Mimi Eres, Stripes 22/27 , 2022. Akryl na płótnie, 98 x 113 cm.
Odnosząc się do definicji słownika Google dostarczonej przez Oxford Languages, termin pasek oznacza „obszar płaszczyzny między dwiema równoległymi liniami”, tj. ten wydłużony temat, który często twierdził, że występuje głównie w pracach abstrakcyjnych lub minimalistycznych. W rzeczywistości popularność smug, których obecność można już doszukiwać się w architekturze i motywach zdobniczych najstarszych cywilizacji, jako autonomiczny podmiot kompozycji rozprzestrzeniła się dopiero w XX wieku, w którym przedstawienia siatek i monochromia również cieszyły się dużym powodzeniem. To powtórzenie można znaleźć w pracach wielu mistrzów, propagatorów abstrakcjonizmu i minimalizmu, którzy praktykowali lub nadal praktykują od XX wieku do chwili obecnej, takich jak Barnett Newman, Sean Scully i Agnes Martin. , z których analizy dzieła wyłoni się ich osobista interpretacja użycia tego liniowego elementu. Mówiąc o Barnetcie Newmanie, amerykański rzeźbiarz i malarz urodzony w 1905 r. był jednym z głównych przedstawicieli malarstwa kolorowego, jednego z nurtów ekspresjonizmu abstrakcyjnego, przez który badał przede wszystkim różnorodne obszary koloru oddzielone pionowymi liniami, mające na celu powstanie harmonicznych związki subtelnej równowagi, które mają tendencję do rozszerzania przestrzeni. Dobrze ilustruje to arcydzieło z 1967 roku, akryl na płótnie Voice of Fire , abstrakcyjna praca, w której Amerykanin wykonał trzy pionowe pasy o jednakowej wielkości, z których dwa zewnętrzne są pomalowane na niebiesko, a środkowy na czerwono. Tego typu artystyczne poszukiwania wpisują się w ramy stylistyczne najsłynniejszych mistrzów ekspresjonizmu abstrakcyjnego, którzy, jak Jackson Pollock, Mark Rothko i wielu innych, kwestionowali, czym właściwie było malarstwo, starając się wzbudzić emocje i idee z pominięciem typowa trójwymiarowość medium artystycznego, aby promować reakcje wzbudzane wyłącznie przez kolor, pociągnięcie pędzla i fakturę. Z kolei Sean Scully, urodzony w Irlandii, amerykański malarz, urodzony w 1945 roku, znany jest ze swoich abstrakcyjnych obrazów, często charakteryzujących się rytmiczną strukturą kolorowych prostokątów, w których przejmuje wzorzysta dekoracja w paski lub kratkę. Przykładem takiego podejścia do abstrakcjonizmu jest obraz olejny z 1999 roku zatytułowany Ściana światła na pustyni , który w ramach cyklu Ściana światła został zainspirowany nocną wycieczką, która odbyła się na pustyni Nevada, miejscu wybranym przez Scully'ego w aby uciec od chaosu pobliskiego Las Vegas, w którym przebywał. To właśnie kolory podziwiane w tym suchym ekosystemie obserwowanym o zmierzchu leżą u podstaw chromatyki wybranej dla wspomnianego obrazu, gdzie prostokąty w niebieskie, szare i czarne pasy nawiązują do postępującej ciemności nocy na tafli piasku, drobno reprezentowanej przez trzy „cegły”. delikatnego jasnego różu. W tym kontekście widz może sobie wyobrazić stopniowy triumf mroku nad światłem, kontemplując wraz z artystą patos spowijający ciemność, rozumiany jako owe najskrytsze tajemnice niepoznawalnego, mające na celu zmuszenie człowieka do zakwestionowania samego siebie od wieków. za daleko. Podsumowując, trzecim „mistrzem pasków” jest Agnes Martin, amerykańska malarka minimalistyczna, której artystyczne eksperymenty od 1974 roku aż do śmierci skupiały się głównie na badaniu twórczego potencjału pojedynczej formy, która, jak choćby wertykalna i poziome linie, wstawiała w kwadratowe płótno zawsze tej samej wielkości. To, co właśnie zostało opisane, można zobaczyć w obrazie z 1999 roku zatytułowanym Wesołe wakacje , abstrakcyjnym obrazie wyróżniającym się kwadratowym polem malarskim podzielonym na czternaście poziomych pasów o równej szerokości, gdzie biel przeplata się z brzoskwiniowym różem, w układzie pasm oddzielonych faliste linie wykonane ołówkiem grafitowym. Obraz ten, podobnie jak inne z tego okresu, rozpoczęto od zagruntowania całej powierzchni płótna warstwą białego zaprawy akrylowej, która nigdy do końca nie pokryta kolejnymi stanami kolorystycznymi, nadaje obrazowi szeroką przestrzenność wizualną i niepowtarzalną , wibrująca jasność. Ponadto samo połączenie użycia farby z nieprecyzyjnym rozgraniczeniem linii ołówka zdaje się przypominać zarówno widzowi, jak i samemu artyście, że w rzeczywistości geometryczna doskonałość nie może istnieć w przyrodzie, otwierając długą refleksję na temat małżeństwa. sztuki i świadomości naszego otoczenia.
Nataliia Sydorova, Dwie czerwone pasy , 2019. Olej na płótnie, 100 x 80 cm.
Thomas Kausel, Geometrische abstraktion blue and blue , 2022. Olej / akryl na drewnie, 40 x 40 cm.
Pasek: linia abstrakcjonizmu i minimalizmu
Odnosząc się po raz drugi do wspomnianej definicji paska, można zauważyć, że zawiera on słowo prosty, termin mający na celu wskazanie konkretnej linii wyróżniającej się cechą niezmiennego kierunku. W związku z tym historię paska w sztuce można również prześledzić, wyraźnie odwołując się do historii linii, jej elementu składowego par excellence, który od XX wieku cieszył się sporym powodzeniem w świecie twórczym, jako przykłady abstrakcjonizmu lirycznego, abstrakcjonizmu geometrycznego i minimalizmu. Jeśli chodzi o pierwszy ruch, ten abstrakcyjny język, opracowany przez rosyjskiego malarza i muzyka Wasilija Kandinsky'ego i innych artystów, w tym Szwajcara Paula Klee, identyfikuje linię jako jeden z istotnych elementów formy, a także jedyną jednostkę zdolną do wygenerowania powierzchni jako funkcja jego pogrubienia. Dziełem, które to pokazuje, jest Linia poprzeczna Wassily'ego Kandinsky'ego, w której to właśnie orientacja linii określa tytuł arcydzieła, w którym układ kształtów i kolorów wywołuje optymizm i szczęście. Natomiast w odniesieniu do przykładu abstrakcjonizmu geometrycznego nie sposób nie odnieść się do twórczości Pieta Mondriana, której cechy stylistyczne polegają na wykorzystaniu kilku prostych elementów języka wizualnego, takich jak linie pionowe i poziome zazębiające się ze sobą ortogonalnie. , które ułożone są na białym tle oznaczonym kolorami podstawowymi żółtym, czerwonym i niebieskim. Wreszcie w odniesieniu do minimalizmu linia znów staje się bohaterem języka, którego celem jest przedstawienie radykalnej zmiany klimatu artystycznego, charakteryzującego się procesem upraszczania rzeczywistości, polegającym na jej redukcji do najbardziej elementarnych struktur geometrycznych. Do takich czysto dwudziestowiecznych sposobów interpretacji linii, „matki” prążków, dochodzą smugi poglądów artystów Artmajeur, takich jak na przykład poglądy Carli Sá Fernandes, Roberta Van Den Herika i Natalie Levkovskiej.
Tehos, Tehos - liście automn , 2021. Kolaż na płótnie, 100 x 100 cm.
Ronald Hunter, żółte panele , 2022. Akryl na płótnie, 60 x 150 cm.
Carla Sá Fernandes, Kreacja emocjonalna #364 , 2022. Akryl na płótnie, 90 x 180 cm.
Carla Sá Fernandes: Emocjonalna kreacja #364
Kolorowe paski wykonane z akrylu na płótnie przez Carlę Sá Fernandes mają na celu, zgodnie z tytułem, nawiązać do sfery emocjonalnej, wydobywając na światło dzienne wszystkie te intuicyjne, intuicyjne, spontaniczne, intensywne i wybuchowe doznania, które często jesteśmy zmuszeni ukrywać. za bardziej praktycznym i rozsądnym poczuciem obowiązku. Ponadto taka interpretacja dzieła mogłaby zostać wzbogacona o wnikliwe studium historii sztuki, które umożliwia skojarzenie Emocjonalnej kreacji #364 z arcydziełem Bridget Louise Riley Achæan z 1981 roku. Jest to właśnie dzieło tej ostatniej Brytyjczyków. malarz, jeden z czołowych przedstawicieli sztuki op-artu, reprezentujący, podobnie jak akryl artysty z Artmajeur, kompozycję pasków, które pomagają określić strukturę obrazu. Jednak w przypadku roku 1981 Riley opracowała własną paletę kolorów, całkowicie inspirowaną kolorami starożytnych egipskich malowideł nagrobnych, które odwiedziła podczas podróży z 1979 roku. Wreszcie, ponownie demonstrując znaczenie pasków w twórczości brytyjskiego artysty , warto wspomnieć o wystawie Bridget Riley: The Stripe Paintings z 2014 roku, która odbywała się w galerii David Zwirner (Londyn) i została pomyślana właśnie z zamiarem podkreślenia zaangażowania Rileya w interakcję między formą a kolorem , właśnie poprzez użycie linii elementarnych.
Robert Van Den Herik, W drodze do domu , 2022. Olej na drewnie, 80 x 80 cm.
Robert Van Den Herik: W drodze do domu
Kolumny o różnej wysokości, ozdobione czarno-białymi paskami i ułożone w celach czysto ozdobnych w pustynnym krajobrazie tajemniczej planety w Układzie Słonecznym, stanowią, obok braku ludzkich form życia, symbol świata skolonizowanego najpierw, a następnie porzucony przez człowieka, który wniósł w uniwersum cechy stylistyczne wyraźnie nawiązujące do twórczości Daniela Burena, francuskiego artysty konceptualnego, malarza i rzeźbiarza urodzonego w 1938 roku. Mam na myśli w szczególności pracę tego ostatniego Dwa płaskowyże , które częściej znana jako Kolumny Burena , to instalacja artystyczna z lat 1985-1986, zaaranżowana na wewnętrznym dziedzińcu Palais Royal w Paryżu we Francji. Ten „dodatek” do tego ostatniego budynku, wzniesionego w 1624 r. na polecenie kardynała Richelieu, powstał na życzenie byłego francuskiego ministra kultury Jacka Langa, który postanowił upiększyć dziedziniec pałacu, który wcześniej służył jako parking z robotami zleconymi od Buren. To właśnie realizacja tego ostatniego wywołała ożywioną debatę na temat integracji sztuki starożytnej i nowoczesnej, refleksję, która w przypadku pracy Roberta Van Den Herika mogłaby nawet rozciągnąć się na „fuzję” sztuki antycznej, nowoczesnej. sztuką i pejzażem, zachęcając widza do wyobrażenia sobie relacji między twórczym talentem a nowymi światami, które mają zostać „skolonizowane”.
Natalie Levkovska, Zatańczmy! , 2022. Rysunek / gwasz / ołówek na papierze, 72 x 52 cm.
Natalie Levkovska: Zatańczmy!
Twórczość Lewkowskiej zawiera, w języku sztuk figuratywnych, niezbędnik świata mody, taki jak sukienka w paski! Właśnie taki rodzaj ubioru jest w stanie opowiedzieć bogatą, pełną kontrastów historię, w której paski pełnią rolę zarówno pozytywną, jak i negatywną. Rzeczywiście, w średniowieczu kojarzyły się one wyłącznie z cechami umundurowania więźniów, co sprawiało, że były postrzegane przez opinię publiczną jako oczywiste przejawy transgresji. Później, a dokładniej podczas Rewolucji Francuskiej, pasiaste sukienki, noszone przez Sankulotów, stały się najczystszym symbolem przewrotu politycznego. W „podobny” sposób skojarzenie pasków z przesłaniem politycznym powtórzono w 1777 r., kiedy to pasy nowo powstałej flagi amerykańskiej symbolizowały ideę wolności. Jednak od około 1858 r. pasy stały się niezwykle popularne w marynarce wojennej, gdyż jeszcze w tym samym roku zostały wybrane jako wzór oficjalnego munduru francuskich marynarzy. Jednak dopiero w XX wieku paski stały się bardziej czysto dekoracyjne i mniej „symboliczne” dzięki pracy Coco Chanel, Adidasa, Soni Rykiel, Tommy Hilfiger, Jean Paul Gaultier i wielu innych, którzy je przerobili. w klasykę odzieży, którą można dostosować do każdej okazji.
Olimpia Gaia Martinelli
