KANGURKI \ KANGUROWE (2022) Malarstwo Fabiena Dreuila.
Australijska historia sztuki: kangury
Pomyślałem, że powierzę narrację o wczesnych latach sztuki australijskiej, a także jej późniejszej europeizacji, kangurowi, symbolicznemu zwierzęciu Oceanii, które będzie używane jako kanał między aborygeńską i zachodnią ekspresją figuratywną. W rzeczywistości najwcześniejszymi przedstawicielami kreatywności na Nowym Kontynencie byli w prehistorii przodkowie australijskich Aborygenów, twórcy już co najmniej 30 000 lat temu dzieł sztuki naskalnej, które pod względem obfitości i datowania można w porównaniu z bardziej znanymi europejskimi przykładami Lascaux i Altamira. W rzeczywistości, w porównaniu z tym drugim, sztuka Aborygenów okazałaby się jeszcze starsza, do tego stopnia, że jest uważana za najbardziej datowaną na świecie, rozwiniętą w trzech głównych stylach, a mianowicie geometrycznym, figuratywnym i złożonym. Taka produkcja była nierozerwalnie związana z religijno-kulturowym światopoglądem, mającym na celu przenikanie każdego aspektu życia postaciami przodków, którzy animowali twórczość przybierającą często heroiczne rozmiary i nadprzyrodzone zdolności. Warto zauważyć, że postacie te różniły się od bogów, ponieważ nie kontrolowały świata materialnego ani nie były czczone, ponieważ były tylko czczone. Właśnie w celu zagłębienia się w cechy stylistyczne tego okresu historii Australii postać kangura, ssaka torbacza, będącego bohaterem liczącego 17 300 lat rockowego graffiti, mającego na celu ożywienie w dwóch Interweniuje dwumetrowe stylizowane przedstawienie figuratywne wykonane w kolorze czerwonej ochry na suficie schroniska skalnego znajdującego się w regionie Kimberley, miejscu w Australii Zachodniej niezwykle znanym z malowideł aborygeńskich. Mówiąc o stylu wykonania, zwierzę zostało wykonane w starszym okresie przyrodniczym, naznaczonym zarysami zwierząt uwiecznionych w naturalnej wielkości. Współczesną interpretację poruszonego przed chwilą tematu cel' proponuje stancil Fabiena Dreuila, artysty, który wykonał Kangorros, dzieło mające na celu odtworzenie atmosfery jaskini ozdobionej sztuką pierwszych ludzi na ziemi, podobnie jak sam artysta zdradza, który zaproponował widzowi wyobrażenie sobie „cofania się o tysiące lat wstecz” w celu odkrycia sztuki ludzi, którzy oprócz życia w jaskiniach utorowali drogę do figuratywnej kreacji. Zupełnie inny jest jednak „realistyczny” kangur wykonany przez angielskiego malarza George'a Stubbsa, który przenosi nas bezpośrednio do okresu przedstawień europejskich, czyli do czasów, gdy artyści Starego Świata wykonywali pierwsze artystyczne przedstawienia Australii, głównie poprzez wykonywanie ilustracji przyrodniczych, mających na celu przedstawienie najbardziej typowej flory i fauny, głównie do celów naukowych. W tym kontekście narodził się wspomniany obraz malarza Kongouro z Nowej Holandii (1772), obraz olejny mający na celu przedstawienie pierwszego w historii sztuki zachodniej okazu ssaka torbacza, namalowany na zamówienie przyrodnika Josepha Banksa i wykonany na podstawie spuchniętej skóry zwierzęcia, którą zebrał na wschodnim wybrzeżu Nowego Kontynentu w 1770 r., czyli podczas pierwszej wyprawy odkrywczej porucznika Jamesa Cooka. Ponadto wydaje się, że arcydzieło zostało zainspirowane rysunkiem o podobnej tematyce autorstwa Sydneya Parkinsona, botanicznego ilustratora Josepha Banksa, podczas pierwszej podróży Jamesa Cooka. Opisując pokrótce Kongouro z Nowej Holandii, olej przedstawia zwierzę siedzące na skale i oglądające się przez ramię, prawdopodobnie po to, by skierować wzrok na tło animowane przez drzewa i góry. Podobny widok, choć w tym przypadku zwierzę przedstawia głowę obracającą się w lewo zamiast w prawo, daje nam obraz artystki Artmajeur Emiliji Šileikaitė, autorki imponującego, silnego i dumnego okazu torbacza, który wyposażony w ekstrawagancką metalową łapę symbolizuje smutne zmiany i nieuchronne wymieranie w świecie zwierząt, którego tak obawia się malarz.
KANGAROO (2019) Malarstwo Emiliji Šileikaitė.
LITTLE COVE NOOSA (2022) Obraz Helen Mitra.
Australijska historia sztuki: historia naturalna, krajobrazy i impresjonizm
Narracja australijskiej historii sztuki trwa do okresu kolonizacji brytyjskiej oraz późniejszej gorączki złota i ekspansji, koncentrując się głównie na historii naturalnej i gatunku pejzażu. Jeśli chodzi o ten pierwszy moment, warto wyjaśnić, jak począwszy od kolonizacji brytyjskiej w 1788 r. zamieszanie w dociekaniach artystycznych przesunęło się na renderowanie światła, które wygląda zdecydowanie inaczej w Oceanii niż w Europie. Z tym celem wiązała się także transformacja idei artystycznych Starego Świata w celu dostosowania ich do nowego kontekstu, w którym poszukiwanie nowych znaczeń jawiło się jako bardziej zbliżone do kształtującego się społeczeństwa nowej rzeczywistości. Wszystkie te zamierzenia zostały zrealizowane dzięki pracy wielu ilustratorów historii naturalnej, etnograficznych portrecistów i pejzażystów, którzy, jak John Glover Thomas Watling, Conrad Martens i William Westall, byli pod silnym wpływem europejskich cech stylistycznych, w tym z pewnością Claude Lorrain i Salvator Rosa , uchwycił charakterystyczną karateterystykę krajobrazów Oceanii. Przykładem powyższego jest William Westall's View of Sir Edward Pellews Group, Gulph of Carpentaria (1802), dzieło będące częścią serii obrazów, które artysta wykonał jako relację z australijskiej wyprawy odkrywcy Matthew Flindersa, uwieczniając widok plaży z inną linią brzegową kontynentu, na której na pierwszym planie wyróżnia się aborygeńskie schronienie złożone z roślinności, mające stać na zaokrąglonej konstrukcji, która w swoich wysokich obiektach w kształcie bębna zbiera kamienie pamiątkowe przodkowie miejscowych Aborygenów, mianowicie Yanyuwa. Taka wizualizacja mogła być eskortowana przez artystę na Wyspie Obserwacyjnej, miejscu, w którym Flinders wylądował na kontynencie. Podobną idylliczną wizję ziemskiego raju oferuje Little Cove Noosa, olej na płótnie artystki Artmajeur Helen Mitra, w którym jasno przedstawia swoją interpretację wspaniałych kolorów i cichego spokoju australijskiego Queensland, miejsca bogatego w wielką różnorodność flora umiejętnie uchwycona przez wspomnianego malarza za pomocą tradycyjnej techniki nakładania warstw farby, co pomaga nadać głębi i uchwycić światło słoneczne na wodzie, skałach i palmach.
BELLINGEN GOLD (2004) Obraz Leonarda Aitkena.
OCEAN'S EDGE (2023) Obraz Inessy Ivascanin.
Doszliśmy do okresu gorączki złota i ekspansji, kiedy od 1851 roku wyznaczono ogromny napływ osadników i bogactw, mający na celu niezwykle zamożne rozkwitniecie rynku malarstwa pejzażowego, wykonywanego głównie na zlecenie zamożnych ziemian lub kupców, którzy chcieli kształtować swój materialny sukces. Wśród artystów, którzy wyróżnili się w tym kontekście, są z pewnością Eugene von Guerard, William Strutt, John Skinner Prout, Knud Bull i Nicholas Chevalier, mistrzowie, na których czasami wpływały wzorce szkoły Barbizon. Jeśli chodzi o Nicholasa Chevaliera, rosyjskiego artystę, który tworzył zarówno w Australii, jak i Nowej Zelandii, jest on twórcą Mount Arapiles and the Mitre rock (1863), olejnego na płótnie mającego na celu zobrazowanie miejsca, do którego malarz dotarł po raz pierwszy w 1862 r. roku towarzyszył Georgowi Neumayerowi, niemieckiemu odkrywcy i naukowcowi, w ekspedycji naukowej, gdyż sztukę uważano wówczas za wierną służebnicę nauki. Arcydzieło z 1863 roku dąży do uwiecznienia potęgi natury w porównaniu z nieubłaganą ludzką małością, mającą na celu zarządzenie narodzin pełnego szacunku podziwu dla stworzenia, co po części przypomina nam o obojętności i ogromie elementu naturalnego obecnego w dziele Williama Turnera. To właśnie australijski artysta Artmajeur, Leonard Aitken, wydaje się odpowiadać na tę drugą koncepcję poprzez idyllę Bellingen Gold, dzieło, w którym przyroda jest proponowana w całym jej bezruchu jako środowisko, które należy kultywować we wszystkich swoich przyjemnościach, a tym samym w jego kolorach , zapachy, ogrom, formy życia zwierząt i roślin, nie wprowadzając nawet pewnego rodzaju cichego niebezpieczeństwa. Zakończenie okresu gorączki złota następuje po australijskiej erze impresjonizmu, tradycji, która, związana ze szkołą w Heidelbergu, miała na celu uwiecznienie scen pasterskich i australijskich, przedstawiających głównie pracę fizyczną, podbój ziemi i idealizację wiejskiego pioniera . Z pewnością artyści z Heidelbergu, w tym Frederick McCubbin, Tom Roberts, Arthur Streeton i Charles Conder, zaciągnęli dług u Milleta, Bastiena-Lepage'a i Courbeta. Zamiast tego, otwierając nawias porównania między XIX-wiecznym australijskim impresjonizmem Charlesa Condera, twórcy A Holiday at Mentone (1888), a Inessą Ivascanin, artystką Artmajeur, która stworzyła Ocean's Edge, staje się jasne, że ten pierwszy praca ma pokrewieństwo z udrapowanymi postaciami pejzażami morskimi Claude'a Moneta, podczas gdy ten drugi, w połowie drogi między impresjonizmem a późniejszymi ruchami, bardziej skłania się ku realizacji późniejszej postimpresjonistycznej wizji wczesnego Paula Cézanne'a.
BEZ TYTUŁU - WSZELKIE ZAPYTANIA DO GALERII 444, DZIĘKUJĘ. Obraz autorstwa Williama Johnsa.
Australijska historia sztuki: od ery Federacji do współczesności
Dotarliśmy do końcowej części tej relacji, mającej na celu podsumowanie form, jakie przybrała australijska sztuka malarska od ery Federacji do współczesności. W pierwszym interesującym nas okresie, wraz z narodzinami zjednoczonego narodu w 1901 roku, tradycja pejzażowa powróciła niezwykle modnie, wzorując się na bardziej klasycznych artystach tego gatunku, twórcach wielkich i nacjonalistycznych wizji pasterskich. Ponadto epoka naznaczona była ruchem australijskich tonalistów , a połowa XX wieku to odrodzenie zainteresowania Outback jako tematem sztuki australijskiej. Następnie, podczas gdy lata sześćdziesiąte przyniosły popularność netto miejskich buszu, nadejście lat siedemdziesiątych zadekretowało ustanowienie sztuki o tematyce ekologicznej, to znaczy zaangażowanej w propagowanie przesłań konserwatorskich, aby przeciwstawić się zagrożeniom zniszczenia środowiska. Wreszcie, jeśli chodzi o twórczość malarzy współczesnych, to w dzisiejszych czasach zdecydowanie nie sposób, czy to w odniesieniu do Oceanii, czy jakiegokolwiek innego kontynentu, mówić o szczególnie powracającym nurcie lub temacie artystycznym, wszystko bowiem okazuje się dość popularne, po prostu o czym świadczy surrealistyczny obraz australijskiego malarza Artmajeur Williama Johnsa, zatytułowany Bez tytułu, przedstawiający postać ludzką bez twarzy we wnętrzu, miejscu, w którym wydaje się ona zamknięta w małej obudowie, prawdopodobnie mającej symbolizować ograniczenia podmiotu, co dobrze sprawdza się stania się reprezentantem małości istoty ludzkiej.
Olimpia Gaia Martinelli
