardziej podstawowe elementy malarstwa: kolor, linię i formę. Holenderski artysta Piet Mondrian (1872-1944) jest prawdopodobnie najbardziej znaną postacią związaną z tym ruchem, propagującym formę abstrakcji geometrycznej wykorzystującej czyste dwuwymiarowe kształty.
Neoplastycyzm miał na celu wyeliminowanie trzeciego wymiaru i wartości emocjonalnych w malarstwie, kontrastując z ideami Wassily'ego Kandinsky'ego, który wierzył w wyrażanie emocji poprzez sztukę. Zamiast tego podejście nowotworowe skupiało się na linii i kolorze, faworyzując prostokąt jako idealną formę ze względu na jego proste linie i brak niejednoznacznych krzywizn. Paleta tego ruchu ograniczała się do kolorów podstawowych – żółtego, niebieskiego i czerwonego – unikając cieniowania i przedstawień naturalistycznych.
Chociaż neoplastycyzm i abstrakcja geometryczna mają wspólne korzenie w dziedzinie sztuki nieprzedstawiającej, ich niuanse są różne. Neoplastycyzm charakteryzuje się filozoficznym fundamentem, który postrzegał sztukę jako środek reform społecznych. Ścisłe trzymanie się surowego języka wizualnego prostych linii i podstawowych kolorów miało odzwierciedlać uniwersalne prawdy i równowagę.
Abstrakcja geometryczna, choć związana z redukcją form do ich geometrycznej istoty, niekoniecznie niesie ze sobą tę samą intencję filozoficzną. Obejmuje szersze spektrum praktyk i można go rozpatrywać w różnych kontekstach, nie zawsze dążąc do ucieleśnienia utopijnej wizji czy trzymania się sztywnego zestawu zasad estetycznych.
W istocie neoplastycyzm, a także suprematyzm i konstruktywizm reprezentują bardziej dogmatyczne i ideologicznie zorientowane podzbiory szerszej geometrycznej sztuki abstrakcyjnej, która może być bardziej pluralistyczna i zróżnicowana w swoich przejawach i intencjach.
Manifestem abstrakcji geometrycznej jest obraz „W poszukiwaniu równowagi 7” Lucie Jirků, obraz przedstawiający złożone sploty kształtów i linii, mające na celu ukształtowanie zrównoważonej, a zarazem dynamicznej kompozycji. Płótno jest w rzeczywistości mozaiką prostokątów, kwadratów i innych geometrycznych kształtów, przecinanych lub po prostu zestawianych z prostymi liniami umieszczonymi na powierzchni. Te abstrakcyjne figury, różniące się wielkością i kolorem, przedstawiają paletę obejmującą odcienie beżu, szarości, błękitu, zieleni i odrobinę czerwieni. Jeśli chodzi o dzieło nowotworowe, „Color Tangle | inspired by Mondrian” Petera Rena, jak ujawnia tytuł, pozostawało pod wpływem twórczości holenderskiego mistrza do tego stopnia, że odzwierciedlało ścisłe połączenie architektonicznej precyzji i artystycznego wyrazu. Malarz Artmajeur, posiadający doświadczenie w architekturze i projektowaniu wnętrz, wnosi do malarstwa multidyscyplinarne podejście, widoczne w skrupulatnym rozmieszczeniu geometrycznych kształtów i odważnym użyciu podstawowych kolorów. Dodatkowo można dodać, że zamierzeniem artysty jest dobranie każdej linii i odcienia „nie tylko ze względu na jej walory estetyczne, ale także ze względu na jej potencjał pobudzania intelektu i wywoływania duchowego uzdrowienia”.
INSPIROWANY ROTHKO - TERAZ JEST CZAS (2024) Malarstwo Nadii Antoniuk
Sztuka nieformalna i ekspresjonizm abstrakcyjny
W następstwie II wojny światowej w świecie sztuki wyłoniły się dwa ruchy: ekspresjonizm abstrakcyjny i sztuka nieformalna. Chociaż wywodzili się z różnych kontekstów kulturowych, łączy ich wspólny wątek reagowania na okrucieństwa i traumy wojny, choć w odmienny sposób.
Ekspresjonizm abstrakcyjny, wywodzący się przede wszystkim z Nowego Jorku, charakteryzował się naciskiem na indywidualną ekspresję emocji artysty i tematykę uniwersalną. Pod wpływem surrealizmu i lewicowej polityki ekspresjoniści abstrakcyjni postrzegali sztukę jako sposób na zagłębienie się w głębiny nieświadomości i zmierzenie się z kwestiami egzystencjalnymi. Ruch obejmował różne nurty, w tym Action Painting i Color Field. Action Painting, którego uosobieniem byli artyści tacy jak Jackson Pollock, kładł nacisk na fizyczny akt malarstwa jako formę spontanicznej ekspresji. Artyści kapali, wylewali i rozpryskiwali farbę na płótna, tworząc dynamiczne kompozycje, które oddawały energię samego procesu artystycznego. Podejście to odzwierciedlało chęć uwolnienia się od tradycyjnych ograniczeń kompozycyjnych i przyjęcia instynktownej i surowej natury kreatywności. Z kolei malarstwo Color Field, którego przykładem byli artyści tacy jak Mark Rothko i Helen Frankenthaler, skupiało się na dużych przestrzeniach koloru, aby wywołać reakcje emocjonalne i duchowe. Eliminując elementy reprezentacyjne i pozwalając, aby kolor stał się głównym środkiem wyrazu, artyści Color Field starali się stworzyć dla widzów wciągające i medytacyjne doświadczenia.
Po drugiej stronie Atlantyku związana z nią Sztuka Nieformalna pojawiła się jako odpowiedź na chaos i niepewność epoki powojennej. Sztuka nieformalna, ukuta przez krytyka Michela Tapié, obejmowała szeroką gamę stylów, których łączyło odrzucenie tradycyjnych form i przyjęcie technik antykompozycyjnych. Artyści z Europy, Ameryki, Japonii i spoza niej badali abstrakcję gestów i spontaniczność inspirowaną surrealizmem jako sposób na zmierzenie się z egzystencjalną udręką tamtego okresu.
Jeśli chodzi o analizę grafiki, „Inspiracja Rothko – teraz jest czas” Nadii Antoniuk jest obrazem żywym i energetycznym. Ten przykład sztuki Color Field wykracza poza bardziej typowe dla Rothko zdefiniowane prostokąty kolorów i miękkich krawędzi, nawiązując do większej intensywności emocjonalnej i dbałości o relacje chromatyczne. W górnej części obrazu rzeczywiście dominuje „klaster” pomarańczy i żółci, który swoją skomplikowaną siecią linii również zdaje się czerpać inspirację z techniki dynamicznego kapania Pollocka. Zamiast tego pod tą wibrującą eksplozją ciepłych kolorów znajduje się kontrastowe zestawienie błękitu, gotowe do wypełnienia dolnej części płótna, przypominające niemal głębię oceanu lub przestrzeń nocnego nieba. U podstawy grafika przedstawia poziomy pas bieli, który można interpretować jako spokojne rozwiązanie zamieszania powyżej, być może nawiązującego do grzbietu fali, o spienionym wyglądzie, mającym na celu kontrast tekstury dzieła. Ogólnie rzecz biorąc, obraz stanowi połączenie wpływów, przyjmując emocjonalną wagę i prostotę pól kolorów Rothko oraz dynamiczne techniki gestów malarstwa akcji Pollocka.
CZARNE KORONKI (2021)Sztuka cyfrowa autorstwa Kurotory
Sztuka op
Op-art, skrót od „Sztuka optyczna”, pojawił się w latach pięćdziesiątych XX wieku jako dynamiczny ruch napędzany fascynacją artystów percepcją, efektami optycznymi i iluzjami. Zakorzeniona w eksploracji zjawisk wizualnych op-art przesuwała granice tradycyjnej ekspresji artystycznej, sięgając do nowych zainteresowań technologią i psychologią. Ruch ten, charakteryzujący się abstrakcyjnymi wzorami i ostrymi kontrastami, miał na celu uchwycić i zmylić oko widza.
Historycznie rzecz biorąc, op-art pojawił się obok sztuki kinetycznej, a obie łączyła fascynacja ruchem i percepcją. Przełomowa wystawa „Le Mouvement” w 1955 roku w Galerie Denise Rene zapoczątkowała te artystyczne poszukiwania. Jednak dopiero wystawa „The Responsive Eye” z 1965 roku w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku postawiła op-art w centrum uwagi opinii publicznej, wywołując szał na jego projekty w modzie i mediach.
Kluczowe cechy op-artu polegają na manipulacji percepcją wzrokową poprzez abstrakcyjne wzory i kompozycje o wysokim kontraście. Te dzieła sztuki, często wykonywane w czerni i bieli, aby zmaksymalizować efekt, tworzą iluzje optyczne, które kwestionują poczucie głębi i ruchu widza. Nacisk na iluzję i percepcję sugeruje powiązania ze starszymi technikami artystycznymi, takimi jak trompe l'oeil i anamorfoza, odzwierciedlając także fascynację epoki nowożytnej technologią i kulturą konsumpcyjną.
Przykładem op-artu jest „Czarna koronka” Kurotory, cyfrowe dzieło sztuki, w którym złudzenie optyczne trójwymiarowego „koronkowego koła” pojawia się w czerni i bieli. Rzeczywiście Kurotory, artysta łączący tradycyjne techniki z mediami cyfrowymi, stworzył projekt, który wydaje się wirować i pulsować, syntetyzując wykorzystanie zasad matematycznych i manipulacji optycznej. Dodatkowo zawiłość „wzóru koronki” sugeruje również skrupulatny układ linii i krzywizn, pomyślany tak, aby stworzyć hipnotyczny wir, którego złożoność projektu zwiększa się w kierunku środka, gdzie wzrok wciągany jest w coś, co wydaje się nieskończoną spiralą. Efekt ten przywołuje na myśl zjawiska wizualne eksplorowane przez pionierów op-artu, takich jak Victor Vasarely i Bridget Riley, których artystyczne poszukiwania spowodowały, że percepcja widza oscyluje pomiędzy płaskością medium a sugerowaną głębią obrazu.
OLIVE OKAZJE (2022) Malarstwo Gustafa Tidholma
Minimalizm
Minimalizm pojawił się w Nowym Jorku na początku lat 60. XX wieku jako odpowiedź na to, co artyści postrzegali jako zmęczenie i akademizm najnowszych trendów artystycznych. Odrzucając nadmierne wyrazy ekspresjonizmu abstrakcyjnego, nowe pokolenie artystów starało się tworzyć dzieła, które przedkładały prostotę i geometryczność nad dramatyzm. Charakterystyczną cechą ruchu stały się rzeźby wykonane z materiałów przemysłowych, kładące nacisk na anonimowość i unikające oczywistej symboliki.
U podstaw minimalizmu leżało celowe odrzucenie ekspresji, jako że artyści dystansowali się od biograficznych i metaforycznych skojarzeń dominujących w ekspresjonizmie abstrakcyjnym. Zamiast tego skupili się na tworzeniu gładkich i geometrycznych dzieł, które rzucały wyzwanie tradycyjnym pojęciom estetyki. Zainspirowani rosyjskim konstruktywizmem i Ready-Made Marcela Duchampa, minimaliści przyjęli produkcję modułową i materiały przemysłowe, tworząc dzieła, które bardziej przypominały towary produkowane w fabryce niż drobno rzemieślniczą sztukę.
Jedną z charakterystycznych cech minimalizmu był nacisk na fizyczną przestrzeń zajmowaną przez dzieło sztuki. Poprzez proste i powtarzalne formy geometryczne oraz prefabrykowane materiały prace minimalistyczne zmuszały widzów do konfrontacji z organizacją i skalą kształtów, a także własnymi reakcjami fizycznymi i wizualnymi. Podejście to miało na celu przełamanie tradycyjnych rozróżnień między malarstwem a rzeźbą, kwestionując formalistyczny dogmat, za którym opowiadali się krytycy tacy jak Clement Greenberg.
Trend lat 60. dobrze oddaje „Oliwkowe okazje” Gustafa Tidholma, ćwiczenie z minimalistycznej abstrakcji, przedstawiające płaszczyznę mającą na celu grę z percepcją widza. Pomalowany na subtelną oliwkową zieleń, kolor często kojarzony z harmonią i spokojem, obraz wyraża poczucie spokoju i optymizmu. Powierzchnia dzieła jest teksturowana w kształcie okręgów, co zapewnia głębię zmieniającą się w zależności od perspektywy widza i interakcji światła z obrazem. Gustaf Tidholm, współczesny szwedzki malarz stojący za tym dziełem, w swojej sztuce wykorzystuje doświadczenia codziennych interakcji i samego procesu twórczego. W rzeczywistości jego minimalistyczna ekspresja nie ma po prostu nawiązywać do czystej syntezy i geometrii, ale stara się przekazać konkretne emocje, takie jak radość, nadzieja, szczęście, pokój i wiara. Te uczucia, subtelnie wplecione w materię dzieła, prowadzą do naturalnej kontemplacji i zaangażowania obserwatora, który w spokoju i zrelaksowaniu podziwia prostotę monochromu.
Olimpia Gaia Martinelli
