Trzy innowacje w fotograficznej martwej naturze

STILL NATURA N°2 (2021) Fotografia: Séverine Maigre (AERIN m.).

1. Kolejny rodzaj vanitas...

Mały stolik oświetlony delikatnym światłem przypomina nam o nieubłaganej niepewności naszego życia, ukrywając na swojej powierzchni więdnące kwiaty, czaszki i kilka luksusowych rzeczy, które okażą się zupełnie bezużyteczne, gdy przekroczymy próg zaświatów. Z tym opisem można by zestawić dużą, niemal nieokreśloną liczbę vanitas, martwych natur z elementami symbolicznymi nawiązującymi do tematu przemijania życia, które miały służyć jako memento mori, czyli poważne ostrzeżenie przed efemerycznością ludzkiej egzystencji, przynajmniej na tej ziemi. Być może za swoistą vanitas, sprowadzoną do minimum i umieszczoną w dość nietypowym kontekście portretowym, można uznać ten rodzaj „pieczęci”, ozdobionej czaszką i kością, którą możemy podziwiać ułożone na obrazach Fridy Kahlo czoło, właśnie na swoim autoportrecie z 1943 roku, zatytułowanym Myśląc o śmierci. Ta nowa interpretacja wspomnianego gatunku, wkomponowana teraz w frontalny widok rysów malarza, wywodzi się z niezwykle udręczonego okresu artysty, który wystawiony na próbę licznymi chorobami i powikłaniami, czuł się jak skazany na śmierć. W każdym razie w starożytnej kulturze meksykańskiej śmierć oznacza również odrodzenie do nowego życia, do tego stopnia, że Frida ze wspomnianego arcydzieła otoczyła się kwitnącymi roślinami, symbolami wieczności, które będą jej towarzyszyć w następnej długiej podróży. Wracając jednak do koncepcji kary śmierci i porzucając malarstwo na rzecz medium fotograficznego, innowacje vanitas są kontynuowane we współczesnym świecie dzięki pracom Mata Collishawa, brytyjskiego artysty specjalizującego się w wykorzystaniu wideo i fotografii, który stworzył Last Meal on Death Row, serię obrazów przedstawiających ostatni posiłek wybrany przez siedmiu więźniów z celi śmierci, które zostały odtworzone w kompozycjach martwej natury, które bez odwoływania się do typowych czaszek oferują nową interpretację i spojrzenie na wspomniany gatunek .

BEAUTYGONE 2 (2023) Zdjęcia: Edgar Garces.

WIECZNA MARTWA NATURA... [ EKSTRAKCJA 2 ] (2020)Fotografia: Cédric Zuwala.

2. Wybuch...

BOOOM! Ten dźwięk, który od razu przywodzi na myśl gwałtowną eksplozję, w przeważającej mierze kojarzy się z dziełami sztuki figuratywnej, przedstawiającymi dramatyczne i nieco szczegółowe sceny, lub z arcydziełami, które podejmują temat bardziej zwięzłym językiem komiksów. Chcąc zilustrować pierwszy przytoczony przykład, odwołuję się do Eksplozji George'a Grosza (1917), który przedstawiając miejski pejzaż z rozbitymi, płonącymi domami, tłuczonymi oknami, półnagimi okryciami, zacienionymi twarzami i przytulającymi się postaciami, realizował intencję inscenizacja okropności I wojny światowej. Dramaty tego ostatniego wydarzenia są zinternalizowane poprzez użycie wielości perspektyw i intensywnych kolorów, które akcentując poczucie niestabilności i zagrożenia, przywracają nas do jasnej interpretacji futurystycznego podejścia. Mówiąc zamiast o świecie komiksów, nie sposób nie pomyśleć o dobrze znanej Eksplozji (1965-66) Roya Lichtensteina, którego popowy język od 1962 roku poświęcony był zapożyczaniu obrazów eksplozji z komiksów wojennych w celu aby „przetransportować” je do swoich najbardziej kultowych obrazów. W bardziej współczesnym świecie „fenomen wybuchu”, dzięki interwencji izraelskiego fotografa artystycznego Ori Gershta, trafił w nieprzewidywalny sposób do gatunku martwej natury, o czym świadczą jego serie prac, które , zatytułowana Blow Up, przedstawia kunsztowne kompozycje kwiatowe, wzorowane na dziewiętnastowiecznych kwiatowych obrazach, a zwłaszcza na obrazach Henriego Fantina-Latoura, uchwyconych celnymi ujęciami, mającymi na celu uchwycenie momentu wybuchu. Eksplozja nie jest jednak jedyną nowością tego typu martwych natur, gdyż w jej następstwie kwiaty, symbol pokoju par excellence, zamieniają się w swego rodzaju baranki ofiarne: ofiary brutalnego terroru, który niesprawiedliwie zbyt często atakuje najbardziej delikatne, kruche i nieświadome formy życia.

FOTOGRAFIA JEANTURCO NUMER 1589 (2022) Fotografia: Jean Turco.

3. Nowe materiały...

Na koniec wracam do obrazu jednej z najbardziej klasycznych martwych natur kwiatowych: Kwiatów w drewnianym wazonie autorstwa Jana Brueghela Starszego, arcydzieła z około 1606 r., mającego na celu utrwalenie w malarstwie pojemnika, w kwiaty ułożono i uszeregowano według wielkości, tak aby na dole znajdowały się najmniejsze okazy, a na górze największe. Chociaż już od czasów Greków wymyślono pierwsze sztuczne kwiaty, sprytnie zapożyczone z orientalnych zwyczajów, na ogół malarze flamandzcy XVII wieku używali jako modeli prawdziwych roślin, w związku z tym zastanawiam się: co by było, gdyby nowoczesne plastikowe kwiaty wkroczyły do bardziej klasycznej martwej natury gatunek muzyczny? Tę ciekawość obficie ujawnia nam Richard Kuiper, fotograf, który zainspirowany holenderskim Złotym Wiekiem, a zwłaszcza kolekcjami malarstwa ówczesnych bogatych kupców, zamawiał prace u takich mistrzów jak Pieter Claesz, Floris van Dijck, Frans Snyders, Adriaen Coorte i Balthasar van der Ast uchwycili plastikowe martwe natury, potępiając nie tylko zmiany w kostiumach, ale także szerokie rozprzestrzenianie się tego szkodliwego materiału w naszym środowisku. Kontynuowana jest analiza fotograficznych martwych natur, obejmująca prace niektórych artystów Artmajeur, takich jak The Imaginati, Ordo Abkao i Sofia Zelenskaya.

BUT JAKO MARTWA NATURA Z OWOCAMI (2023) Fotografia autorstwa The Imaginati.

The Imaginati: But jako martwa natura z owocami

Co jest innowacyjnego w fotografii The Imaginati? Aby to wyjaśnić, potrzebuję Miró! Hiszpański mistrz wykonał właśnie w 1937 roku podczas pobytu w Paryżu Martwą naturę ze starym butem, w której pojedyncze obiekty, ukazane bez zachowania skali, odnajdują przestrzenny punkt odniesienia w tylnej, nieregularnej krawędzi płaszczyzny, na której spoczywają , którą można odczytać jako przybliżoną linię horyzontu. Z kolei w przypadku chromatyki barwa dzieła wydaje się nieco kwaśna, mocno nasycona i dysonansowa, mająca na celu uchwycenie, odwołując się do słów artysty, głębokiej i fascynującej rzeczywistości. W rzeczywistości jednak takie apokaliptyczne odcienie wynikają z kontekstu hiszpańskiej wojny domowej, wydarzenia, które jest syntetyzowane i internalizowane przez silne uczucia udręki i strachu artysty, do tego stopnia, że obraz często porównuje się do niespokojnej Guerniki Picassa. Praca z 1937 roku jest jednym z wielu przykładów butów reprezentowanych „pasywnie” w ramach gatunku martwej natury, natomiast w Butu jako martwa natura z owocami wspomniany przedmiot wyróżnia się „aktywną” rolą, w że nie tylko wygląda na to, czym jest, ale także staje się rodzajem pojemnika na owoce, używanego w taki sam sposób, jak bardziej pospolita miska. Być może fakt, że but jest już nieco zużyty i prawdopodobnie nie bardzo nadaje się do swojej pierwotnej funkcji, uzasadnia ekologiczny wybór artysty, by nie pozbywać się starego, ale nadać mu nową, życiową funkcję. Na koniec zacytuję własne wypowiedzi The Imaginati, że zdjęcie przedstawia medium temporalne: „But jako martwa natura z owocami to oryginalna kreacja artystyczna, która łączy nowoczesne tenisówki z owocami lub warzywami, tworząc symbiotyczną kompozycję, alchemię między przeszłością a teraźniejszością. ”.

KSIĘŻNICZKA (2018) Fotografia: Ordo Abkao.

Ordo Abkao: Księżniczka

Szczątki księżniczki tyranozaura, czy jakiegokolwiek innego okazu dinozaura, jawią się jako jedyny i czołowy bohater ironicznej fotografii Abkao, zdolnej do nadania najwyższych tytułów szlacheckich zwierzęciu, które zmarło jeszcze przed narodzinami człowieka i, w konsekwencji tych ostatnich społecznych „uznań”. Podobny „prehistoryczny” humor odnajdujemy, tym razem w rzeźbie, w Felixie Maurizio Cattelana, szkielecie stworzonym dla MCA (Sydney), który zainspirowany popularnością Tyrannosaurus rex wystawionym w Field Museum (Chicago), chciał reinterpretować jego groźną i gigantyczną postać w wersję bardziej przyjaznego i „uprzejmy” kota domowego, dążąc do zakwestionowania postrzegania tematu, kwestionując utarte pojęcia artefaktu i wystawy. Jeśli zaś chodzi o nazwę rzeźby, to została ona zainspirowana znaną postacią z kreskówek Kotem Feliksem, przywołaną w celu włączenia młodszych odbiorców we współczesną muzealną narrację. Wracając jednak do artysty w Artmajeur, jego vanitas, szanując najwierniejszy wizerunek drapieżnika, odrywa się od intencji czysto percepcyjnej, pokazując raczej, jak w dniu naszej śmierci każdy tytuł honorowy zdobyty za życia będzie zupełnie bezużyteczny .

WIOSNA (2021) Fotografia: Sofia Zelenskaya.

Sofia Zełenskaja: Wiosna

Sofia Zelenskaya jest rosyjską fotografką, która specjalizuje się w przedstawianiu kobiecych postaci do tego stopnia, że jej prace, skupiające się głównie na kobiecych tematach, często eksplorowane w wersji nagiej, charakteryzują się nowym i wizjonerskim światłem, niemal odsłaniającym punkty widzenia wciąż nieznane ludzkiemu oku. Fotografia wiosenna bowiem w sposób nieco niespotykany zestawia kobiece zbliżenie z portretem kwiatowym, łącząc dwa gatunki w opowieść, która zdaje się opowiadać o pokrewieństwie między delikatnością kobiety a delikatnością konkretnej rośliny, który rozdziela się na dwa fragmenty na samym dole kości policzkowej modelki. „Podobny” profil kobiety pojawia się także w znanym arcydziele historii sztuki, które po raz kolejny stawia kobiecą obecność obok gatunku martwej natury: mówię o Martwej naturze z postacią Balthusa (1940), obraz olejny zdominowany przez kompozycję martwych natur ułożonych na stole, w której po prawej stronie występuje młoda i enigmatyczna postać kobieca, nagle ucięta przy prawej krawędzi obrazu tak, że tylko jej głowa, widoczne są ręce i rękaw jej sukienki. Tak więc, choć twórczość polskiego mistrza nie polega na fizycznym „fuzji” kobiety i natury, to jednak, podobnie jak twórczość artystki z Artmajeur, daje nam wystudiowaną perspektywę kobiecego ciała, służącą do pokazania i wprowadzenia , jako rodzaj lokaja, osobliwości kwiatów, owoców itp.