„MÉMOIRES RUPESTRES” (2008) Obraz Jeannine Martin.
Sztuka naskalna: znaczenia
Z jakiego powodu powstała ekspresja artystyczna? Dlaczego przyczyna, dla której powstał, uświadamia nam, jak niezmienna jest sama natura ludzka? W rzeczywistości nie można zaprzeczyć, że sztuka jest zdolna do krystalizacji rodzaju ludzkiego na różnych etapach ewolucji, które zawsze i w każdym przypadku uzewnętrzniały, choć z dużą zmiennością ekspresji i przedstawiania rzeczywistości, określony światopogląd, sam w sobie powiązany z przekonaniami lub ideały typu religijnego, politycznego, kulturalnego itp., na których człowiek zawsze musiał polegać, zarówno aby wyrazić spójność swojego bytu, jak i w odniesieniu do wspólnoty jednostek tworzących część jego własnego momentu historycznego. Weźmy przykład: Mona Lisa, gdyby powstała dzisiaj, prawdopodobnie przeszłaby niezauważona, ponieważ w zamierzeniu miała być prostym portretem, w epoce, w której medium malarskie w dużej mierze oderwało się od potrzeby wiernego przedstawiania Prawdziwa rzecz. Jednak w momencie powstania arcydzieło zostało zakupione nawet przez Franciszka I, króla Francji, uznanego za potencjalny emblemat włoskiej kultury renesansowej, czego dobrym przykładem jest technika sfumato i wykorzystanie perspektywy powietrznej. Dziś, pomimo wielorakich podejść artystycznych, podyktowanych zapewne różnymi celami sztuki, zwierciadłem bytu i rzeczywistości, w której się ona objawia, Mona Lisa pozostaje koniecznym dziedzictwem, czyli cennym symbolem człowieka przeszłości , do którego koniecznie trzeba się odwołać, aby móc stworzyć ciągłość z teraźniejszością, nadając spójne formy poruszeniom współczesnej duszy. To właśnie w tym ostatnim realizuje się synteza i stałość, mające na celu zjednoczenie człowieka wszystkich wieków, który w zasadzie zawsze żył, próbując wyrazić i zsyntetyzować swój zewnętrzny i wewnętrzny moment, poprzez malarstwo, rzeźbę itp. W w przypadku malowideł jaskiniowych zdawałyby się one manifestacją ludzkiej chęci uzewnętrznienia rytuałów inicjacyjnych, ale także utylitarnej magii łowieckiej, zdolnej do zwiększania liczebności zdobyczy, a także kształtowania wybiegających w przyszłość obrazów, w których myśliwy uświadamiał sobie o niebezpieczeństwach, z którymi będzie musiał się zmierzyć, aby zdobyć pożywienie. Ponadto inna teoria, opracowana przez południowoafrykańskiego archeologa Davida Lewisa-Williamsa, zakładałaby, że na malowidłach znajdują się dzieła paleolitycznych szamanów, ludzi potrafiących wycofać się w ciemność jaskiń, aby wejść w stan przypominający trans, co pobudzało ich do malują obrazy swoich wizji, być może z myślą o czerpaniu mocy z samych ścian jaskini. Wreszcie, niektóre z najnowszych badań wydają się interpretować malowidła jaskiniowe jako elementy zewnętrzne cyklu godowego zwierząt, co zgodnie z kalendarzem księżycowym uczyniłoby z nich pierwszy znany dowód istnienia protopisma, zdolnego do wyjaśniając tematykę wielu podobnych dzieł. Podsumowując, warto podkreślić, że przedmiotowe malowidła jaskiniowe, zwane sztuką ścienną pochodzenia prehistorycznego, umieszczane na ścianach lub stropach jaskiń, podobnie jak Mona Lisa, pozostają żywe w pamięci historii sztuki, pojawia się ponownie, w nowych formach, w języku takich artystów jak Giuseppe Penone, Pablo Picasso, Pierre Soulages i Banksy.
„TRIBE-I” (2021) Rzeźba autorstwa Mahesha Anjarlekara.
„FAUVISME RUPESTRE” (2022) Obraz Jeana-Luca Lopeza.
Giuseppe Penone: przestrzeń jaskini
Jaskinie były miejscami, w których schronili się prehistoryczni ludzie, co nawiązuje do ciemnego środowiska, w którym słychać było dudniące dźwięki, ale deszcz nie był w stanie ich zmoczyć, chociaż żarłoczne drapieżniki wciąż zdołały się zbliżyć. Prawdopodobnie to właśnie ten starożytny obraz zainspirował instalację zatytułowaną Sculture di Linfa (2007) autorstwa Giuseppe Penone, włoskiego artysty i rzeźbiarza urodzonego w 1947 roku, który stworzył ją z okazji Biennale w Wenecji w 2007 roku, wydarzenia, podczas którego dał kształt, zgodnie z pragnieniem ukonkretnienia wspomnianego środowiska, odtwarzając je za pomocą zmanipulowanych materiałów naturalnych, zdolnych doprowadzić widza do przeżycia raczej pierwotnego doświadczenia, zarówno wizualnego, węchowego, jak i dotykowego.
Pablo Picasso: tematy
Jeśli pomyślimy o sztuce naskalnej, przychodzą nam na myśl przede wszystkim powracające wizerunki zwierząt, które, jak wspomniano powyżej, nie są niczym innym jak manifestacją większej bliskości z naturą, z konieczności wiążącej także określone przekonania z motywem religijnym i religijnym. smak rytualny. Podobną postawę zajęło wiele wieków później figuratywne dociekanie Pabla Picassa, który poprzez wyeksploatowany symboliczny wizerunek byka chciał nawiązać do głębszych znaczeń, mających na celu podkreślenie potężnej i żywotnej brutalnej siły ssaka, temat, który jednoznacznie zapożyczył właśnie ze sztuki naskalnej, do tego stopnia, że sam mistrz oświadczył, że „człowiek współczesny właściwie nie wymyślił nic nowego...
Pierre Soulages: namacalne oznaki ludzkiej egzystencji
Sztuka naskalna wpłynęła także na cechy stylistyczne Soulagesa, francuskiego malarza i rytownika urodzonego w 1919 roku, którego w dużej mierze zafascynowały realistyczne, a także abstrakcyjne znaki pozostawione w jaskiniach przez naszych przodków, w których rozpoznał konkretny przejaw silna, a zarazem wrodzona chęć wyrażenia siebie, zdolna jego zdaniem do zapuszczania się człowieka w ciemność jaskiń! Dokładnie to, co zostało powiedziane, powtarza sztuka danego mistrza, który na ogół wyraża się poprzez tworzenie rowków pozostawionych na powierzchni płótna, zwykle czarnego podłoża, na które światło narzuca swoją obecnością głębię, odbicia i odcienie, które można zmieniać w zależności od kąta obserwacji. Widz będzie miał zatem wrażenie, że wchodzi do wspomnianych wyżej ciemnych jaskiń, miejsca, w którym jedynie przy blasku latarki mogły poznać wszystkie symboliczne przesłania pozostawione przez człowieka.
Banksy: powierzchnie gotowe do zmian w czasie
Co łączy sztukę jaskiniową i sztukę uliczną? Łatwe: medium tego ostatniego, a także jego zmienność w ścianach, czy to miast, czy jaskiń, mogą podlegać przemianom podyktowanym czynnikami naturalnymi, a także własną modyfikującą działalnością człowieka. Jednak w odróżnieniu od pierwszej formy wypowiedzi, ta druga wraz z jej symbolicznym znaczeniem spotyka się z niechęcią władz do tego stopnia, że, jak wiemy, często spotyka się z sprzeciwem i cenzurą w swoich przejawach. W rzeczywistości jednak budzące strach graffiti można rozumieć jako przedłużenie sztuki jaskiniowej, ponieważ ono również powstało w celu zrozumienia i syntezy świata zewnętrznego. W tym sensie dobrze wiadomo, jak sam Banksy twierdzi, że gdyby nasza cywilizacja została zniszczona, przyszłe pokolenia mogłyby ułożyć życie na miarę XXI wieku, korzystając z samych bazgrołów na ścianach metra. Prawdopodobnie, aby dać kontynuację tej myśli, artysta stworzył Cave Painting Removal (2008), mural przedstawiający pracownika miejskiego, chcącego oczyścić ścianę pokrytą rysunkami inspirowanymi jaskiniami Lascaux (Francja), bezcenną sztuką prehistoryczną, które, podobnie jak graffiti, jest obecnie uważane za akt wandalizmu i należy je usunąć.
„RĘVERIE RUPESTRE UN” (2022) Obraz Claude-Yvana Conne’a.
Wspomnienia ze sztuki jaskiniowej (2018) Malarstwo Lefolhuba.
Lefolhub: wspomnienia sztuki jaskiniowej
Wspomniani wyżej mistrzowie, niewątpliwie pasjonujący się sztuką jaskiniową, z pewnością nie znali najbardziej znanego przykładu tego gatunku, do którego wyraźnie nawiązują także olejne stylizacje Lefolhuba. Mam na myśli malowidła znajdujące się w jaskiniach Lascaux (Francja), kompleksie jaskiń, w którym znajdują się dzieła sztuki ściennej z okresu górnego paleolitu, przedstawiające głównie trzy kategorie tematów: zwierzęta, postacie ludzkie i abstrakcyjne znaki, które ponownie całkowicie nawiązują do Wspomnienia sztuki jaskiniowej wykluczają także aluzje do obrazów, których celem jest uchwycenie otaczającego krajobrazu i jego roślinności. Inne podobieństwa można znaleźć w doborze kolorów dokonanym przez artystę Artmajeura, który zdecydował się na użycie prehistorycznej czerni, żółci i czerwieni. Wszystko wydaje się dość jasne i spójne, dopóki nie przeczytamy własnego opisu wspomnień sztuki jaskiniowej, gdyż malarz tak naprawdę przyznaje, że chciał czerpać inspiracje z życia pasterskiego i scen myśliwskich Sahary. To miejsce oddalone od wspomnianej Francji prowadzi nas do mniej popularnej, ale równie godnej uwagi sztuki naskalnej środkowej Sahary, która datowana na liczne okresy rozpoczynające się około 12 000 lat temu ukazuje kulturę starożytnych społeczeństw afrykańskich, przejawiającą się w dziełach sztuka rzeźbiona lub malowana na naturalnych skałach. Wśród wielu omawianych przykładów, z których Lefolhub mógł czerpać inspirację, z pewnością znajduje się Jaskinia Bestii, ogromne naturalne schronisko skalne, które położone na Pustyni Zachodniej w Egipcie zostało ozdobione neolitycznymi malowidłami naskalnymi z czasów ponad 7000 lat, które zawierają ponad 5000 figurek pomalowanych czerwonymi, żółtymi, białymi i czarnymi pigmentami, z których wiele zostało celowo zniekształconych w czasach prehistorycznych.
Pierwsza sztuka jaskiniowa (2019) Obraz Michaela Peddio.
Michael Peddio: Pierwsza sztuka jaskiniowa
Jasne kolory i krople, zapożyczone zapewne z instynktowności malarstwa akcji, na nowo proponują swoją pierwotność poprzez spotkanie ze światem zwierząt, oddanym za pomocą prostych sylwetek, umiejętnie wykonanych tak, by zgodnie z tytułem nawiązywać do pierwszych dzieł sztuki w historia ludzkości: malowidła jaskiniowe. Opis ten prowadzi nas do kontynuacji rozpoczętej i następnie przerwanej powyżej narracji, która w odniesieniu do związku sztuki naskalnej ze sztuką współczesną odnosi się do współczesnych mistrzów, którzy celowo przerobili prehistoryczne cechy lub ideały stylistyczne, takich jak m.in. Hirschhorn, autor Żyrandola z rękami (2006), rzeźby, w której duże kształty przymocowane do drewnianej konstrukcji uosabiają pożywienie, którego poszukiwanie było z pewnością głównym zajęciem prymitywnego człowieka. Te gatunki „piersi z kurczaka” pomyślano jako zawieszone nad ziemią właśnie po to, aby je zabezpieczyć, to znaczy zakonserwować do późniejszego spożycia, gdy towarzyszy im kilka rąk, co ma symbolizować te osoby, które w czasach już zbyt dawno temu opuściły ich ślady na ścianach jaskini. W tym miejscu wchodzi w grę twórczość Josepha Beuysa, który, jak nie wszyscy wiedzą, podszedł także do sztuki jaskiniowej tworząc pewne akwarele, w których, podobnie jak w sztuce jaskiniowej, postać człowieka nie jest jedynym i głównym tematem, lecz fakt, który drastycznie dystansuje ją od „humanistycznych” badań figuratywnych, które po niej nastąpiły. Realizując ten zamysł, Beuys malował zwierzęta w odcieniach pomarańczy, nawiązujących do sztuki jaskiniowej, uwieczniając je razem z ludźmi bez żadnego zróżnicowania.
Żubr (2020) Malarstwo Elisabeth Pierret.
Elisabeth Pierret: Bizon
Na abstrakcyjnym tle o ziemskich, ale niebiańskich aromatach, ciężka, choć pozornie lekka i syntetyczna sylwetka żubra, niezwykle powracający temat w figuratywnych badaniach sztuki naskalnej, narzuca się, jakby zawieszona pomiędzy królestwem chmur a królestwem chmur. skały. Popularność tego zwierzęcia wciąż pozostaje niejasna dla archeologów, którzy często interpretują taki pogląd po prostu jako chęć udokumentowania rzeczywistości wczesnych artystów w historii sztuki, choć łatwo jest powiązać obecność tych ssaków, podobnie jak innych, z specyficzne rytuały lub praktyki magiczne. Z drugiej strony, gdybyśmy mieli rozszyfrować żubra nawiązując do kultury indiańskiej, która przypisuje temu ssakowi ogromne znaczenie, uznalibyśmy go za zwierzę totemiczne, kojarzone z Wakan Tanką, czyli Wielkim Duchem, bóstwem absolutnym świętym. wszystkim ludziom, którzy jeśli pojawiała się we śnie, często ostrzegała przed nadejściem bezpośredniego niebezpieczeństwa, natomiast gdy była kontemplowana po rytualnej lub zbiorowej modlitwie, oznaczało, że dana prośba została wysłuchana zostać przyznane. Na koniec warto zaznaczyć, że zwierzę ucieleśniało także to, co nadprzyrodzone, ponieważ zostało zidentyfikowane jako zdolne dać życie, aby umożliwić ludziom egzystencję, co skłania do refleksji nad faktem, że wszystko w przyrodzie jest obecne w obfitości, tylko wtedy, gdy ludzie potrafią ją autentycznie uszanować i przyjąć, to znaczy bez udawania, ale z wdzięcznością.
Olimpia Gaia Martinelli